QUESTO NON E' UN MANIFESTO

Luca Galofaro

QUESTO NON E’ UN MANIFESTO

LetteraVentidue - 2021

La scrittura è la premessa necessaria di un lavoro costante sul progetto. La narrazione parte sempre dalla storia, la trasfigura, portando il discorso su campi diversi. In questo racconto sul progettare appaiono e scompaiono rapidamente luoghi, si attraversano discipline, libri, città e film mai raccontati completamente, immagini assenti eppure presenti perché parti essenziali della mia memoria: un labirinto di parole in cui sono raccolti testi scritti negli anni, seguendo un nuovo montaggio di senso. Alcuni descrivono il lavoro di ricerca svolto con lo studio IaN+ (1997-2015), in particolare sono riflessioni condivise negli anni con Carmelo Baglivo, altri si soffermano sulla costruzione mentale del progetto attraverso modelli di diverso tipo. È un viaggio nella memoria che vuole riscoprire tracce utili a definire le radici di un’idea di architettura non per forza legata alla sua costruzione fisica. Il racconto dei progetti costruiti non a caso è omesso.

Come il protagonista del film La jetée[1](1962) di Chris Marker, ho provato a viaggiare tra tempi diversi della mia ricerca per ricostruire un processo immaginativo. La Jetée è una pellicola fatta di immagini statiche accompagnate da una voce narrante, un’unica sequenza al centro del film è animata. Inizia con il volto di una donna sulla terrazza dell’aeroporto di Orly e la contemporanea uccisione di un uomo, unica immagine sopravvissuta a una misteriosa guerra. Parigi è distrutta. Il mondo è inabitabile, perché invaso da radiazioni letali. Chi è scampato al conflitto vive sottoterra tentando in tutti modi di trovare una soluzione ai problemi di sopravvivenza. C’è bisogno di cibo, medicine e risorse di energia per continuare a vivere. Sotto la supervisione di inquietanti scienziati, alcuni prigionieri vengono usati come cavie per esperimenti di viaggi nel tempo per sapere dalle generazioni future come sono riuscite a sopravvivere. La memoria del protagonista funzionerà da carburante per l’esperimento degli scienziati.

Esiste una relazione tra questo film e il fare architettura che va oltre il titolo. La Jetée è la grande terrazza panoramica dell’aeroporto di Orly dal quale si guardavano gli aerei decollare e atterrare al tempo della sua apertura. L’architetto, attraverso l’accumulazione, il montaggio e la selezione delle informazioni custodite nella memoria, crea delle strutture logiche che lo aiutano a comprendere (esattamente come nel film). Diverse poetiche si combinano tra loro e cercano attraverso il dialogo nuove forme d’espressione, che cambiano di continuo perché, cercando di definire un'unica forma, si corre il rischio di creare un linguaggio che toglie significato al progetto. Il linguaggio, infatti, definisce un punto di vista alternativo che impedisce all’architettura di crescere.

  La teoria è forse il limite tra queste forme in continuo divenire. In questo testo ho cercato di ricomporre una riflessione, ripercorrendo le tracce di un’idea di architettura che non sempre ha trovato una sintesi tra le diverse forme del progettare.

[1] Marker Chris, La jetée: ciné-roman, Zone Books, Princeton, 2008

DOMESTIC CITY

Ugo La Pietra

DOMESTIC CITY

Plectica Editrice. 2021.

Difficile capire, dopo aver completato la lettura, se presentare semplicemente il libro o annunciare la nascita di una nuova collana di architettura, nel dubbio cerco di fare entrambe le cose.

Ci troviamo di fronte ad un nuovo progetto editoriale una nuova collana di architetture chiamata Stanze. Una stanza è allo stesso tempo un luogo fisico, ma per un architetto anche uno spazio mentale in cui proteggere la propria conoscenza.

Da questo doppio significato che si può attribuire al concetto di stanza prende forma un progetto editoriale ambizioso e realmente giovane, tutti i protagonisti di questa avventura sono rigorosamente under 30. La stanza è innanzitutto un contenitore di vita, ma anche uno spazio di dialogo e ricerca e non ultimo un tema architettonico su cui lavorare e attraverso il quale instaurare un dialogo nel tempo tra autori diversi. La prima stanza (il primo libro della collana) è dedicata a Ugo La Pietra che si è sempre occupato dello spazio urbano come diretta estensione dello spazio domestico, formulando l’idea della città domestica infatti, ha costruito molte delle sue riflessioni teoriche.

