ARCHIVIO

Promemoria Group
Archivio N01
Dec 2017-June 2018

www.archiviomagazine.com

ARCHIVIO, è un nuovo progetto editoriale indipendente ideato da Promemoria.

Il magazine analizza diversi temi della contemporaneità, rileggendoli attraverso una chiave inedita, il grande patrimonio della memoria collettiva rappresentato dagli Archivi. Ogni numero, tematico, attraverserà infatti cultura, arte, design, scienza, musica, moda, cinema, fotografia, ricontestualizzando ognuno di questi mondi attraverso la lente speciale della memoria, coinvolgendo il patrimonio degli archivi storici delle istituzioni e degli enti pubblici di tutto il mondo. L’editoriale del primo numero è un vero e proprio Manifesto programmatico, celebra il primo archivio della storia, il nostro cervello, che dalla nascita comincia a incamerare dati da ripescare nel momento esatto in cui ne abbiamo bisogno. Gli archivi raccontano e allo stesso tempo nascondo storie, interpretazioni e mondi sempre nuovi da esplorare. Gli archivi di cui si parla sono luoghi reali, spazi fisici in cui sono organizzati materiali di ogni tipo. I loro custodi diventano i veri protagonisti delle storie raccontate.

Non è un caso che il film Blade Runner 2049, prefigura un futuro nel quale tutte le informazioni della rete sono andate perse dopo un colossale black out che ha investito il mondo intero. Ogni informazione è andata perduta. Quello che resta, sono gli archivi materiali, sono le uniche informazioni che abbiamo sul nostro passato, da questi frammenti sarà possibile ricostruire la nostra memoria.Attraversando la rivista, ci muoviamo tra l’archivio storico della fiera Milano per analizzare il boom economico oppure ci imbattiamo nel lavoro di Ugo La Pietra custodito nell’archivio storico della triennale di Milano. Per poi viaggiare nell’archivio della città di Stoccolma in cui possiamo guardare i Film di Bergman o il museo Ikea. Insomma una viaggio senza sosta nella memoria in cui troviamo sempre un riflesso della contemporaneità.

CEDRIC PRICE WORKS

Samantha Hardingham
Cedric Price Works 1952-2003
AA\CCA 2017

Una monumentale opera completa in due volumi dedicata al lavoro dell’architetto Britannico  Cedric Price, 1400 pagine, oltre 900 immagini fra disegni, modelli e fotografie, 112 progetti elaborati dall’architetto nel suo studio londinese. Nel primo dei due volumi, i progetti presentati attraverso schizzi, note a margine e montaggi. Nel secondo articoli, conferenze e relazioni di concorsi, mettono in scena un altro aspetto fondamentale della sua architettura, la componente narrativa. Cedric Price era un visionario, che non ha mai voluto perdere di vista il reale, sono convinto che per tutta la vita abbia lavorato ad uno stesso progetto, che entrando in contatto con contesti diversi, cambia di volta in volta. Ogni contesto ha trasformato l’architettura, modificandola formalmente ma mai dal punto di vista concettuale. Macchine per il divertimento, Fun Palace, o per l’apprendimento, Potteries Thinkbelt, mettono a sistema territorio, economia e programma. La parte più interessante del libro è rappresentata dai   progetti meno noti, e dai  testi che raccontano un lavoro coerente in cui l’attenzione per il reale supera di gran lunga la componente radicale. Price ha influenzato con il suo lavoro teorico intere generazioni di architetti. Lontano dal glamour degli architetti radicali della sua generazione, ha saputo coniugare professione, insegnamento e sperimentazione.

Nella sua carriera Price ha fatto pochi libri, solo una monografia nel senso tradizionale del termine. Ma attraverso i suoi interventi pubblici ha  raccontato una storia molto personale, fatta di idee sulla città e per la città. L’architettura è stata lo strumento attraverso il quale realizzare queste idee. La forma finale del progetto aveva un importanza secondaria, la coerenza di pensiero invece è rimasta intatta lungo tutta la sua attività progettuale. Per questo motivo la scelta di utilizzare il libro come fosse un archivio, ordinato secondo la cronologia dei progetti, mi sembra perfetta. Difficile infatti pensare un organizzazione diversa, le parole e le immagini assumono così un senso nuovo, creano una sorta di grammatica attraverso la quale costruire un discorso di senso sulla città contemporanea. Questo libro è uno straordinario strumento di consultazione, che libera l’immaginazione del lettore accompagnandolo in un viaggio  in un mondo tutto ancora da esplorare.

Cedric Price Works 1952–2003: A Forward-Minded Retrospective by Samantha Hardingham is a two-volume anthology, co-published by the Architectural Association (AA) and the Canadian Centre for Architecture (CCA), and is supported by the Graham Foundation and the Cedric Price Estate. The books bring together for the first time all of the projects, articles and talks of British architect Cedric Price, aiming to present his munificence as thinker, philosopher and designer. A student at the AA in the 1950s, Price established his office in London in 1960 and went on to produce some of architecture’s most intensely imaginative and experimental projects of the latter half of the 20th century. His work is central in defining architectural discourse around the emerging postwar themes of mobility and indeterminacy in design.

THE ROOM OF ONE'S OWN

Dogma
The room of one’s own
Black Square Press 2017

Se si consulta un saggio pubblicato oggi su una tema specialistico, si può facilmente rilevare che il più delle volte la bibliografia non va oltre una pagina e i riferimenti non vanno molto indietro negli anni. I saggi vengono costruiti senza consultare una biblioteca reale, le ricerche vengono per lo più sviluppate on line, ed in molti documenti fruibili sul web manca spesso una data di riferimento, mentre le date sono un punto di partenza necessario. Oggi infatti si è persa qualunque profondità temporale, e forse questo libro ci aiuta a ritrovarla. Per questo motivo per cominciare a parlare di The room of one’s own di DOGMA è necessario cominciare dalla fine. La bibliografia comincia a pag 124 e termina a pagina 130 poco meno di 280 libri di riferimento, necessari per tracciare la storia della stanza in architettura.Ma andiamo con ordine e ricominciamo dal principio, per costruire un libro non di storia come siamo abituati a leggere oggi, Dogma costruisce qualcosa a metà tra saggio e dizionario enciclopedico illustrato. Per farlo sovrappone  tre narrazioni diverse. Un testo critico che ripercorre in sette atti, la storia dell’architettura, descrive in principio la stanza come spazio dell’individualità, attraverso le considerazioni di scrittori e filosofi, per poi trasformarla in un concetto astratto e passare all’evoluzione della sua forma.Dallo  spazio circolare delle culture primitive a quello rettangolare che ha permesso di cominciare a pensare per sistemi aggregati. In ogni periodo storico la stanza assume significati diversi, tanto che una cultura viene caratterizzata da una stanza specifica; dal Megaron,  all’Oikos della cultura greca, dal Cubicola romano fino alla cella monastica per poi giungere alla grande varietà di stanze del Rinascimento.

Dogma prosegue seguendo un percorso logico preciso, legge ed interpreta la storia come progetto, traccia una mappa mai scritta per portarci fino al  XX secolo, e al significato politico della cellula base dell’architettura. Nella seconda parte 64 piante ripercorrono, attraverso un atlante ridisegnato per l’occasione, le tracce segnate dal testo principale.  Le tavole atlante sono capaci di mettere in sequenza diagrammi planimetrici delle stanze, sistemi aggregativi, definizioni e motivazioni degli esempi scelti.

L’ultima parte è composta da 48 tavole, una sorta di ricostruzione archeologica di immagini perdute o disperse nelle pagine di romanzi, biografie e fotografie d’epoca o frutto esclusivo dell’interpretazione degli autori. Le tavole rappresentano le stanze di personaggi famosi. Queste Immagini raccolte come dittici in modo da amplificarne il significato, formano una sequenza temporale non lineare. Ogni  dittico produce attraverso la contrapposizione delle due parti una dichiarazione. Troviamo lo studiolo di Francesco I con la stanza di Joel Orton e Kenneth Halliwell, a segnare il tempo delle sopravvivenze. La camera da letto di Virginia Woolf e il Cabanon di Le Corbusier, lo spazio del pensiero e dell’emancipazione. Lo studio di Sigmud Freud e il Mrzebau di Kurt Schwitter, lo spazio della memoria e dell’inconscio. Questa parte nasce e si sviluppa attorno ad un’analisi attenta di fonti iconografiche capaci di far produrre agli autori una serie di illustrazioni (disegni a fil di ferro) che guardano l’interno di queste stanze da punti di vista prestabiliti, in modo da permetterci un facile confronto tra i modelli scelti. Un lavoro sulla memoria, in cui il disegno diventa quasi magicamente progetto. Un aspetto importante è che molte delle stanze scelte sono state abitate da personaggi famosi, scrittori, architetti, artisti. Quasi a voler dimostrare che lo spazio interno si completa solo nel momento in cui viene abitato e quindi attraverso gli oggetti che contiene, prende la forma esatta del suo abitante.

