PAPER WORKS

De Agglutinatione. On Luca Galofaro’s collages
BY Beniamino Servino

The Form takes shape, manifests itself, during its construction. The Form shows itself as a result of the process of its research.
Thought implements itself [it passes from potency to act] through the representation of its form. Thought takes place as it searches for words to represent itself. It unrolls—unfolds—stretches—takes shape.
Images serve the form, as words serve the sentence.
Inventing—discovering—finding, among those possible, the usable forms [available for use]. Adapting forms in order to be able to use them again.
Inventing is the secular act of selecting and adapting existing forms.
Creating, by contrast, is the mystical delirium [the sleight of hand] of summoning up what was not there before.

…
The Collage comes after archiving, after taxonomy.
The Collage follows, chronologically, the compulsive collection of pieces, shapes, fragments of shapes, whole shapes, broken waiting to be reassembled, to find a new meaning.
Luca Galofaro's Collage is a proto-planning practice.
[The Author / the Collage] lays on a single perceptual plane elements recovered from heterogeneous and staggered planes.
[The Author / the Collage] holds together at the same time—synchronically—pieces [out of the context and time that have generated them] in one body and in the present time.
Immediately afterwards there is the project.


[BS 23 03 20 18]

DE AGGLUTINATIONE. Sui collage di Luca Galofaro.
La Forma prende corpo, si manifesta, durante la sua costruzione. La Forma si mostra come esito del processo della sua ricerca.
Il pensiero si attua [passa dalla potenza all’atto] attraverso la rappresentazione della sua forma. Il pensiero si svolge mentre cerca le parole per rappresentarsi. Si svolge-si dispiega-si distende-prende forma.
Le immagini servono alla forma come le parole alla frase.
Inventare-invenire-trovare, fra quelle possibili, le forme utilizzabili [disponibili all’uso]. Adattare le forme per poterle usare ancora una volta.
Inventare è l’atto laico della selezione e dell’adattamento di forme esistenti.
Creare, di contro, è il delirio mistico [prestidigitazione] di far apparire quello che prima non c’era.
…
Il Collage viene dopo l’archiviazione, dopo la tassonomia.
Il Collage segue, cronologicamente, la raccolta [a volte] disposofobica di pezzi, di forme, di frammenti di forme, di forme intere, spezzate in attesa di essere ricomposte, di ritrovare un senso nuovo.
Il Collage di Luca Galofaro è una pratica proto-progettuale.
[l’Autore/il Collage] Dispone su un unico piano percettivo elementi recuperati da piani eterogenei e sfalsati.
[l’Autore/il Collage] Tiene insieme nello stesso tempo –sincronicamente- brani [fuori dal contesto e fuori dal tempo che li hanno generati] in un unico corpo e nel tempo presente.
Subito dopo c’è il progetto.

HOME FUTURES

Home Futures,

The Design Museum 2018

Stiamo vivendo in un mondo immaginato nel passato oppure l’idea di casa che è radicata dentro la nostra memoria ha avuto il sopravvento? Home ’s Future è un’esplorazione della casa oggi attraverso lo sguardo sul futuro di chi lo immaginava molti anni fa.

E’ evidente che la tecnologia ha cambiato il nostro modo di percepire l’abitare, relegando l’estetica ad un ruolo secondario rispetto alla realtà oggettiva dello spazio costruito.

La fortunata serie tv Black Mirror in un certo senso interpreta questo rapporto tra estetica e tecnologia con uno sguardo più attento ai comportamenti piuttosto che allo spazio e agli oggetti che lo compongono, la tecnologia modifica l’uso e la costruzione dello  spazio. Nel 1968 Il sistema degli oggetti di Baudrillard racconta di una casa in piena trasformazione. Un mondo in cui gli oggetti, anche grazie ai progressi compiuti dalla tecnologia, si liberano dai rigidi vincoli imposti dalla tradizione e perdono la loro valenza di simbolo famigliare e sociale. Non evidenziano più ciò che è nella loro sostanza e nella loro forma il legame con delle relazioni umane concrete, ma solamente quel rapporto sistemico collocato su un piano astratto che stabiliscono con tutti gli altri oggetti-segni. Ciò consente loro di essere “personalizzati” e di essere consumati non tanto su un piano materiale, quanto su un piano puramente comunicativo.