In questo libro La Pietra attraverso brevi testi, alcuni dei quali inediti, riflette sul tema della stanza sollevando importanti questioni sociali, teoriche e metodologiche. Osserva con sensibilità la quotidianità e trasfigura queste osservazioni in una serie di micro progetti capaci allo stesso tempo di trasformare i luoghi dell’abitare ma anche lo spazio urbano in cui vengono inseriti. Un atteggiamento allo stesso tempo indagatore e critico di un progettista che ha sempre guardato con disincanto ai codici della società contemporanea. Sarà bello seguire nel corso dei prossimi anni la sequenza di stanze che costruiranno uno spazio della conoscenza, parafrasando il titolo di una delle più belle edizioni della Biennale di Venezia, un Palazzo enciclopedico le cui stanze ogni lettore potrà abitare a suo modo, trasformando i libri in qualcosa di completamente diverso.

ITALIAN COLLAGES

Davide Tommaso Ferrando - Bart Lootsma - Kanokwan trakulyingcharoen

ITALIAN COLLAGES

Letteraventidue - 2020

This book is the result of an inquiry into a specific category of contemporary architectural drawing: digital collages produced by Italian architects who extensively use social media, notably Facebook and Instagram, for their dissemination. Of course, they also publish their work in more traditional media, such as magazines and books, and present it in exhibitions and installations, but the new opportunities the Internet offers to publish ideas and works by oneself, without the necessity of editorial boards, publishers or shops, and thus to diffuse them instantly and at a high frequency among (much) wider audiences than before and get immediate feedback from them, seem to be related to the form and content of their work. It was also clear to us that the protagonists knew each other, followed each other, talked to each other, both verbally and often through their collages.

As the relationship between architecture and media is one of the focuses of research at the Department of Architectural Theory of the University of Innsbruck, this did not escape our attention and led to lively debates. The first outcome of these discussions was the symposium Italian Collage, Architectural Drawings in the Age of Social Media we organized

at the Kunstraum Innsbruck on the 12th of December 2014, with contributions by Bart Lootsma, Davide Tommaso Ferrando, Stefano De Martino, Luca Galofaro, Carmelo Baglivo, Beniamino Servino, Marta Magagnini, Alexa Baumgartner and Kanokwan Trakulyingcharoen.

At the time, the phenomenon addressed by the symposium was still new but enough material, works and texts, had already been produced to question what was going on here.

Today, five years later, architecture-related media outlets, from printed magazines to social networks, are engulfed with so-called “post-digital” drawings, which have by now established themselves as one of the main forms of architectural communication, particularly used by younger, “hipster” practices. Still, a lot can be learned from this special moment in Italian architecture. This book is organized in three main parts. The first part gathers a series of essays written between 2014 and 2019 by Bart Lootsma, Davide Tommaso, Kanokwan Trakulyingcharoen and Giacomo Pala, all members of the Department of Architectural Theory of the University of Innsbruck, and by Marta Magagnini, a specialist in the field of the representation of recent Italian architecture from the University of Camerino.

The second part of the book is dedicated to an in-depth exploration of the work of three of the most representative authors of Italian Collage: Beniamino Servino, Carmelo Baglivo and Luca Galofaro. It contains portfolios of their work and original texts written by them on the occasion of the symposium in Innsbruck. This section is enriched and closed by the transcription of a conversation between them and Davide Tommaso Ferrando in October 2019, which updates and critically evaluates the scope of their drawing practice.

The third and last part of the book gathers the visual researches of two younger authors, Davide Trabucco and the artistic duo ROBOCOOP, whose approach to architectural collage pursues the road taken by Baglivo, Servino and Galofaro, in a different, but no less interesting way.