Ecco se mettete assieme tutto questo e se poi diciamo che l’autore non è un singolo architetto, ne un insegnante con un gruppo di studenti ma uno studio di architettura, capiamo che oggi è ancora possibile pensare un libro come un vero e proprio strumento di ricerca. Riusciamo a comprendere come attraverso un libro uno studio di progettisti possa raccontare la sua idea di architettura senza mai usare  la parola teoria, ma usando la storia come strumento conoscitivo ed interpretativo.

In questo libro non è importante solo ciò che c’è ma anche ciò che è assente. Il lettore leggendo lo aggiunge mentalmente, diventando non solo fruitore ma anche produttore di contenuti. Nel processo mentale dei lettori è infatti nascosta la qualità di questo lavoro. Io continuo a disegnare mentalmente le stanze che ritengo importanti completando il percorso tracciato da Dogma. Qualcuno potrà dire, oggi è facile raccogliere tutte queste semplici informazioni, se interpelliamo il web abbiamo di fronte a noi la memoria del mondo e un incredibile quantità di siti web che ci mettono di fronte informazioni di ogni tipo, tempi e luoghi che si sovrappongono senza fine.

Ma come facciamo a selezionare solo quelle parti che ci interessano? Ecco per farlo dobbiamo fidarci di quegli autori capaci di trasformare la memoria in una narrazione fluida e senza interruzioni. Dobbiamo fidarci della loro logica, e seguendoli leggendo fino alla fine ci accorgeremo che potremo guardare lo spazio in cui viviamo in modo diverso. Ho cominciato questo breve testo dalla Bibliografia, mi sembra giusto quindi chiudere con il titolo per ristabilire un ordine naturale. Nel 1928 Virginia Woolf fu invitata a tenere una conferenza sul tema "Le donne e il romanzo". Il risultato è uno straordinario saggio, dal titolo The room of one’s own (Una stanza tutta per se) vero e proprio manifesto sulla condizione femminile. Come poteva una donna, si chiede la scrittrice inglese, dedicarsi alla letteratura se non possedeva "denaro e una stanza tutta per sé"? La stanza per scrivere è per la Woolf la metafora di una condizione di libertà, un simbolo di emancipazione, uno spazio necessario alla vita.

Così anche per Dogma la stanza racchiude un significato preciso, è il luogo della libertà ma anche metafora di un mondo che cambia e un vincolo che ci costringe ad una vita in cui è sempre più difficile riuscire a riconoscere il limite tra pubblico e privato, tra lavoro e vita domestica, un luogo del dubbio. La stanza è lo spazio da cui ripartire e in cui ritrovare una dimensione comune. Una stanza tutta per se in cui accogliere le vite degli altri.

ATLAS OF ANOTHER AMERICA

Keith Krumwiede
Atlas of Another America
An Architectural Fiction
With an afterword by Albert Pope

Atlas: Atlante, nome di un titano del mito, condannato a reggere sulle spalle la volta celeste. Dal personaggio del mito una moltitudine di accezioni: dalla vertebra che sorregge il sacro peso del capo al volume che regge la conoscenza geografica del mondo intero. L'atlante acquista nelle mani degli architetti un valore preciso, è sinonimo di conoscenza visiva, narrazione non lineare costruita attraverso, segni, immagini e parole. Georges Didi Huberman ha scritto che l'Atlante non è solo una collezione di immagini, ma una forma di conoscenza visuale e un infinito archivio che produce significati diversi attraverso un operazione di montaggio di chi lo costruisce. Non delude il lavoro Keith Krumwiede, perchè con grande ironia scrive un saggio visuale,  una nuova storia della casa unifamiliare in america. Una geografia del futuro dove il sogno si contrappone al reale fondendo assieme critica di costume, e riflessione socio economica. La casa unifamiliare è diventata uno strumento che consuma il nostro territorio, l'America è solo il luogo in cui il fenomeno coincide con un sogno ben preciso. Che contrappone alla città altri luoghi, in cui è lo spazio privato a costruire un tessuto in cui non esiste alcun tipo di spazio condiviso. Krumwiede, conosce molto bene il fenomeno e ne traccia una serie di mappe che confondono i tempi e i luoghi, in cui il passato coincide, tragicamente aggiungo io, con un idea di futuro.  Un percorso, a ben guardare, estremamente simile all’oggetto-Atlante in sé, luogo programmatico di rottura e stravolgimento di qualsiasi immediata linearità tra le immagini. Al di là del suo statuto di oggetto, l’atlante può essere considerato allora come una vera e propria forma cognitiva e quindi narrazione perfetta del mondo che potrebbe essere. Un lavoro sull'interpretazione dei sogni che se organizzati attraverso un percorso critico, possono produrre un modo diverso di scrivere di architettura. Quello che emerge da questo atlante è anche la crisi del sogno, che nel momento in cui viene ripetuta all'infinito, diventa incubo.
La singola casa aggregata in modi sempre diversi ridisegna il territorio, utilizzando la griglia come matrice aggregativa.

La nota ironica è che la ricerca sul futuro viene presentata come fosse architettura storicizzata, e quest'ironia riesce in un certo senso a metterci in guardia di fronte al ciclico ritorno delle correnti del passato. Rileggere la storia infatti, non come operazione postmoderna, ma come forma di interpretazione e lettura della storia stessa in chiave critica.
Nessuno di noi vorrebbe che Freedomland diventi realtà.
Il libro è ricco di elaborati grafici e di una serie di immagini, che giocano in modo elegante con le forme del passato.

Freedomland” is a fictional utopia of communal superhomes constructed from the remains of the suburban metropolis.

 Chiude il libro un appendice, con cinque saggi sulle origini di  Freedomland. Tra tutti la reinterpretazione di Typical plan di Rem Koolhaas, Supermodel homes che ripercorre la storia del costruttore David Weekley, Notes on Freedomland che raccoglie i desideri degli abitanti, dei costruttori e dei possibili abitanti di queste case. Presenta il libro Albert Pope.

L'ANATOMIA DEL LIBRO DI ARCHITETTURA

L'anatomia del libro di architettura
André Tavares
The anatomy of the Architectural Book
CCA - Lars Muller Publisher 2016

These strinking composition of text and image , their colors, texture, rhythm and structure, shaped the reading experience and, in doing so, comunicated certain ideas about architecture.

(Mirko Zardini director CCA)

Solo apparentemente questo è un libro su come si realizzano i libri di architettura.
Prima di tutto è un atto d'amore per la carta stampata, e per il modo in cui gli architetti hanno sempre costruito le loro storie, cercando sempre di trasformarle in un progetto. I libri di architettura sono un qualcosa che va oltre la scrittura di un testo, sono racconti multipli, perché mettono assieme narrazioni diverse fatte di testi ed immagini. Lo sa bene André Tavares, che mette a nudo, in modo colto ed essenziale la pratica della costruzione del libro. Nel farlo torna indietro nel tempo, e senza mai perdere il controllo della sua narrazione, costruisce un piccolo capolavoro di storia analizzando il passato ma guardando continuamente al presente. Perché come sostiene Benjamin ogni presente dovrebbe essere sincronico con determinati momenti della storia, così come ciascun singolo elemento del passato è supposto divenire leggibile soltanto in una determinata epoca, in cui l'umanità stropicciandosi gli occhi riconosce come taleproprio quest'immagine di sogno. È in quest'attimo che lo storico si assume il compito dell'interpretazione del sogno.  Tavares si fa dunque interprete del sogno degli architetti.

