THE REPAIR

The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures
KADER ATTIA
The Green Box, Berlin 2014
 

Kader Attia  è uno degli artisti più interessanti della sua generazione, nel suo lavoro dal titolo The Repair, presenta i volti mutilati di soldati della Grande Guerra accanto ad antiche maschere africane, delineando due modi diversi di pensare e realizzare il processo di riparazione: come recupero dell’aspetto originale (secondo il modello occidentale) o l’occasione per creare qualcosa di nuovo. Attia si richiama a una concezione anti-moderna di riparazione, scegliendo di mostrare apertamente un processo, ciò permette di vedere  il montaggio di diversi elementi.

Il Montaggio per Attia agisce su campi e tempi diversi preleva dalla realtà oggetti che mette in relazione a manufatti in cui la riparazione non è nascosta ma mostrata. Questo modo di operare esalta il valore dell’esperienza più che del risultato, lavorando con il vuoto e con la tensione formale tra presenza e assenza, creando una riflessione sulla condizione esistenziale dell’uomo contemporaneo. La sua idea di montaggio segna il passaggio da uno stato all’altro. Nella storia della vita e dell’umanità tutto è riparazione perché tutto è il risultato di un’evoluzione …L’evoluzione sottesa alla riparazione è qualcosa di fondamentale da comprendere e la riparazione ne è passaggio necessario Il concetto di Riparazione è  oggi obsoleto nella contemporaneità non si recupera ma si getta, si elimina, si dimentica.

Le società primitive riparavano i loro oggetti, l’eredità del XX secolo è la perdita dell’atto della riparazione. In generale ieri come oggi si può riparare per due diversi fattori: l’economia e il valore affettivo. Ancora oggi si sceglie di riparare qualcosa che si è pagato molto o un oggetto a cui si è affezionati. Per Attia riparazione è un concetto più complesso. Come lo è la parola che lo descrive, densa di significati: appropriazione, ri-appropriazione, trasformazione, restaurazione.  «Gli esseri umani hanno concepito due modi di riparare: quello mimetico e quello della maschera con le cuciture visibili,  Rendere visibile la frattura significa, mostrare la storia, non aver paura di guardarsi indietro e di affrontarla, si oppone alla concezione contemporanea che tende a cancellare ciò che è stato.

UNA NUOVA OGGETTIVITA'

Questo catalogo della mostra sections of autonomy racconta il tentativo di una generazione di ripensare il rapporto tra architettura e luogo urbano, questi sei architetti cercano infatti di definire la città come spazio di vita collettivo. Ogni edificio definisce una precisa forma urbana in cui il limite tra publico e privato sembra svanire.
Se da una parte cercano l'autonomia dalla tradizione, dall'altra dimostrano come la tradizione sia assimilata in un processo di contestualizzazione del progetto.
La reciprocità tra edifici e spazio aperto è una caratteristica ricorrente di queste architetture che dimostrano come in soli sessant'anni un paese provato dalla guerra e dalla crisi economica, può essere ricostruito. Oggi è difficile immaginare che negli anni ‘50 del XX secolo la Corea era uno degli Stati più poveri al mondo.
L'Asia continua ad attrarre l'attenzione, ma sono sempre la Cina dei grandi progetti e il Giappone della sperimentazione sull'architettura domestica al centro dello sguardo dell'occidente.
La Corea non cerca di stupire con grandi progetti, e non trasforma la ricerca in un'esigenza dell'individuo ad esprimere i propri desideri, ma definisce i limiti di una nuova oggettività.
Mettere in mostra l'architettura Coreana è molto importantein un paese come l'Italia che ha bisogno di comprendere che l'architettura è una condizione necessaria non solo perla crescita economica di un paese ma anche per la sua crescita culturale.
La mostra è costruita per frammenti, modelli, libri, disegni e fotografie definiscono un'idea di architettura che non cerca nel linguaggio la sua forma espressiva, ma nella qualità dei luoghi urbani che quest'architettura produce.

L'ANATOMIA DEL LIBRO DI ARCHITETTURA

L'anatomia del libro di architettura
André Tavares
The anatomy of the Architectural Book
CCA - Lars Muller Publisher 2016

These strinking composition of text and image , their colors, texture, rhythm and structure, shaped the reading experience and, in doing so, comunicated certain ideas about architecture.