VEDERE MOLTO, IMMAGINARE MOLTO

Gae Aulenti

VEDERE MOLTO, IMMAGINARE MOLTO

Edizioni di comunità 2021

Gli scritti di Gae Aulenti raccolti in questo volume, sono testi brevi, su argomenti molto diversi tra loro che denotano alcune linee di analisi precise ed inequivocabili sul modo di guardare il mondo dell’architetto milanese. Sono testi pensati per conferenze o a commento di ricorrenze particolari pubblicati in questa forma per la prima volta. Dopo aver completato la lettura si comprende come la scrittura non sia stata per l’Aulenti una pratica strumentale alla costruzione del progetto, non è neanche narrazione pura da cui possano emergere aspetti nuovi sul suo modo di progettare. La scrittura è per Gae Aulenti una forma di annotazione, un modo per fissare lo sguardo, per non dimenticare sensazioni che gli spazi producono quando vengono attraversati e vissuti, una verifica a posteriori di alcune idee espresse prima sotto forma di progetto. Questa logica delle sensazioni produce nel lettore un cortocircuito cognitivo che riunisce immediatamente la scrittura agli spazi e agli oggetti progettati dalla Aulenti. Basta leggere Cinque musei per esempio, per comprendere che esporre significa prima di tutto assemblare collezioni e città, luce e opere, ma anche montare conoscenze e sguardi diversi che sono fondamentali per far emergere dai luoghi di conservazione nuovi significati. Oppure è sufficiente soffermarsi sul testo magia della casa senza architetto per capire come lo spazio domestico sia per lei prima di tutto un collezionare ricordi ed esperienze vissute, e come la casa sia espressione della personalità di chi la vive e non di chi la progetta. Il progettista guida e suggerisce un modo di abitare lo spazio libero e senza convenzioni. Ma la cosa più preziosa che traspare da questa piccola collezione di testi è nascosta nel titolo. Per un progettista è fondamentale viaggiare e guardare con cura tutto quello che ci circonda, questo guardare infatti è l’unico motore della nostra immaginazione. Per questo motivo dobbiamo sempre vedere molto per poter poi immaginare molto.

AVANT-GARDE AS METHOD

Anna Bokov,

Avant-Garde as Method: Vkhutemas and the Pedagogy of Space, 1920–1930

Park Books, 2020

Un libro monumentale ricco di materiale iconografico, che racconta e descrive le attività di insegnamento del Vkhutemas. La prima scuola a implementare l'educazione artistica e tecnologica di massa, considerata essenziale per il paradigma modernista dominante nell'Unione Sovietica. Il programma pedagogico del Vkhutemas, é riuscito a sperimentare idee e pratiche classiche fondendole con quelle dell'era industriale che stava nascendo in quel momento storico, per avviare un nuovo tipo insegnamento sviluppato in gran parte sullo scambio tra studenti ed educatori.

Questo libro raccoglie per la prima volta, una serie di documenti di archivio straordinari, attraverso i quali l’autore riesce nell’intento di dimostrare come i canoni del Vkhutemas abbiano sfidato la tradizione accademica, mostrando poi come questo specifico metodo di costruzione del progetto sia stato incredibilmente efficace. Il Vkhutemas può essere accostato al Bauhaus sia come organizzazione che come fine didattico, ma la matrice formale di questo movimento ne fa un esempio unico nel suo genere capace di influenzare molte delle tendenze del contemporaneo ancora oggi. Le due scuole sono state le prime a formare artisti-designer in modo completamente nuovo. Entrambe erano finanziate dallo stato con lo scopo preciso di fondere la tradizione artigianale con la tecnologia moderna, con un corso base di principi estetici, corsi di teoria del colore, design industriale e architettura. Entrambe fiorirono in un periodo relativamente liberale e furono chiuse sotto la pressione di regimi totalitari che avevano ben compreso l’influenza del progettare libero sulla società.

HISTOIRE NATURELLE DE L'ARCHITECTURE

Philippe Rahm,

Histoire naturelle de l'architecture

Pavillon de L’arsenal, paris 2020

Histoire naturelle de l'architecture : Comment le climat, les épidémies et l'énergie ont façonné la ville et les bâtiments ,

Forse uno dei libri più originali degli ultimi anni, perché racconta l’architettura in modo diverso. Al centro del discorso non c’è il genio creativo dell’architetto, nessun discorso su questioni di linguaggio e stile, nessuna catalogazione tipologica tradizionale, ma un’architettura che nel corso dei secoli emerge da ragioni fisiche, dai dati climatici, dai requisiti sanitari e dalle risorse disponibili per costruire.

Ci troviamo così davanti ad un altra storia dell'architettura e della città complementare a quella a cui ci siamo abituati a conoscere, nella storia riscritta da Philippe Rahm le dimensioni politiche, economiche e sociali passano in secondo piano.

Il libro si concentra sulle condizioni naturali, fisiche, biologiche e climatiche, dalla preistoria ai giorni nostri.