Per scrivere questo libro si è immerso negli archivi del CCA e non solo, ha dovuto sfogliare volumi originali ha imparato a guardare i libri oltre il loro contenuto più evidente, ha letto attraverso i sensi. Il progetto è affrontato seguendo due linee parallele, la storia dell'architettura (e il suo racconto) e il disegno grafico, che si fondono in un'altra storia, quella dei metodi della Comunicazione visiva.  Il volume è diviso in due parti, comincia con lo studio della mostra effettuata nel Crystal Palace del 1851, e procede con la costruzione da parte diSigfried Giedion del suo libro del 1929 Befreites wohnen.
Prosegue con unaseconda parte che invece entra nello specifico della costruzione fisica e sensoriale, attraverso quelli che possono essere considerati comei cinque parametri essenziali dell'architettura, tessitura, superficie, ritmo, struttura, e scala, da tradurre e rappresentare per riuscire a comunicarli attraverso la stampa. Non solo i testi ci guidano all'interno di questa attenta analisi anatomica dell'oggetto libro, ma anche le immagini, che più della scrittura stessa ci fanno immergere nella costruzione della storia del fare.  Ce ne sono tante, che hanno origini e tempi diversi. Ecco che quindi in questo sovrapporsi di narrazioni esistono secondo l'autore tre metodi per organizzare le informazioni che danno forma ad un progetto editoriale: il procedere lento,  passo dopo passo, mattone dopo mattone ed infine quello della vicinanza con il tema trattato.

Il primo esemplificato dall'organizzazione spaziale dell'Acropoli di Atene di Auguste Choisy, dalla visualizzazione cronologica del farsi della torre Eiffel, accuratamente raccontata fotogramma dopo fotogramma, ed infine dall'uso del disegno di Claude Nicolas Ledoux che comunica l'architettura attraverso la sua dimensione. Ogni passaggio serve a sottolineare come “the inhabitant of a building, or the reader of a book, must form a complete experience for themselves by connecting sensory stimuli.”  Il lettore diventa seguendo l'esperienza sensoriale del libro, un produttore di significati, ed entra in sintonia con la costruzione del progetto da parte del suo autore.

Pur seguendo una linea precisa, cercandonell'anatomia dell'oggetto una simbiosi con il suo autore, Tavares non dimentica l'enorme atlante di significati prodotti dai tantissimi altri autori citati ed osservati, che spesso nel corso del testo si intrecciano tra di loro dando corpo a quello che può e deve essere considerato un testo fondamentale, per chi vuole prima di tutto capire che l'architettura non sempre è nascosta negli spazi reali degli edifici, ma forse è molto più spesso nascosta tra le pagine dei libri che la raccontano, in quel susseguirsi di parole e immagini che sono capaci di costruire un immaginario. Quello dell'autore è restituito perfettamente da quella, che a questo punto sembra essere la cosa più importante per un libro di architettura, la sua materialità, che si compone di una cifra grafica riconoscibile, specchio dell'anima del suo autore che sembra divisa tra l'idea di costruire una linea.
Una linea che al segue le infinite tracce disseminate in questa costruzione non lineare di pensieri ed immagini.

A questo punto forse il vero significato del libro, è aver scritto una sorta di autobiografia ragionata, perché Tavares viene da una famiglia di costruttori di libri e alla fine anche lui, in un tempo difficile per l'editoria, sfida quotidianamente le difficoltà delle costruzione di questi oggetti. E' chiaro che fare libri equivale dunque a fare progetti, che forse diventano reali solo dopo essere statiraccontati sulla carta.

MY ATLAS

Ringrazio Krunoslav Ivanišinper aver commentato il mio libro su una nuova piattaforma digitale 

http://www.transfer-arch.com/

Transfer Global Architecture Platform is a new independent digital editorial project based on the production and transmission of original architectural knowledge with the aim of connecting contemporary ideas and practices and building a global architectural culture.

Transfer aims to be a global reference in the generation of leading architectural content, with the objective of becoming an international influence, both as a window for analysing and understanding the world, and as a microphone for participating in the global architectural discussion.

Transfer digitally publishes a series of monographs and weekly sections, aiming to explore new ways of showing and experiencing architecture with digital media.

Based in Zurich, Transfer is edited by a team with extensive experience in research and architectural edition, and relies on an outstanding network of global observers worldwide.

An Atlas of Imagination
Luca Galofaro
Damdi publisher 2015

It is not easy to write something about Luca Galofaro’s atlas of imagination because the author – also collector and curator in this case – has already explained almost everything about the collection himself. Followed by an open-ended sequence of public talks, discussions, presentations and exhibitions in the physical space and on the internet, the book describes the idea of montage as a form of production, presenting a collection (an atlas, an archive) of found and worked images and texts. Like in a beautiful movie, the images–montages fold and unfold before our eyes, unbounded by either the associated concepts and meanings inherited in the images–origins they were built from, or the otherwise ubiquitous gravitational force. Like in an interesting scientific paper, the accompanying texts–quotes verbalize the images within a certain intellectual tradition, providing the context to bind the sum of parts into the coherent whole. 

An Atlas of Imagination is not just another picturesque assemblage of pictures and words; is a higher- order montage in its own right.
Beyond the naivety of seemingly similar products of contemporary artistic practices and despite the partial cancellation of the gravitational force, I like to think about Luca Galofaro’s pictorial montages as genuinely architectural tools. This means that they may be instrumental in the conscious production of architecture and knowledge on architecture. The fact that author named them “montages” instead of “collages” emphasises the qualities of time, space, and possibly even movement included within the fixed forms similar to movie stills printed on paper. As independent end-documents in the form of gallery exhibits with layers printed on the overlaid sheets of glass, the montages turn out to be real three-dimensional objects. But from an architectural perspective, they are even more interesting as by-products documenting ideas around concrete architectural projects or the working models documenting certain critical moments in their production. They are nothing like “I have forgotten the plot, but I am certain that I watched this movie,” or “I was in a place like this, I have only forgotten when and where.” Paraphrasing Gerhard Richter, whom Luca Galofaro quotes twice in his atlas, his montages may indeed become real places and architectures.
“We are still not there. We are only on the way.” The most delightful thing about each of the montages is this purely architectural quality of incompleteness which includes the promise of the spatial implementation of an architectural project. The most delightful thing about the book as a whole is that the original images and the original quotes retain their original properties. We easily recognise the heavy Pantheon section as the section of Pantheon only multiplied into a weightless space station. We read Sol Lewitt’s emphasis on things illustrating mental process as more interesting than the final result as proper to his own work and at the same time descriptive of Luca Galofaro’s montages.
An Atlas of Imagination is a mixture with clearly distinguished parts and joints, not a compound with differences that are blurred and obfuscated. The parts are not sacrificed for the sake of the whole, but they interfere in accordance with a certain tectonic order. Moreover, the resulting montages recall some real architectural collages, surprisingly uncovering the origins of things and the hidden relationships between them. ( Krunoslav Ivanišin)

LA RICERCA E LA TEORIA

Il progetto dell'Autonomia
Politica e architettura dentro e contro il capitalismo
Pier Vittorio Aureli
Quodlibet 2016

Finalmente a quasi dieci anni di distanza tradotto in Italiano e pubblicato in una versione aggiornata ed ampliata, un libro scritto tra il 2006 e il 2007 che nasce da una serie di lezioni ed un seminario che il suo autore ha tenuto presso la Columbia University di New York.
E' un libro importante perché al di là dei contenuti, è stato scritto da un progettista prima che da un critico, che guarda in modo diverso ad un periodo storico molto preciso, cercando attraverso l'interpretazione, di tornare a parlare di architettura come risultato di un pensiero politico.
Posso definire questo libro con la frase politicamente consapevole, perché attraverso una serie di sguardi sul progetto e sulla storia, ma anche attraverso il porsi domande continue l'autore individua un percorso molto particolare che ci guida tra progetti molto diversi tra loro, ma con una matrice politica comune.
Un costante interrogarsi il suo, fare domande come si compie un rituale, fare domande come forma di esplorazione e non come ricerca di certezze.
Se le cercate infatti non ci sono risposte in questo libro, ma solo un modo di guardarsi indietro per leggere il presente e immaginare il futuro.
Si badi bene chi scrive non coltiva alcune illusioni, neppure minima, di risuscitare alcunché di quel periodo. È bene ribadirlo con forza, le esperienze che ho descritto in queste pagine appartengono come si suol dire al loro tempo, al loro contesto storico e politico che oggi è, come ovvio, totalmente diverso. 
Il libro prima di tutto è un tentativo di comprendere se sia mai esistito un progetto dell'autonomia in architettura e per farlo, Aureli mette in relazione tra loro tre personaggi che apparentemente rappresentano altrettante posizioni culturali, ma che in uno stesso periodo storico reagiscono ai cambiamenti politici ed economici attraverso un'idea di architettura molto precisa. 
Manfredo Tafuri, Aldo Rossi, Archizoom una volta sottratti alle facili interpretazioni figurative ci svelano dei lati inaspettati.
Ora dei tre capitoli quello su Tafuri, forse perché non sono riuscito mai a comprendere il suo pensiero, è il più ermetico. Ogni suo discorso critico, mette in profonda crisi quello che precede, non offre soluzioni, sembra quasi che esista nel suo pensiero una sorta di delusione continua che toglie alla ricerca ogni proiezione progettuale. Una crisi dell'oggetto che impediva alla città di crescere ed essere soggetto di uno sviluppo coerente in chiave politica. Diverso il discorso su Rossi e Archizoom, i cui progetti presi in esame nascondono se letti insieme ad Aureli nuove possibilità interpretative.
La lezione che oggi possiamo trarre dal lavoro di Tafuri, Rossi e Archizoom va al di là dei facili ripescaggi e indica che nella teoria via qualcosa di irriducibile alla pratica dell'architettura come professione. Senza nulla togliere a quest'ultima, se questo libro avrà una qualche utilità sarà forse quella di ricordare che lavoro teorico non serve la pratica e che quest'ultima ha una sua validità in sé. Eppure è proprio nel lavoro teorico che l'architettura come forma di conoscenza, come modo di comprendere le cose, Si riappropria del proprio spazio, che quello di pensare, di criticare e, se possibile, di cambiare lo spazio in cui viviamo e lottiamo.