Home future racconta tutto questo ed attraverso la lente dell’immaginazione ci invita ad un ulteriore salto in avanti, molte delle idee contenute in questo libro ci mettono di fronte alla capacità dei progettisti di scrivere infatti un iper testo parallelo alla realtà capace di costruire un immaginario ancora oggi   fortemente caratterizzante e ricco di spunti di riflessioni.

L’ Italia ha in questa idea di futuro un ruolo importante e per certi aspetti doppio. Da una parte la ricerca degli architetti Radicali che hanno profetizzato la sparizione dell’architettura e le ultime ricerche dello studio Dogma sulla storia dell’abitare minimo.

Dall’altra i progetti dei designer che hanno costruito il nostro presente  come la Mini Cucina di  Joe Colombo del 1963,  ancora in produzione oggi. I Micro Ambienti in movimento di Ettore Sottsass del 1972  e i mobili frutto dell’autoproduzione pianificata da Enzo  Mari.

Un  libro che ha la capacità di mettere a sistema design ed architettura, attraverso un viaggio tra passato e presente e una scrittura per immagini intensa e ricca di spunti di riflessione per il futuro che ancora deve arrivare.

BETWEEN THE LINES

Sol LeWitt - Between the Lines                                                                                                                              A cura di Francesco Stocchi                                                                                                                              Koenig Books London 2017

Questo libro completa ed integra la mostra dallo stesso titolo alla Fondazione Carriero a Milano. Si costruisce attorno tre riflessioni diverse. Quella curatoriale di Francesco Stocchi che cerca di mettere in scena il lavoro molto conosciuto ed apprezzato del padre dell’arte Concettuale creando un’ interferenza con un architetto, Rem Koolhaas con il quale non cerca di costruire un punto di vista critico ma autoriale. Un punto di vista diverso dal quale osservare il lavoro dell’artista. Completa il lavoro un saggio storico-biografico di Adachiara Zevi. Ai tre saggi si accostano la selezione delle opere, ma anche una biografia scandita da una selezione cronologica delle opere. Questi tre sguardi danno forma ad un libro importante, capace di riflettere sul significato di lettura e rilettura dell’arte, e sul rapporto che si instaura con l’architettura che la ospita.

Non è propriamente un catalogo, ma un libro costruito per sperimentare una lettura multipla. Un libro che indaga forse più della mostra, come il lavoro di Lewitt sia un procedere non lineare, non esiste infatti come per altri artisti un unica componente narrativa. La sua è una somma di esperienze che iniziano e finiscono, un accumularsi lento. Come scrive Koolhaas,  la sua formula  è un modo di trasformare ogni spazio nuovo in una nuova interpretazione di una formula fissa. Definendo le sue opere con una serie di formule, Lewitt ha trovato il modo di donare vita eterna ai suoi lavori. Arte e architettura si fondono in un unico spazio della visione.

SOS BRUTALISM

Oliver Elser, Philip Kurz, Peter Cachola Schmal
SOS BRUTALISM. A GLOBAL SURVEY
Pagg. 716, Park Books, 2017

A rare and interesting tale which began in 2015 when the DAM in Frankfurt and the Wustenrot Foundation decided to undertake an unprecedented piece of collaborative research, taking full advantage of the potential of social networks in order to try and create a collective document featuring images and places. Enough of thematic collections and endless disorganized lists, enough flaunting of architectural oddities – instead, let’s map and show these forgotten buildings. Brutalist architecture has accompanied both modern and postmodernism, finding new interest in the contemporary world and attracting particular attention from the younger generation.
The very different articles range from criticism to individual case histories which indicate just how many of these buildings are part of our collective imagination and which belong to society’s political and cultural history. In actual fact Brutalist architecture is not just a chapter in the history of architecture but a particular way of thinking about it.