Una rilettura utile per capire ed affrontare le grandi sfide ambientali del nostro secolo e costruire un altro domani che si adatti alle emergenze climatiche e alle recenti nuove sfide sanitarie. Questa rilettura restituisce, in un secondo tempo, significato alle dinamiche politiche ed economiche.

Questo nuovo approccio fenomenologico riunisce le epoche e crea collegamenti inaspettati. Capitolo dopo capitolo il candore secolare dei tetti di Shibām nello Yemen, le grandi cupole del Rinascimento perfette per ventilare i grandi spazi, come d’altronde l’organizzazione spaziale delle ville del Palladio fanno risaltare i veri fondamenti delle forme, l’uso dei materiali e le disposizioni necessarie per vivere, immagazzinare, raffreddare, proteggere, ventilare, semplicemente abitare la terra.

URBANITÀ SPONTANEE

Juan Lopez Cano

URBANITÀ SPONTANEE

Libria - 2020

When we talk about public space we think only of open space, the places in the city. When Cedric
Price thought about his architecture, the spontaneous component, the actions of the users were the
important part of the generative diagram of the project, architecture for Price was something that
gave shape to spontaneity.
The use of this term by the author of the book, a member of the Orizzontale studio, is perhaps the
most interesting part of this brief history of public architecture.
The paradigm of participation has, in my opinion, always been a risk that only a few designers
have been able to face in the best way. The term Spontaneity, on the other hand, encapsulates new
potentialities for an architecture that, besides being exploited for its functional characteristics, must
leave space for users to their freedom of movement, flexibility of use and the reversibility and reuse
of the architecture itself.
The projects narrated in this book in fact have the purpose of being objects but at the same time a
mirror of a community. They are children of a concrete radicality, the same concreteness hidden in
every proposal of the architect Price.
It is a book written by a designer who tries to understand the reality that surrounds him by reading
the history of contemporary architecture. It is a biased book because each project presented hides
something that the author considers interesting for his projects. The book thus becomes a manual of
design actions that through a retroactive path become tools to imagine the future.

Quando si parla di spazio publico si pensa unicamente allo spazio aperto, ai luoghi della città.
Quando Cedric Price pensava le sue architetture, la componente spontanea, le azioni dei fruitori
erano la parte importante del diagramma generativo del progetto, l’architettura per Price era
qualcosa che dava forma alla spontaneità.
L’uso di questo termine da parte dell’autore del libro, membro dello studio Orizzontale, è forse la
parte più interessante di questa breve storia d’architettura pubblica.
Il paradigma della partecipazione è a mio avviso da sempre un rischio che solo pochi progettisti
hanno saputo affrontare al meglio. Il termine Spontaneità racchiude invece nuove potenzialità
per un’architettura che oltre ad essere sfruttata per le sue caratteristiche funzionali, deve lasciare
spazio agli utenti alla loro libertà di movimento, alla flessibilità d’uso e alla reversibilità e al riutilizzo
dell’architettura stessa.
I progetti raccontanti in questo libro infatti hanno lo scopo di essere oggetti ma allo stesso tempo
specchio di una comunità. Sono figli di una radicalità concreta, la stessa concretezza nascosta in
ogni proposta dell’architetto Price.
È un libro scritto da un progettista che cerca di capire la realtà che lo circonda leggendo la storia del
contemporaneo. È un libro di parte perché ogni progetto presentato nasconde qualcosa che l’autore
ritiene interessante per i propri progetti. Il libro diventa così un manuale di azioni progettuali che attraverso un percorso retroattivo diventano strumenti per immaginare il futuro.