Aureli si mantiene distante dalla pratica, assai diffusa negli ultimi anni, di “creare” nuovi concetti per cercare di spiegare una realtà contemporanea spesso vista come inesorabilmente “mutante” rispetto al passato, e dunque del tutto inconciliabile con questo; ma al tempo stesso lo fa senza cedere alla tentazione – altrettanto diffusa e frequente – di rifugiarsi nella sterile negazione della realtà, o di farsi paladino di una critica programmaticamente “contro” o “anti-”.
Il suo pensiero critico, anche se molti sostengono il contrario, non è interessato all’aspetto “formale” dell’architettura in senso estetico-figurativo: ciò che vuole mettere in luce è la natura definita della forma. Il problema della forma è dunque quello stesso del limite. Come già cent’anni fa rilevava Georg Simmel: «Il segreto della forma sta nel fatto che essa è confine; essa è la cosa stessa, e nello stesso tempo, il cessare della cosa, il territorio circoscritto in cui l’Essere e il Non-più-essere sono una cosa sola».
È qui – più e meglio che altrove – che si lascia riconoscere il già ricordato coraggio di Aureli: nell’affermare, oggi, la separatezza (ovvero, ancora una volta, la differenza) come un valore politico, non anti-politico: l’unico – l’ultimo – modo, forse, per poter stare insieme davvero.
Aureli riesce a lavorare sul limite che separa due tipi di ricerca quella del progettista e quella dell'educatore. Costruisce un libro importante, un libro da leggere per capire che una critica operativa può e deve essere fatta a prescindere dal progetto. Un libro come questo infatti, non è una trascrizione di un' attitudine figurativa, ma un lavoro sulla storia e nella storia, che supporta il progetto in alcuni aspetti concettuali, utili a definire una campo d'azione in cui muoversi per ricostruire il nostro futuro.

LA FINE DELL'UTOPIA

SUPERSTUDIO
Opere1966-1978
a cura di Gabriele Mastrigli
Quodlibet 2016

Negli ultimi cinquant'anni qualcosa è cambiato. In questi giorni il livello delle acque della Senna per le forti piogge preoccupa gli abitanti della capitale francese. Olivier Campagne e Vivien Balzi hanno raccontato la città che affonda in un piccolo film. Fotogramma dopo fotogramma Parigi si specchia in maniera quasi compiaciuta nell'acqua che invade le strade, lambisce i monumenti, fino a raggiungere la Piramide del Museo del Louvre, forma archetipo che invece di sciogliersi nell'acqua come le forme di sale della Moglie di Lot [1] , si specchia in quella stessa acqua che quasi cinquant'anni prima aveva distrutto la città di Firenze ma aveva prodotto un'Utopia trasformatasi nel tempo in realtà, il monumento continuo.

L'acqua che aveva superato gli argini del fiume Arno nel 1968 aveva rotto anche gli argini dell'immaginazione di alcuni giovani architetti fiorentini, che avevano trasformato una catastrofe in una possibilità per l'architettura. L'inondazione di Firenze è stata per i Superstudio il punto di partenza per un viaggio lungo una vita che li riporta dopo cinquant'anni al centro della scena al MAXXI di Roma. 

Ma torniamo a Parigi e al piccolo film elegante e raffinato, specchio dei nostri tempi, che ci mette di fronte a un qualcosa difficile da accettare. Nel nostro tempo, nella nostra cultura, non c'è più spazio per l'Utopia, rimane solo il tempo per contemplare il reale, perché l' Utopia è perduta per sempre. 

Superstudio indagando il significato dell'architettura nell'epoca della società dello spettacolo di fronte a queste immagini non avrebbe potuto cominciare il suo viaggio di formazione, l'immaginario di questo nostro tempo appare sempre di più bloccato e rinchiuso in se stesso, incapace di provocare reazioni. Può solo essere osservato attraverso uno schermo. Ecco cosa è cambiato. Negli ultimi mesi il lavoro di Superstudio è stato presentato, vivisezionato e reinterpretato in libri e pubblicazioni diverse e poi infine celebrato da una grande retrospettiva al MAXXI di Roma e da un libro monumentale, che mette ordine in un archivio ricco di parole e immagini capaci ancora oggi di produrre significato. Perché Superstudio è stato capace, al contrario di altri gruppi Radicali, grazie al metodo di lavoro e alla combinazione felice dei suoi fondatori, di creare le condizioni utili per prefigurare un futuro per l'architettura allargando il campo della disciplina, ma specialmente cambiandone il punto di vista. Superstudio ha guardato in un'altra direzione, catalogando il reale e interpretandolo in modi sempre diversi, non avendo paura di cambiare, di rimettersi in discussione e infine di abbandonare il campo, di comune accordo, nel momento esatto in cui non si poteva andare oltre. Quando il loro disegno unico ridotto all'essenziale ha dimostrato che ogni ricerca della modernità era destinata prima o poi al fallimento.

“Il nostro lavoro si è sempre svolto per inventari e cataloghi, e forse l'unico lavoro oggi possibile è l'autobiografia come progetto di vita. Dal 1965 al 1968 abbiamo lavorato con la convinzione che l'architettura fosse un mezzo per cambiare il mondo. I progetti erano l'ipotesi di trasformazioni fisiche, erano modi di ipotizzare qualità e quantità diverse. Questi progetti sono stati raccolti nel primo catalogo: un viaggio nelle ragioni della ragione. Un viaggio come Pilgrim's progress, o guida per i giovani architetti, attraverso l'architettura dei monumenti, l'architettura delle immagini, l'architettura tecnomorfa, l'architettura della ragione… “ (1969)

Un'Architettura critica, la loro, capace di porre continue domande invece che formulare risposte capaci di salvare il mondo, perché il mondo non possiamo salvarlo solo attraverso l'architettura. Nel 1967 scrivevano: è la poesia che fa abitare, la vita si svolge non solo in scatole ermetiche per piccole vite parallele, ma anche nelle città e nelle auto, nei supermarket e nei cinematografi... Luoghi oggetti di racconti, che l'architettura completa e custodisce, in un viaggio ai confini della razionalità. Il libro che accompagna e dilata la mostra, ripropone tutti i cataloghi e i progetti di Superstudio ed è la prova tangibile di come ancora oggi sia possibile leggere il mondo con quello sguardo disincantato ed entusiasta, come quella curiosità antropologica che crede nell'importanza di guardare all'uomo come soggetto politico superando linguaggi ed espressioni totalizzanti.