Un caso raro ed interessante, che comincia nel 2015 quando il DAM di Francoforte e la Wüstenrot Foundation hanno pensato di mettere a sistema una ricerca collaborativa senza precedenti, che sfrutta al massimo le potenzialità dei social network per provare una scrittura collettiva fatta di immagini e luoghi. Basta alle raccolte tematiche e alle liste infinite senza struttura, allo sfoggiare di stranezze
architettoniche per mappare e mostrare invece, edifici dimenticati. L’architettura Brutalista ha accompagnato moderno e postmoderno, trovando nel contemporaneo un tempo nuovo, ed un’attenzione particolare da parte delle giovani generazioni. Gli scritti di natura molto diversa tra loro spaziano dalla critica alla cronaca di storie particolari, che dimostrano come molti di questi
edifici appartengono al nostro immaginario collettivo, alla storia politica e culturale della società. L’architettura Brutalista, infatti, non è unicamente un capitolo della storia dell’architettura, ma un modo di pensare l’architettura.
 

GLI ARCHITETTI DI ZEVI

A cura di Pippo Ciorra, Jean Louis Cohen
GLI ARCHITETTI DI ZEVI
STORIA E CONTROSTORIA DELL'ARCHITETTURA ITALIANA 1944-2000

Quodlibet 2018

Se è vero che le nostre esperienze nello spazio, il nostro saper guardare costituiscono il bagaglio che ci portiamo dietro in ogni progetto, la rielaborazione della nostra memoria, la verifica costante del rapporto analogico che con essa possiamo costruire è il metodo che Bruno Zevi sperimenta, trasformando il vivere lo spazio in uno strumento operativo per la costruzione del progetto. Zevi non è stato uno storico, ma un progettista critico capace di leggere lo spazio e tradurlo in un linguaggio essenziale, difficile da codificare e riutilizzare, ma carico di significati simbolici e politici. Sembrerà strano ma gli architetti amati da Zevi non hanno quello che può essere definito come un linguaggio comune, riproducibile. Nessuno di loro infatti condivide con gli altri una grammatica, e questo Zevi lo sapeva benissimo. Tutti consideravano lo spazio come il fulcro della loro architettura.

Oggi nel centenario della sua nascita e a quasi vent’anni della sua scomparsa, una mostra a Roma dichiara con grande lucidità l’importanza che Zevi ha avuto nel dopoguerra. Ancora più importante per le ultime generazioni di Architetti che non hanno studiato sui suoi libri, perchè nessuno, purtroppo, li ha costretti a farlo. Zevi era di parte, e forse poco lucido nello storicizzare, ma incredibilmente capace di trovare immediatamente, al primo sguardo la forza di un progetto (provate a leggere le poche frasi che accompagnano i progetti in mostra per capirlo).

Oggi la storia è sempre di più cronologicamente esatta e quindi incapace di essere interpretata, il museo quindi diventa il luogo adatto per rileggerla con distacco critico. Una mostra di architettura è il dispostivo perfetto per rileggere Zevi, attraverso i frammenti dei suoi testi, le fotografie, i progetti che ha difeso ed esaltato, gli architetti in cui ha avuto fiducia, i libri che ha scritto e fatto scrivere. Un metodo di studio necessario che esce dai canoni della sterilizzazione del pensiero Zeviano. Zevi sapeva guardare il futuro, era un comunicatore capace di leggere i media come nessun altro, il primo a portare l’architettura in tv, il primo a credere nell’editoria indipendente, il primo a vendere i suoi libri e quelli di giovani autori in edicola invece che in libreria. Il primo a capire che era necessario far capire l’architettura alla gente.

Oggi in nessuna scuola gli studenti leggono i suoi libri, non hanno il tempo di leggerli, eppure sarebbe proprio Zevi l’architetto capace di parlare la loro lingua se fosse ancora in vita. Zevi parlava per immagini, anche quando rifletteva a voce alta, e spiegava il suo pensiero aveva la capacità di  metterci di fronte ad un iconografia riconoscibile. La sua cultura visuale è ancora all’avanguardia.