EPICS IN THE EVERYDAYPHOTOGRAPHY ARCHITECTURE AND THE PROBLEM OF REALISM

Jesús Vassallo

EPICS IN THE EVERYDAYPHOTOGRAPHY ARCHITECTURE AND THE PROBLEM OF REALISM

Park books - 2020

There is a thin thread that binds architecture to photography as well as the fact that both disciplines investigate the forms of reality. And this thread often links photographers, their work on the image, to architects who, when they build their architecture, have in their memory the photographs taken by photographers, their gaze on the world.Jesus Vassallo investigates this faint boundary between disciplines and to do so, he studies couples of architects and photographers who during their careers have shared an Imaginary, a mental space of experimentation that sometimes seems to define an enlarged field of action where the real is a field of comparison.These dialectical couples use the image as a ground for comparison, on the one hand the photographers who use their technique to reinvent places and spaces, on the other hand the architects who use images to build their projects. In this book Jesús Vassallo explores a particular condition over a long period of time from the post-war period to the present day. The reality observed is always that of the city and the architecture of everyday life, an often anonymous architecture that builds urban places and that in the hands of architects reinvents itself through language. It is a book on the history of the image but also a book on the history of architecture, realism emerges from the intersection between these two natures.Page after page we ask ourselves if Vassallo is interested in reality or its representation, if he considers these dialectical couples a single thought or if he is interested in architecture as a form of narration and photography as a tool to achieve it.But it doesn't matter because this journey is first of all a journey about abstraction and about how reality is always born from something we have to discover by looking through the eyes of others, in order to be able to modify it. The Smithsons discover the city of London through the eyes of Nigel Henderson. Venturi and Dennis Scott Brown can learn from Las Vegas by studying it through the instrument that Ed Ruscha uses to narrate Los Angeles, the photographs taken by a moving camera.Herzog & de Meuron reinvent their architecture through Thomas Ruff's way of looking at it, which for an instant gives the photographic medium the materiality of architecture itself. Or we can follow Caruso St John and Thomas Demand in their mutual mirroring of each other, in an immaterial world that then, as if by magic, becomes real, only to return to being a simple representation of a state of mind.As it already happened when conceptual art discovered photography, we find ourselves at a turning point, a new beginning, where architecture appears not as a form but as a shadow of the collective imagination. A really important book.

Esiste un sottile filo che lega l’architettura alla fotografia oltre al fatto che entrambe le discipline indagano le forme del reale. E questo filo spesso lega i fotografi, il loro lavoro sull’immagine agli architetti che quando costruiscono le loro architetture hanno nella loro memoria impressi gli scatti dei fotografi, il loro sguardo sul mondo.Jesus Vassallo indaga questo confine labile tra le discipline e per farlo, studia coppie di architetti e fotografi che nel corso della loro carriera hanno condiviso un’Immaginario, uno spazio mentale di sperimentazione che sembra a volte definire un campo d’azione allargato dove il reale è un terreno di confronto.Queste coppie dialettiche usano l’immagine come terreno di confronto, da una parte i fotografi che sfruttano la loro tecnica per reinventare luoghi e spazi, dall’altro gli architetti che usano le immagini per costruire i loro progetti. In questo libro Jesús Vassallo esplora una condizione particolare nel corso di un tempo lungo che va dal dopoguerra fino ai giorni nostri. La realtà osservata è sempre quella della città e dell’architettura del quotidiano, un’ architettura spesso anonima, che costruisce i luoghi urbani e che in mano agli architetti si reinventa attraverso il linguaggio. E’ un libro di storia dell’immagine ma anche un libro di storia dell’architettura, il realismo emerge dall’intersezione tra queste due nature.Pagina dopo pagina ci chiediamo se Vassallo è interessato al reale o alla sua rappresentazione, se considera queste coppie dialettiche un’unico pensiero oppure se sia interessato all’architettura come forma di narrazione e alla fotografia come strumento per raggiungerla.Ma non importa perché questo viaggio è prima di tutto un viaggio sull’astrazione e su come la realtà nasce sempre da qualcosa che dobbiamo scoprire guardando attraverso gli occhi degli altri, per poi poterla modificare. Gli Smithsons scoprono la città di Londra attraverso lo sguardo di Nigel Henderson. Venturi e Dennis Scott Brown possono imparare da Las Vegas studiandola attraverso lo strumento che Ed Ruscha usa per raccontare Los Angeles, le fotografie scattate da una macchina in movimento.Herzog & de Meuron reinventano la loro architettura attraverso il modo di guardarla di Thomas Ruff, che per un istante è in grado di dare al medium fotografico la materialità propria dell’architettura stessa. Oppure possiamo seguire Caruso St John e Thomas Demand il loro specchiarsi reciproco, in un mondo immateriale che poi come per magia diventa reale, per poi tornare ad essere semplice rappresentazione di uno stato mentale.Come è già successo quando l’arte concettuale ha scoperto la fotografia, ci troviamo ad un punto di svolta, un nuovo inizio, in cui l’architettura appare non come forma ma come ombra dell’immaginario collettivo. Un libro davvero importante.