La mostra al MAXXI dovrebbe essere un viaggio obbligato per tutti, perché è una mostra diversa, in cui il curatore non si limita ad elencare e mettere in fila parole e immagini, storicizzandole, ma come un direttore d'orchestra guida le voci dei membri del Superstudio a intonare una via dei canti che ha cercato di indagare il presente pensando in ogni momento al futuro. Ogni nota e ogni frammento di questo canto sembrano indicare una direzione diversa ma in realtà descrivono un sogno durato cinquant'anni, un sogno in cui l'architettura è protagonista. “Crediamo in un futuro di architettura ritrovata, il futuro in cui l'architettura si prende suoi pieni poteri abbandonando ogni sua ambigua designazione e ponendosi come unica alternativa alla natura. La terra resa omogenea dalla tecnica dalla cultura e da tutti gli altri imperialismi.” Ogni sezione non è spiegata dal curatore, nel modo di chi cerca di interpretare e guidare alla lettura. Lascia il campo alle parole dei protagonisti che con un frammento dei loro testi ricordano, guidandoci in un viaggio attraverso la memoria. Tocchiamo così un'idea di architettura, toccandola impariamo a conoscerla. Una mostra pensata come un viaggio che mi riporta alla mente una frase di Bruce Chatwin che descrive la tradizione orale del popolo Aborigeno.

“Ancora oggi, disse Wendy, quando una madre aborigena nota nel suo bambino i primi risvegli della parola, gli fa toccare le cose di quella particolare regione: le foglie, i frutti, gli insetti e così via. Il bambino, attaccato al petto della madre, giocherella con la cosa, le parla, prova a morderla, impara il suo nome, lo ripete e infine la butta in un canto. Noi diamo ai nostri figli fucili e giochi elettronici, disse Wendy. Loro gli hanno dato la terra.”

[2]

In questa mostra i Superstudio ci hanno ridato la terra come luogo per l'architettura, la abbracciamo per la prima volta sfogliando immagini e architetture, idee e non oggetti, concetti e non una lingua da riprodurre o imitare.

“Oggi più che mai gli uomini dovevano imparare a vivere senza gli oggetti. Gli oggetti riempivano gli uomini di timore: più oggetti possedevano, più avevano da temere. Gli oggetti avevano la specialità di impiantarsi nell’anima, per poi dire all’anima che cosa fare.”

Qualcuno di recente ha detto che non c'era bisogno di una mostra monografica sul Superstudio, perché le mostre monografiche non sono necessarie. Si sbagliava, solo una ricerca attenta sulle tracce disseminate confusamente nella storia, e l'ordine di un archivio come questo fatto soprattutto di parole (in mostra c'è anche un volume curato da Gabriele Mastrigli con le foto di Stefano Graziani). Non perdetelo, anzi confrontatelo con le opere e le fotografie di Cristiano Toraldo di Francia per estrarre da questo sguardo diverso e molto personale altri aspetti del loro lavoro. Può spiegare tante cose a chi ha guardato fino ad oggi solo le Immagini che hanno prodotto.

Esiste un pericolo concreto, quello di riprodurre questo immaginario senza attualizzarlo, allora prima di farlo leggete queste Opere

[3]

con grande attenzione e ritornerete al punto di partenza, alla frase di Jorge Luis Borges che apre il libro:

“Un uomo si propone lo scopo di disegnare il mondo. Col passare degli anni popola uno spazio di immagini di regioni, regni, montagne, golfi, navi, isole, pesci, case, strumenti, astri, cavalli e persone. Poco prima di morire scopre che questo paziente labirinto di idee traccia l'immagine del suo volto.”

Il testo è stato pubblicato sulla rivista Mappe.

[1]

Istallazione che il Superstudio presentata per la prima volta alla Biennale di Venezia del 1978.

[2]

Bruce Chatwin, Le Vie dei Canti, Adelphi, varie edizioni.

[3]

Superstudio

: Opere 1966-1978, a cura e con un saggio introduttivo di Gabriele Mastrigli, “Antefatti” di Cristiano Toraldo di Francia.

LO SPAZIO DEL LAVORO

L'architettura è da sempre specchio del mondo che cambia, due libri che riflettono sullo spazio della produzione e sullo spazio del lavoro, ci insegnano che guardare al passato serve a comprendere il mondo che cambia, solo studiando e comprendendo a fondo queste trasformazioni politiche e sociali l'architettura potrà prefigurare il futuro. Chi non lo capisce ha perso prima di cominciare, grazie a Luca Montuori che ha letto per noi questi due libri.

SPACE OF PRODUCTION
Projects and Essays on Rationality, Atmosphere, and Expression in the Industrial Building
Edited by Jeannette Kuo.

by Luca Montuori

Con un certo ritardo sul “Guardian” è apparso in questi giorni un articolo che ci avvisa che la fine del capitalismo è iniziata. La trasformazione del lavoro è uno dei temi su cui si è più riflettuto negli ultimi anni e l’epoca del post-fordismo ha alimentato molte delle riflessioni architettoniche nella contemporaneità. Tra le questioni più importanti rimane il problema della figuratività ( o non figuratività) dei nuovi spazi in cui vivono i lavoratori dell’immateriale, le nuove forme di controllo del lavoro, il rapporto tra abitare e lavorare, la fine del tempo libero e del rapporto tra spazio pubblico e spazio privato. Nuovo lavorare e nuovo abitare. Per questo il volume “Space of Production”, che si accompagna anche a un precedente volume dal titolo “A-Typical plan” (Projects and Essays on Identity, Flexibility and Atmosphere in the Office Building, curato dalla stessa Jeannette Kuo) sugli edifici per uffici, assume un significato che va ben oltre la mera catalogazione di edifici industriali e non è semplicemente un nuovo tentativo di guardare alle potenzialità espressive che la ricerca in campi innovativi per il progetto ha potuto generare. Non è qui in discussione la capacità espressiva dei progettisti nell’immaginare la forma che si libera dalla struttura tipologica tradizionale per costruire i nuovi spazi della modernità. C’è qualcosa in più. Il libro ha un ampio testo critico iniziale che riflette proprio sulla trasformazione del lavoro e degli spazi in cui questo si svolgeva e si svolge oggi. Il testo è accompagnato da una serie di schede di casi di studio, edifici industriali maestri del moderno come Peter Behrens, Félix Candela, Albert Kahn, Louis I. Kahn, Robert Maillart, Pier Luigi Nervi, Auguste Perret, Jean Prouvé, ma anche esempi contemporanei tra cui Herzog e de Meuron. I progetti sono descritti pubblicando foto d’epoca, disegni originali ma anche attraverso una operazione di ridisegno degli edifici resi confrontabili grazie a una unificazione dei codici grafici di rappresentazione. I disegni sono realizzati all’interno di ricerche ed esperienze didattiche della École Polytechnique Fédérale de Lausanne. Gli autori quindi, se nel primo volume avevano raccolto una serie di casi studio, di edifici per uffici, catalogandoli e confrontandoli attraverso l’osservazione della pianta come elemento generatore di spazialità generiche, qui offrono una chiave di lettura che guarda alla “sezione” come mezzo per configurare, controllare il progetto e soprattutto come strumento per progettare i nuovi luoghi della produzione. Il volume infatti si chiude con alcuni interessanti progetti della scuola che tentano di rendere attuale la riflessione sulla natura degli spazi del lavoro, e quindi dell’abitare, nell’epoca della fine del lavoro.

In Spaces of production sono raccolti contributi di Alberto Bologna, Juan José Castellón, Jeannette Kuo, Cédric Libert, e una intervista con Jacques Herzog. In A-Typical PLans contributi di: Iñaki Ábalos, Pier Vittorio Aureli, Andrea Bassi, Florian Idenburg, Jeannette Kuo, Jimenez Lai, Inès Lamunière, Freek Persyn

A-TYPICAL PLAN

Projects and Essays on Identity, Flexibility and Atmosphere in the Office Building

Edited by Jeannette Kuo with Dries Rodet and Isabelle Concherio

THE SUPREME ADVENTURE

THE SUPREME ACHIEVEMENT

edited byMaria S. Giudici e Davide Sacconi
BLACK SQUARE PRESS 2016
Tales from a present future
by Maria Shéhérazade Giudici and Davide Sacconi

In 1971 Superstudio published in Architectural Design

Twelve Cautionary Tales for Christmas, twelve short stories illustrated with their own drawings, which put forward a critique of the role of architecture in the making of the city. The twelve stories illustrate what Superstudio defines as “premonitions of the mystical rebirth of urbanism”, that is to say, a condition in which architecture takes command and becomes, in a very explicit way, a tool for the construction of subjects. As such the Cautionary Tales are not projections of a desirable future but rather exaggerated portraits of the present condition. The science fiction character of the narrative, juxtaposed with the technical precision and evocative dimension of the drawings, constructs a detachment from reality that is the key to a ruthless and powerful critique. The chosen format itself is the device through which the authors target precisely the relationship between space and government, form and modern politics, without either seeking refuge in academic theories or falling into naïve utopias. 