Zevi infatti è stato il primo a realizzare una Storia dell’architettura in cui le immagini avevano un ruolo chiave ( editore Einaudi) due volumi, il primo solo testo, il secondo solo fotografie. Ecco il punto, Zevi utilizzava l’immagine per leggere lo spazio, quelle stesse immagini che oggi ognuno può trovare in rete in ordine sparso, erano catalogate ed utilizzate come sistema di scrittura. Non a margine del testo, ma a dare forma ad un testo indipendente, le immagini usate come forma di lettura critica. L’architettura per il professore non è solo uno strumento per leggere la storia, ma il modo attraverso il quale lo spazio si trasforma nel tempo, attraverso una lenta evoluzione, Michelangelo, Borromini, Wright i padri, dai loro edifici tanti altri progetti hanno preso forma. Al Maxxi Ciorra e Cohen dialogano con Zevi, selezionano fatti e progetti, ricompongono un puzzle complesso di idee, attraverso le parole dello stesso architetto che scrive le didascalie che accompagnano il materiale esposto, disegni, fotografie e modelli. Ciorra si sofferma sul messaggio e sull’impegno politico,

Zevi è testimone attivo del perenne matrimonio italico tra architettura e politica dall’inizio alla fine della sua vita, dal gruppo di studio ispirato da Ruggero Zangrandi al Liceo Tasso di Roma, fino al tentativo di ricostruzione del Partito D’azione del 1994… il tracciato del suo legame con la politica e con la visione politica della disciplina ha un andamento tutt’altro che lineare. Cohen sul suo ruolo di intellettuale e autore di libri sempre scritti  come contrappunto a testi internazionali. Zevi li affianca e li accompagna a rileggere la storia attraverso la sua storia personale. Tra i tanti libri cui è legato il nome di Bruno Zevi, uno dei più stupefacenti è senz’altro Zevi su Zevi …dando forma, attraverso le immagini, al proprio percorso nell’architettura e nella società….. Un rilettura importante e molto attuale vista l’eterogeneità degli architetti che ha sempre difeso ed esaltato.  Gli architetti ed ingegneri presenti nella mostra sono 35 – tra cui Maurizio Sacripanti, Luigi Pellegrin, Franco Albini, Giovanni Michelucci, Mario Ridolfi, Carlo Mollino, Montuori, Musmeci e Perugini. Pur riconoscendo una linea chiara nei suoi interessi, gli architetti per Zevi erano meno importanti dei loro progetti. Zevi infatti sceglieva e guardava solo i progetti, non era interessato a formare una scuola, era interessato allo spazio dell’architettura. Il progetto, ed oggi dovremmo fare la stessa cosa, è la cosa più importante nello studiare l’architettura. Ho letto e riletto i libri di Zevi, non per studiare e capire la storia, ma per imparare a leggere lo spazio, a volte mi fermavo a guardarlo giocare a tennis (frequentavamo lo stesso circolo), mi ha dato del reazionario commentando la mia tesi di laurea, complimentandosi invece anni dopo per un progetto premiato ad un concorso. Gli ho proposto di scrivere una piccola monografia su Steven Holl, lui mi convinse a scrivere sul concorso del Chicago Tribune, la storia dei concorsi è importante per chi ama fare concorsi di architettura.

La prima volta che l’ho incontrato ho semplicemente suonato al campanello del suo studio, era sempre disponibile. Ecco ho imparato grazie a lui ad amare l’architettura. E forse senza cercare di capire a fondo il suo pensiero, la cosa che traspare rileggendo il suo lavoro sul campo,  è che Zevi ha sempre amato e creduto nella forza dell’architettura. La mostra al Maxxi è quindi un momento importante in cui ogni visitatore può imparare a leggere questa controversa disciplina,  caratterizzata da un allestimento elegante e raffinato, comunica attraverso diversi linguaggi e si fa partecipe del pensiero Zeviano volto sempre a ripensare alla città e al ruolo fondamentale  dell’architettura.