Mr. BAWA I PRESUME

Giovanna Silva

Mr. Bawa I presume

Hatje Cantz - 2020

Guardando le foto di Giovanna Silva mi chiedo: si può fotografare il racconto dell’architettura?
Nel senso non fotografare l’architettura come oggetto e forma ma come struttura narrativa, come sequenza di sensazioni fisiche legate allo spazio e alla natura dei luoghi.
La risposta è custodita in questo libro, basta saperla guardare.
Giovanna Silva, prima di cominciare un progetto, individua sempre una storia, che sia legata ad un opera specifica di architettura, ad un architetto come nel caso di Jeffrey Bawa ad una città o a un intero paese, poi pianifica il viaggio seguendo uno script essenziale, sceglie il percorso, alcuni dati che ne orientino il movimento, sceglie sempre di non approfondire troppo prima del viaggio. Lo fa per rimanere lontana dal soggetto, per non farsi coinvolgere dai dati raccolti, non vuole costruire nessuna certezza prima di posare il suo sguardo. Attraverso il viaggio, ricostruisce il percorso conoscitivo tra memoria e interpretazione.
Scriveva Baudrillard, che uno dei piaceri del viaggiare consiste nell’immergersi dove altri sono destinati a vivere, e forse è proprio la ricerca dello sguardo abituale sui luoghi distanti è uno dei desideri della Silva.
Il viaggio diventa per lei il medium attraverso il quale costruire la propria visione e
fotografare un’operazione di puro e semplice montaggio. Costruire immagini è lo strumento attraverso il quale sovrascrivere la storia che ha ispirato il viaggio senza sostituirsi ad essa.
in favore di una ricerca dei luoghi nascosti nella memoria di chi li ha costruiti,
Silva non posa semplicemente il suo sguardo sull’architettura, si ferma ad osservare e studiare quel confine labile in cui si incontrano mondi diversi, su questa linea di collisione accidentale si innesca un processo di annullamento del linguaggio dell’architettura la visione della ricerca dei luoghi che prendono forma lentamente nella nostra memoria attraverso la visione. Le sequenze fotografiche sono una scrittura lenta capace di svelare una narrazione alternativa alla storia ufficiale. Il suo non è un lavoro che vuole svelare la verità, vuole sottolineare prima di tutto la costruzione di un’ idea di spazio, indagare l’immaginario visivo che è alla base di ogni forma di costruzione.
La sua fotografia offre sempre una prospettiva inusuale sull’architettura e il paesaggio che la circonda concentrandosi sugli effetti che questa collisione produce. E’ una forma di ricerca sulle origini del mondo, un movimento capace di generare altre forme. Un lavoro di scavo della visione e al tempo stesso un esercitarsi allo sguardo che ci fa accedere alla dimensione dell’invisibile.
Inizio a scattare mentre il mondo ancora dorme, riesco a immergere gli edifici in una dimensione sospesa. Sembrano disabitati, non fosse per le tracce lasciate dagli uomini il giorno prima. Il risultato è una fotografia di architettura sporca, apparentemente inanimata ma costellata di oggetti che testimoniano la vita segreta dell’architettura.
Quella vita segreta è tutto quello che oggi abbiamo perso, e vale la pena soffermarsi a cercarla nei dettagli apparentemente più insignificanti.
Amo guardare le cose più banali ha detto una volta Robert Frank. Le immagini della Silva sono apparentemente così casuali che difficilmente sembra valga la pena di soffermarcisi. Ma seguendo le sue interminabili sequenze, quando decidiamo di osservarle con più attenzione, scopriamo che gli scatti pagina dopo pagina costruiscono un’unica immagine ripetuta che cerca attraverso la visione soggettiva di raccontare qualcosa di diverso.

La fotografia della Silva non è mai duplicazione della realtà, perché la realtà non è mai raffigurata per intero, il taglio dell’immagine consueta costringe l’osservatore a guardarla in modo diverso, progetta non il risultato ma sicuramente l’intenzione del vedere criticamente.
Ogni lavoro alla fine è una scrittura per immagini, pensata in forma di libro.
I suoi libri vanno letti come atlanti. Fare un atlante significa creare dei tagli, comporre diverse inquadrature, accumularle e montarle. La lettura del reale, attraverso l’atlante si trasforma così in un vero e proprio atto inventivo. Allo stesso modo, colui che legge un atlante crea un proprio percorso interpretativo, operando a sua volta delle scelte. La scelta di inquadrare un singolo particolare costringe l’autore, ma anche l’osservatore a porsi delle domande, mette in moto un discorso che altrimenti non sarebbe mai emerso in superficie.
Ed è proprio sfogliare le pagine di questo libro che ci fa ripercorrere il percorso mentale dell’autore, che dopo aver riflettuto sull’immagine e lo spazio che raffigura, torna sui suoi passi per un’altra inquadratura che serve a comprendere meglio. La forma del dittico è utilizzata per farci muovere nello spazio e nel tempo, per mettere a fuoco qualcosa attraverso il movimento. In sintesi, ogni inquadratura porta all’assunzione di una posizione che a sua volta chiama nuove inquadrature che compongono l’intero lavoro.
L’architettura è decostruita attraverso una visione cinematica, che di volta in volta mostra oggetti, colori e paesaggi ibridi, nessun dettaglio si impone sull’altro, l’architettura e la natura danzano assieme, sia quando ci troviamo all’esterno che quando siamo in un interno. E’ in questa danza immobile che affiora la personalità dell’architetto che costruendo cerca sempre di rispettare e nutrire il proprio immaginario.