The Tales, at their root, address the relationship between the project of governance, the project of the city, and the project of our domestic space. This relationship is not a new thing. For example, ancient Chinese cities, founded on the logic described in the Rites of Zhou, already present a sophisticated translation of ethical hierarchies in built form, as did the Roman colonial grid. However, in these cases, the symbolic and military ambitions at stake are always laid out in a way that includes a clear form of self-representation. In other words, these traditional cities were always legible as projects. Moreover, the idea of power and authority in pre-modern times conceptually predated the making of the city, which then became the fit receptacle and embodiment of that power. However, from the 1700s onwards, the system shifted: it is the urban space itself that constructs the very possibility of government, it is the ordering of the city that builds the consensus, which any power needs to exist. Abraham Bosse’s famous frontispiece for Hobbes’ Leviathan already brings to the foreground this need to root power in the calculated composition of a mass of bodies into an orderly people. In this shift, the built form ceases to be a representation and becomes, as Le Corbusier would say, a machine. As architects, this condition forces us to ask ourselves: have we yielded all of our imaginative and disruptive power by accepting this role, or on the contrary have we become all the more powerful, yet questionable, by becoming not only the accomplices but the very enablers of government? This conundrum is well expressed in the clinical, relentless descriptions of the original Superstudio Tales as well as in the illustrations which portray an architecture which is at the same time both absolutely generic and rarefied, but also monumental by virtue of its sheer scale. 

These considerations of Superstudio’s critical approach and their reflections on the role of architecture were the starting point of The Supreme Achievement, a project born out of the collaboration of CAMPO and Black Square – respectively, a space for architecture in Rome and a Milan-based publishing and educational platform.

In the summer of 2015 we invited twelve architects and collective practices to give their own interpretation of Superstudio’s Cautionary Tales in relationship to the contemporary condition, respecting the original format of one text and one image. We assembled a fairly heterogeneous group of contributors; architects and collectives with different backgrounds, experiences and positions, coming from three different continents and belonging to different generations. In spite of the differences, a common thread can be identified among the participants; on the one hand, a shared interest in the relationship between the city and power while on the other hand, a particular relevance is given to architectural representation. They all use drawing as a heuristic device – that is to say, as a form of knowledge in its own right – rather than as a mere way to explain a project: for them the drawing itself is the project. 

To further elaborate and open up a discussion on these contributions, we organised a one-week workshop at CAMPO during which a group of students, speculated on the space of the self within the framework proposed by the twelve visions. Departing from the images and texts as a brief, the students elaborated architectural devices that respond to the original contribution as mechanisms triggering an experiential dimension of the cities. The devices, through their material presence as plaster models, oppose the character of the urban visions by adding a formal and spatial level of reflection that complements or twists the original propositions. The models, juxtaposed and considered as a whole, become fragments of a possible analogous city to come.

The work, a result of this process of exchange, was exhibited at CAMPO in September 2015. The entire process involved architects, students and guest critics who are all engaged in an ongoing debate around the question first put forward by Superstudio: is architecture condemned to become a machine of government? 

The results have been quite extraordinary and surprising in many respects. The restraints and the consequent clarity found in the Cautionary Tales format revealed not only its enduring validity but, if possible, an even increased power vis-à-vis the contemporary reality and the variety of invited contributors. The material as a whole has a visual and conceptual clarity, but at the same time, once we enter into the depths of the narratives and details of the designs, one is able to produce countless possibilities of cross references. The images and the texts offer themselves to the viewer as a living matter, where each contribution can be read against the others in an endless play of elective affinities and conflicts. Thus, the framework of the Tales engenders a tension among the projects where the differences are neither recomposed nor irreconcilable, producing an understanding of the whole that is greater than the single parts. Each contribution insists on distinct attitudes that span from acceleration to opposition, from the poetic to the technological, from the ironically disenchanted to the resolutely pragmatic, giving form to a mosaic of visions and tools. Nevertheless, we can clearly read a common concern with the (im)possibility to investigate and represent the current transformations of the city, its dissolution in a system of norms defining behaviors, where architecture seems to be progressively absorbed into a productive machine. The physical and mental acceleration is produced and at the same time produces the endless condition of urbanization. 

An interesting edge seems to materialize from this common ground when it comes to defining a possible role of architecture within the condition of urbanization. For example, Philippe Morel’s Last Earth brings the possibilities offered by mathematics and computational tools to their most extreme consequences. Thus uncovering the irresolvable internal contradictions brought about by the progressive naturalization of capital as an endless process of accumulation. In a city on a planetary scale where everything is immediately and intrinsically available thanks to the computational management of a ‘state of statistical chaos’, architecture, the city and man are reduced to irrelevant numbers subordinate to ‘an ideal gas law’.

On a similar path, but possibly a few centuries earlier, Raumlabor speculates on the technical and cultural possibilities offered by 3d printing technology applied to the urban scale. The mechanical precision of the drawings and the tech-journalist like style of the text of Stadtfresser City have an evocative quality that instrumentalises the technical issues to open a more profound question of globalization, erasure of cultural differences and ultimately on the dissolution of architecture as language and knowledge. Precisely the relationship between knowledge production and life is at the center of the vision constructed by Behemoth, the Italian-Iranian Holland-based trio. Produced by their sharply critical and ironic gaze, Penelope or the Endless Loom materializes in an absurdly low-tech but highly sophisticated machine, an allegory of the actual condition of labour within university campuses. Similarly to Morel’s proposal, the relationship between architecture and the city or between matter and man, are completely dissolved and substituted by the management of feedback loops, an ‘endless loom’ of economic, intellectual and affective relationships efficiently serving the machine. 

The same planetary gaze from Morel’s proposal is seen from a different perspective in the collaboration between FORA and Beth Hughes. The Assembly, at once a post-apocalyptic and very actual scenario, where in a process of ‘metropolitan autopoiesis,’ the territory is continuously reorganized by infrastructural systems that leave behind a landscape of obsolete technology. A glimpse of hope seems to reside in the possibility to ‘re-appropriate and co-opt’ these ‘wrecks of physical surplus,’ in ‘extraterritorial exemptions’ where a new relationship with space might emerge; a very tight space for architecture to maneuver. 

Similarly architecture plays the role of found opportunity within a larger system in, The Warehouse City, the poetic vision by Aristides Antonas. The collage, to a certain extent, could be read together with The Assembly – here it is no coincidence that both projects use collage – as a representation of the ‘inhabitation of the invisible flows,’ of time, space and the relationships that connective infrastructure produces between humans. The city is the endless interior of an ‘abstract warehouse’ where everything is represented and where the new potential resides, more than in the architecture, in the possibility to instrumentalise the ‘infrastructure protocols’ to construct new forms of co-existence. The recapture of the interior through a collective organization becomes the central theme of The City Within, the tale imagined by Microcities (in collaboration with Giacomo Nanni, Cristina Crippa, Raffaele Alberto Ventura and Francesca Guidoni), where a ‘slow and secret invasion’ from within is able to regain control of a city now turned into a desert by private interests and technocratic control. The project exposes the blurring of private and public space, domestic and working condition, political and the economic sphere, that is at the core of the contemporary condition. The detailed precision of the account, the choice of the section as a tool for representation and the happy ending betray an optimistic vein to which architecture seems to be inevitably condemned. As a sort of counterpart, the project Master and Slave by Didier Fiuza Faustino relies on a much more ambiguous and dystopian atmosphere. The city, or possibly the entire civilization, is condensed in an inhabited Moloch that is eroded from the inside, a conflict of devotion and domination, dependence, and fulfillment that masters and slaves are obliged to play in an uncanny and open-ended perversion. 

An estrangement of a different nature is provoked by the cyclic conception of time in the City without a Monument by the Brazilian duo Miniatura, where the city is a cycle that transforms the relationships between itself, man and architecture in an endless time-space loop. A process, more than an architectural form, that, containing ‘the repertoire of everything that was and has to be done’ breaks with the idea of modernity based on progress and memory. 

The theme of memory finds its most poetic moment in the visionary tale narrated by MAP Office. The French duo, based in Hong Kong, speculates on the relationship between the nature of a person and their technological extension, between the volatile character of information and the permanence of matter, the inevitability of death and the construction of memory. The record of each life, one chip after the other, gives form to The Island of Memories, at once a cemetery and archive of the population’s entire collective knowledge. The tale can be read both as a subtle critique of the technological faith and as a light-hearted journey into the abyss of human nature, where the role of architecture is dissolved into a direct projection of ourselves in the infrastructure of the landscape. 

A step before death, Nocturnalia by Cero9/Amid put forward the possibility of collective sleeping as the last and paradoxical frontier of wakefulness, as a form of ‘resistance to a life exposed to a machinic process of exploitation’. Civilization without homes surrounded by the endless productive field of work where architecture celebrates and gives form to the ultimate public space; an enormous dome with a golden ceiling beneath which the whole population sleeps together in the attempt to escape the nightmare of uniformity. Endlessly monotonous walls, an ‘absolute homogeneity and sameness’ that continues unabated, is the theme of Alex Maymind’s The City of Walls, a direct reinterpretation of Superstudio’s First City. The walls construct a background condition, ‘a quality with no quality that has a quality of its own’, against which the unbridled nature of the city can materialize. Thus, the city is paradoxically conceived of as a subtraction that constructs and as the gesture that carves a political space out of the infinite, straight stubbornness of the walls.

Finally, Dogma proposes The Block, a straightforward reinterpretation of what was once the basic unit of the city, now condensed in a single monumental space. Architecture takes command over the city as an archetype that, through the precise articulation of its form can organize the relationship between ‘the two extremes of the human condition: solitude and togetherness’. The sheer scale of the artifact imposes a presence that nevertheless can be either rejected or eroded through inhabitation, opening up the possibility of a political dimension of co-existence by means of architecture. 

These twelve cities are not mutually exclusive; after all they are all happening, right here, right now, with their conflicts and their ambitions. Ultimately what emerges out of this complex mosaic of ideas is, against all odds, faith in architecture, in the possibility for architecture to exist perhaps beyond architects and against all the constraints of politics. A golden dome, a basement that becomes a city, the white noise of machines whose intricate construction doesn’t cease to fascinate us: the real Supreme Achievement resides in the capability to recognize the potential of space, and to turn it from an instrument of power into a weapon that may return some sense of awareness, agency, and perhaps beauty to us.

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LA VITA INTERIORE DEI LIBRI

Interiors tales
from an idea by 2A+P/A and Syracuse University London
Francesco Sanin and Davide Sacconi
with contributions by Microcities, Fala Atelier and TSPA_
Black Square press 2015

order: black-square.eu

Interiors tales

è un librodifficile da classificare, lo si può considerare come uno strumento di ricerca, un quaderno di appunti, perché non si limita a raccogliere testi e immagini.

I testi e le immagini sono l'occasione per definire un percorso di interpretazione più personale, ogni lettore infatti, leggendo, rifletterà sul proprio metodo di rappresentazione,  cercherà di sintetizzare il proprio lavoro attraverso una serie di frammenti della memoria dove non solo i progetti ma anche i riferimenti ad altre disciplinediventano importanti.  

Ma andiamo con ordine, il libro racconta il lavoro di due professori della Syracuse University (London Program) che decidono di organizzare un workshop ed un simposio, sullo spazio interno, cercando secondo me di rispondere ad una domanda precisa cosa significa oggi pensare il progetto

against this vision of the city where relations are abstracted in time and space and reduced to a commodity,......(Francisco Sanin)  to elaborate a critical stance of forms of resistance to those processes that have been affecting the very domain of architecture; the city....a collective attitude is emerging as an ordinary form of research that attemps to re-establish a meaningful project for architecture and the city.( Davide Sacconi)

Interior Tales – workshop di 2A+P – Christopher Nolan, The Dark Knight, 2008 - studenti Rajkumar Kadam e Sai Deepika Vemulapalli

Il workshop è curato dallo studio romano

2A+P/A

, gli studenti dovranno ridisegnare lo spazio di un film o meglio dovranno riflettere e completare la propria memoria visiva ridisegnando lo spazio raccontato dal cinema, ma anche pensare e progettare questo spazio che in realtà non esiste e non è mai uno spazio continuo, il cinema infatti agisce sul nostro inconscio e attraverso una somma di  frammenti ci racconta il tutto.

Gli studenti si trovano quindi a dare continuità a spazi concepiti solo parzialmente, e in pochi giorni hanno raffigurato una condizione architettonica d'insieme. Hanno  immaginato l'architettura, un luogo dove l'interno è molto spesso città, e la città un luogo chiuso.

Interior Tales – workshop di

2A+P/A

– Peter Weir, The Truman Show, 1988 - studenti Bowen Zheng e Taiming Chen

Il libro presenta in sequenza otto architetture definite dagli studenti, otto mondi surreali e reali al tempo stesso.

Ma il libro non è solo questo al  Simposio vengono invitati 4 studi,  gli Italiani 

2A+P/A

e Microcities (con studio a Parigi), i portoghesi FALA e i tedeschi TSPA. I 4 studi presentano il loro lavoro con dei saggi illustrati e dei testi brevi a supporto alle immagini.

Anche qui la volontà di creare una racconto discontinuo fatto di progetti, testi e figure che in un certo senso anticipano e completano il racconto.

Interior Tales – workshop di

2A+P/A

– John Sturges, The Great Escape, 1963 - studenti Ridvan Bruss e Christopher Pitfield

Interior Tales – workshop di

2A+P/A

– Joseph Kosinski, Tron, 1982 - studenti Chang Gao e Zhendong Long

Ogni sezione del libro è introdotta da un testo, Francesco Sanin, Davide Sacconi, Gianfranco Bombaci e Matteo Costanzo in modo diverso riflettono sul tema del rapporto dentro- fuori, ognuno di loro guarda il tema da un punto di vista molto specifico  costruisce un Atlante di Parole e segni capace di prefigurare sempre una modalità di lettura e scrittura  spaziale.

La black square press, inventa un genere, una sorta di instant book, leggero, utile e non finito, nel senso che apre al lettore le porte dell'immaginazione, sfido chiunque a sostenere che dopo questo libro non abbia avuto voglia di disegnare il suo film, o mettere in sequenza frammenti del proprio immaginario, solo per il gusto di aggiungere a questo quaderno un altro spazio possibile. C'è chi sostiene che l'editoria non ha un futuro certo, io penso che questo futuro esiste basta saperlo immaginare, magari attraverso libri come questo piccoli ma fatti con cura e

con

idee semplicemente complesse.

Interior Tales – workshop di

2A+P/A

–

Roland Emmerich, Anonymous, 2001 - studenti Taylor Hogan e Dabota Wilcox

TERRAINS VAGUES

Nei giorni scorsi alla Galleria CAMPO abbiamo invitato Francesco Careri a parlarci del suo libro e della sua lunga intervista a Costant fatta nel 2000, mentre Francesco raccontavala voce di Costant sul fondo e le note della sua musica hanno accompagnato la presentazione.
Campo è uno spazio anomalo un luogo i cui riprendere discorsi già iniziati, un luogo di confronto di storie ed architetture.
E' stata una serata piacevole ce ne saranno molte altre, intanto per chi non è potuto intervenire ecco un testo di Alberto Iacovoni scritto in occasione dell'uscita del libro.
Lo ringrazio per aver partecipato anche se a distanza a questa nostra iniziativa.

Costant
New Babylon una città Nomade
Francesco Careri
Testo & Immagine 2001
di Alberto Iacovoni

Siamo i simboli viventi di un mondo senza frontiere, di un mondo libero, senza armi, nel quale chiunque può viaggiare senza limitazioni dalle steppe dell'Asia centrale alle coste atlantiche, dalle alte pianure dell'Africa del Sud alle foreste finlandesi. (1)

De fait, nous entrons dans une période de profonde instabilité des populations qui va bientot aboutir dans toute l'Europe, à la venue d'un nouveau type de mobilité sociale ou la precarité de l'emploi ira de pair avec un véritable "nomadisation intérieure" du prolétariat (...). (2)

Tutte le rivoluzioni entrano nella storia e la storia non ne rifiuta nessuna: e i fiumi delle rivoluzioni tornano indietro dove sono nati per poter fluire di nuovo. (3)

30 anni fa Constant Niewenhuis abbandona il progetto intorno al quale aveva lavorato per i 15 anni precedenti producendo una quantità enorme di plastici, disegni e fotomontaggi intorno all'idea di una città per l'homo ludens, un "campo nomade su scala planetaria" (4), e torna alla pittura: "dopo un enorme numero di performance che lo portano anche alla Biennale di Venezia del 1966 a rappresentare l'Olanda, decide che lo spettacolo è finito" (5). Dello stesso anno è la grande e nota fotografia che lo ritrae nel suo studio circondato dai plastici delle enormi e trasparenti bolle delle spatiovore.