Penso che Il muoversi per la Silva sia indistinguibile dal guardare, e non è facile decifrare perché riesce a fermarsi solo per il tempo necessario dello scatto, per poi ripartire.
E’ questa breve pausa ad essere importante nel suo narrare.
Se ancora state cercando la risposta alla domanda con cui ho cominciato questo breve testo, avrete capito che in questo lavoro specifico Giovanna Silva non ha fotografato l’architettura di Mr Bawa, ma ha viaggiato all’interno della sua immaginazione, ed ha provato a raccontarci un’altra storia.

SPACE SETTLEMENTS

Space Settlements

Fred Scharmen

Columbia Books on Architecture and the City 2019

Nel 1975, in un momento in cui le proposte degli architetti più radicali  prefiguravano un futuro fatto di megastrutture abitate,  veri e propri  edifici città. Stewart Brand l’editore del Whole earth Catalog e un gruppo di scienziati della Nasa supportavano un progetto pensato dal fisico Gerard O’Neill, che aveva messo assieme un gruppo di progettazione formato da ingegneri architetti e illustratori per realizzare uno studio su una struttura,  abitata da  milioni di persone, pronta a viaggiare nello spazio. Fred Scharmen nel suo Space Settlements documenta questo progetto, racconta l’idea di creare delle colonie umane nello spazio e riporta l’attenzione su una sperimentazione oggi di grande attualità.

L’autore confronta la visionarietà  delle immagini create dagli artisti Rick Guidice and Don Davis,  con le proposte di  Jeff Bezos il miliardario americano fondatore della Blue Origin, una compagnia specializzata in viaggi nello spazio con il proposito di rendere possibile la colonizzazione dello spazio.  Le immagini delle colonie umane nello spazio proposte da O’Neill mostrano un paesaggio bucolico, ancora molto legato ad un ambiente terrestre se non fosse per le curvature degli spazi che le ospitano, superfici sferiche e toridali infatti permettono la rotazione capace  di riprodurre la gravità artificiale sui bordi delle strutture stesse.

Le immagini delle colonie proposte oggi sono sicuramente  meno poetiche ma apparentemente più efficienti e realizzabili. Cosa significa colonizzare lo spazio e abitare nuovi pianeti, ma sopratutto quali sono le ricadute di queste sperimentazioni sull’abitare la terra?  Scharmen prova a raccontarci attraverso l’analisi di questi progetti, alcuni dei significati dell’architettura spaziale, lo fa considerando le visioni di O’Neill come un passaggio necessario per definire la nuova frontiera, che nonostante le dichiarazioni di Elon Musk è legata allo sfruttamento delle risorse minerarie extraterrestri e non solo.

Questo libro ci dimostra come oggi le visioni siano limitate rispetto al passato, ma ci consente di sognare liberando la nostra immaginazione, per tornare a pensare all’architettura nello spazio.

CITY KILLERS

City Killers per una critica del turismo

A cura di Lucia Tozzi

Libria 2020

 Il turismo sta uccidendo le nostre città, lo fa lentamente ogni giorno attarverso le pratiche della condivisione di alloggi, che hanno poco a che fare con l’idea di comunità dell’era digitale. Lo fa attraverso i voli low cost che hanno cambiato le modalità di fruizione dei nostri centri storici, accerchiati da vere e proprie nuove mura rappresentate dai pulman in sosta attorno alle aree di maggiore interesse. Tutto questo e molto altro è raccontato nel volume curato da Lucia Tozzi e nella mostra a Campo da Raumplan.