Constant aveva fino ad allora costruito un percorso unico il cui punto di svolta sembra essere stata la sua adesione all'Internazionale Situazionista, di cui fu insieme a Guy Debord uno dei fondatori: pittore già affermato del gruppo CoBrA abbandona la pittura per l'urbanismo unitario situazionista e per l'architettura intesa come "un'arte delle più complete, che sarà allo stesso tempo lirica per i propri mezzi e sociale per sua stessa natura (6)", che troverà la sua formalizzazione in New Babylon, anche ben oltre la sua rottura con Debord e l'I.S.; opera insommma una scelta di campo strategica che abbandona dopo una decina d'anni di lavoro lucido e intenso.

Ho letto il libro di Francesco Careri (Constant/New Babylon, una città nomade, Testo & Immagine pp. 93 L. 24.000) con in mente questa domanda, ossessionato come sono da anni da una frase di Tafuri -allontanare l'angoscia comprendendone e introiettandone le cause: questo sembra essere uno dei principali imperativi etici dell'arte borghese (10)- come un sottotesto fisso ad ogni lettura delle parabole delle avanguardie artistiche e architettoniche più o meno rivoluzionarie e/o innocenti ripetto agli esiti delle loro visioni e azioni, da cui forse è fino ad oggi sfuggita la storia dell'Internazionale Situazionista, talmente pura –o sarebbe meglio dire epurata- da appassire negli anni tra i rigori di Debord, che di fatto escluse nel tempo qualsiasi pratica artistica, e con essa chi la praticava, dall'attività dell'I.S., nonostante si possa effetivamente constatare che "le ricerche situazioniste negli anni Settanta vengono assorbite dalle avanguardie radicali per poi essere recuperate dalla cultura ufficiale degli anni Novanta sotto nuove vesti estetiche. Il primo numero della rivista I.S. si apriva con un articolo sull'amara vittoria del surrealismo, mezzo secolo dopo si comincia già a parlare di un'amara vittoria del situazionismo".

Questa ossessione rimanda in realtà alla questione dell'attualità rivoluzionaria delle teorie e dei progetti di Constant, questione che lievemente, e non intrusivamente viene risolta in apertura e chiusura del libro, dove si racconta l'incontro emozionato con il pittore/architetto/musicista nel suo studio di Amsterdam, attraverso una serie di cortocircuiti, rilanci e identificazioni tra la storia di Constant e l'attività del gruppo Stalker di cui Francesco (come d'altronde il sottoscritto) fa parte da anni

I nodi attorno ai quali ruota questo gioco di identificazione e rilancio, ovviamente mutatis mutandis, è il definirsi utopiani piuttosto che utopisti: "Bisogna distinguere gli utopisti dagli utopiani, ossia le utopie astratte dalle utopie concrete […]. Il pensiero utopista esplora l'impossibile, mentre il pensiero utopiano sprigiona il possibile", (11) il nomadismo come tessitura continua di nuovi territori di libertà –e Constant inizia ad interessarsi all'architettura quando nel 1956 visita il campo dei gitani ad Alba, mentre Stalker lavora da due anni al Campo Boario a Roma con le comunità di migranti che vi abitano, tra cui dei Rom Calderasha-, e il terrain vague come territorio di ridefinizione continua degli usi, tempi e relazioni nella città: "Hai visto il quartiere qui davanti? È stato costruito da poco, ma prima, quando io venivo qui a lavorare, là c'era un grande terrain vague con sterpi, sabbia… C'erano molte tende, i nomadi che facevano i fuochi, che cantavano… li ho visti per dieci anni da questa finestra, ora l'ho coperta, ma prima era aperta perché a me piaceva vedere tutto ciò. (...) Nel terrain vague tutti possono mettersi a fare quello che gli piace. È uno spazio neobabilonese". (12)

Che non mi si fraintenda: lo scollamento tra l'attuale e lo storico è ben visibile e circoscritto all'inizio e alla fine del testo, mentre tutto il complesso percorso di Constant dal Cobra, all'I.S., fino alla rottura con Debord, la chiusura di New Babylon e il ritorno alla pittura è un percorso intenso e compresso ma preciso, equilibrato. Non solo: in chiusura gli scritti sulla descrizione della Zona Gialla e l'Autodialogo a proposito di New Babylon, in cui Constant si autointervista ponendosi tutte quelle domande e critiche che altri, ma anche se stesso , avevano fatto a New Babylon, credo che chiariscano definitivamente la limpidezza, lucidità ed attualità del lavoro di Constant.

Fatto è che questo testo racconta un percorso che ancora non si è concluso, che non si perso nel nulla né ci ha riportato indietro in una realtà che del miraggio dell'utopia conserva solo la superficie, e dei suoi valori l'esatto contrario algebrico.

La storia della nuova babilonia non si è ancora chiusa, e il ritorno di Constant alla pittura, e la sua passione per la musica, è un ritirarsi dopo aver detto tutto quello che c'era da dire con lo strumento dell'architettura, e allo stesso tempo un'altra migrazione verso nuovi territori. E l'amarezza di Constant nell'osservare la povertà della civiltà dell'opulenza è l'altra faccia di un entusiasmo non ancora sopito per gli ideali che sostenevano e che ancora oggi traspaiono intatti nelle decine di maquettes, come negli strepitosi fotomontaggi realizzati dal figlio Victor, o nelle mappe post situazioniste dedicate a New Babylon, che dichiaratamente sta da quell'ormai lontano 1966 continuando a sperimentare nella pittura: "io volevo continuare New Babylon nella pittura". (13)

Lo spazio neobabilonese, afferma Constant e con lui l'autore, è oggi nei terrain vagues, negli spazi abbandonati ed interstiziali, dove " possano aver ricovero fin nei cuori delle città il selvaggio, il non pianificato, il nomade" (14), "spazi promiscui dove si possa attraverso spazi e comportamenti conviviali, di ascolto ed espressione, abitare distanze e differenze" (15), "territori della continua ridefinizione del noi, del confronto e dello scambio con le diversità (16)", dove "anche le frontiere e le barriere spariscono [e] la via è aperta alla mescolanza delle popolazioni, (…) alla fusione delle popolazioni in una nuova razza, la razza mondiale dei neobabilonesi" (17) e forse un giorno troverà di nuovo un'architettura che ne sprigioni le possibiltà, ma questo è un capitolo ancora tutto da scrivere, ricordando sempre che "allo stesso modo in cui le teorie vanno sostituite, perché le loro vittorie decisive, ancor più delle loro sconfitte parziali, ne determinano l'usura, così nessuna epoca vivente è mai il prodotto di una teoria: è anzitutto un gioco, un conflitto, un viaggio". (18)

(1) Voida Voivoid III, presidente della Comunità Mondiale dei gitani, 1963 , citato in Francesco Creri: "Constant New Babylon, una città nomade", Testo & Immagine, 2001.

(2) Paul Virilio, "Le refugiés sociaux" in Fisuras n° 4/3, maggio 1997

(3) Guy Debord, Panegirico.

(4) Constant 1974, p. 15, citato F. Careri, op. cit., p. 26

(5) ibid., p. 66.

(6) ibid., p. 19, da Wigley 98, p. 78.

(7) Andrea Branzi, "Radical Notes", Casabella 383 del 1973.

(8) Andrea Branzi, colloquio "Architettura radicale" citato in "La chaise, l'armoire et le tapis: habiter l'archipel domestique" di Marie-Ange Brayer, catalogo di Archilab 2001.

(9) Guy Debord, in F. Careri, op. cit., p. 50.

(10) Manfredo Tafuri "Per una critica dell'ideologia architettonica", Contropiano n° 1, 1969.

(11) F. Careri, op. cit., p. 10.

(12) ibid. p. 80.

(13) ibid. p. 80.

(14) Stalker, "Stalker attraverso i Territori Attuali", Jean Michel Place, 2000.

(15) Stalker/Ararat, in 5tudi, Dedalo 2000, p. 25.

(16) ibid. p. 32.

(17) Constant 1974, citato in F. Careri, op. cit., p. 38.

(18) G. Debord, "In girum imus nocte et consumimur igni", Mondadori 1998.

Pubblicato nel 2001 su ARCHIT rivista di Architettura fondata e diretta da Marco Brizzi