La mostra racconta gli effetti del turismo sulla città, con la partecipazione di åyr, Calibro, Louis De Belle, òbelo, Donato Ricci, Giacomo Traldi, Lucia Tozzi. Il contributo di Louis De Belle e Giacomo Traldi ha per oggetto il turismo su gomma. Motori, pneumatici, livree, autisti e passeggeri affaticati sono iprotagonisti di un racconto per immagini che mette in questione l’esperienza della città connessa al turismo di massa contemporaneo. Gli itinerari predefiniti dei bus turistici e dei «city-sightseeing» - i veicoli scoperti dell’omonimo franchising presente oggi in più di cento città nel mondo - rescindono dai legami sociali che si sviluppano nelle strade secondarie e scorrono lungo un paesaggio iconico e brandizzato, da indicizzare sui social («I was here») e immortalare nei selfie. Mentre la città reale tende a riprogettarsi e riconfigurarsi in funzione della sua rappresentazione turistica, gli smartphone dei passeggeri scattano fotografie di città ridotte a immagini da cartolina, proprio come quelle riprodotte sugli stessi pullman.  

Il lavoro di Calibro, Donato Ricci e òbelo mette in scena l’airspace: un’estetica standardizzata e ripetitiva che accomuna gli spazi in affitto sulla piattaforma airbnb a tutte le latitudini e mercifica una fittizia “intimità”. Per Campo le immagini degli annunci presenti a Milano pubblicati da host multiproprietari (227 profili che hanno almeno 5 annunci presenti su Airbnb) sono state analizzate attraverso un algoritmo di image-recognition e riorganizzate in un’installazione video che mostra gli oggetti più presenti negli appartamenti Airbnb. L’indagine, intitolata Cozy/flat, identifica gli elementi stilistici ricorrenti, l’estetica omologata della fotografia, la presenza ripetuta di oggetti simili, come in uno spontaneo franchising.

åyr espone il provvedimento di sospensione ricevuto nel maggio del 2015 per conto di una nota società americana operante nella sharing economy. Il provvedimento riguarda l’utilizzo della denominazione ‘airbnb pavilion’, titolo del primo progetto espositivo realizzato da åyr (airbnb pavilion, Venezia, 2014) nonché nominativo utilizzato dal gruppo prima della risoluzione del contenzioso. Oltre a presentare l’insieme di carte relative al provvedimento, nel plico si espongono gli screenshot, gli estratti di testo e le immagini raccolte dai legali della società a testimonianza del primo anno di attività di åyr. Questa peculiare rassegna monografica della prima opera del collettivo vuole mettere in luce i confini inviolabili dell’economia della condivisione.

Contestualmente viene presentata la pubblicazione City Killers. Per una critica del turismo a cura di Lucia Tozzi, con i contributi, oltre che della curatrice, di Pietro Bonomi, Calibro, Marco d’Eramo, Sarah Gainsforth, òbelo, Nicolò Ornaghi, Donato Ricci e Samuel Stein. Il libro affronta le conseguenze economiche e sociali dello sbilanciamento verso la monocoltura turistica delle città a livello globale, insieme al ruolo della rendita immobiliare e del proliferare di piattaforme come airbnb nell’espulsione delle classi popolari dalle città.
Lucia Tozzi indaga i modi in cui l’economia del turismo impone un regime di controllo sulla comunicazione, censurando le diseguaglianze e la percezione dei conflitti che ne scaturiscono. Samuel Stein mostra il portato ideologico del turismo, che subordina sistematicamente le necessità degli abitanti agli interessi del real estate, che condiziona in modo sempre più pervasivo le politiche urbane globali.

Pietro Bonomi e Nicolò Ornaghi analizzano il fenomeno della turistizzazione nel più ampio quadro delle trasformazioni economiche, politiche e sociali sorte in seguito alla crisi dei mutui subprime del 2008, mentre Sarah Gainsforth racconta l’aggressiva ascesa di airbnb e delle piattaforme nell’economia urbana. Il testo di Calibro, òbelo e Donato Ricci coglie un diverso aspetto della diffusione di airbnb nel mondo, l’omologazione estetica degli spazi domestici.

L’intervista a Marco d’Eramo, il primo che in Italia ha prodotto una riflessione colta sul turismo, rivela le trappole e i rischi in cui può incorrere la critica: le sfumature classiste, i vicoli ciechi dello sviluppo economico, le implicazioni reazionarie.