(Mirko Zardini director CCA)

Solo apparentemente questo è un libro su come si realizzano i libri di architettura.
Prima di tutto è un atto d'amore per la carta stampata, e per il modo in cui gli architetti hanno sempre costruito le loro storie, cercando sempre di trasformarle in un progetto. I libri di architettura sono un qualcosa che va oltre la scrittura di un testo, sono racconti multipli, perché mettono assieme narrazioni diverse fatte di testi ed immagini. Lo sa bene André Tavares, che mette a nudo, in modo colto ed essenziale la pratica della costruzione del libro. Nel farlo torna indietro nel tempo, e senza mai perdere il controllo della sua narrazione, costruisce un piccolo capolavoro di storia analizzando il passato ma guardando continuamente al presente. Perché come sostiene Benjamin ogni presente dovrebbe essere sincronico con determinati momenti della storia, così come ciascun singolo elemento del passato è supposto divenire leggibile soltanto in una determinata epoca, in cui l'umanità stropicciandosi gli occhi riconosce come taleproprio quest'immagine di sogno. È in quest'attimo che lo storico si assume il compito dell'interpretazione del sogno.  Tavares si fa dunque interprete del sogno degli architetti.

Per scrivere questo libro si è immerso negli archivi del CCA e non solo, ha dovuto sfogliare volumi originali ha imparato a guardare i libri oltre il loro contenuto più evidente, ha letto attraverso i sensi. Il progetto è affrontato seguendo due linee parallele, la storia dell'architettura (e il suo racconto) e il disegno grafico, che si fondono in un'altra storia, quella dei metodi della Comunicazione visiva.  Il volume è diviso in due parti, comincia con lo studio della mostra effettuata nel Crystal Palace del 1851, e procede con la costruzione da parte diSigfried Giedion del suo libro del 1929 Befreites wohnen.
Prosegue con unaseconda parte che invece entra nello specifico della costruzione fisica e sensoriale, attraverso quelli che possono essere considerati comei cinque parametri essenziali dell'architettura, tessitura, superficie, ritmo, struttura, e scala, da tradurre e rappresentare per riuscire a comunicarli attraverso la stampa. Non solo i testi ci guidano all'interno di questa attenta analisi anatomica dell'oggetto libro, ma anche le immagini, che più della scrittura stessa ci fanno immergere nella costruzione della storia del fare.  Ce ne sono tante, che hanno origini e tempi diversi. Ecco che quindi in questo sovrapporsi di narrazioni esistono secondo l'autore tre metodi per organizzare le informazioni che danno forma ad un progetto editoriale: il procedere lento,  passo dopo passo, mattone dopo mattone ed infine quello della vicinanza con il tema trattato.

Il primo esemplificato dall'organizzazione spaziale dell'Acropoli di Atene di Auguste Choisy, dalla visualizzazione cronologica del farsi della torre Eiffel, accuratamente raccontata fotogramma dopo fotogramma, ed infine dall'uso del disegno di Claude Nicolas Ledoux che comunica l'architettura attraverso la sua dimensione. Ogni passaggio serve a sottolineare come “the inhabitant of a building, or the reader of a book, must form a complete experience for themselves by connecting sensory stimuli.”  Il lettore diventa seguendo l'esperienza sensoriale del libro, un produttore di significati, ed entra in sintonia con la costruzione del progetto da parte del suo autore.

Pur seguendo una linea precisa, cercandonell'anatomia dell'oggetto una simbiosi con il suo autore, Tavares non dimentica l'enorme atlante di significati prodotti dai tantissimi altri autori citati ed osservati, che spesso nel corso del testo si intrecciano tra di loro dando corpo a quello che può e deve essere considerato un testo fondamentale, per chi vuole prima di tutto capire che l'architettura non sempre è nascosta negli spazi reali degli edifici, ma forse è molto più spesso nascosta tra le pagine dei libri che la raccontano, in quel susseguirsi di parole e immagini che sono capaci di costruire un immaginario. Quello dell'autore è restituito perfettamente da quella, che a questo punto sembra essere la cosa più importante per un libro di architettura, la sua materialità, che si compone di una cifra grafica riconoscibile, specchio dell'anima del suo autore che sembra divisa tra l'idea di costruire una linea.
Una linea che al segue le infinite tracce disseminate in questa costruzione non lineare di pensieri ed immagini.

A questo punto forse il vero significato del libro, è aver scritto una sorta di autobiografia ragionata, perché Tavares viene da una famiglia di costruttori di libri e alla fine anche lui, in un tempo difficile per l'editoria, sfida quotidianamente le difficoltà delle costruzione di questi oggetti. E' chiaro che fare libri equivale dunque a fare progetti, che forse diventano reali solo dopo essere statiraccontati sulla carta.

THE FORM OF FORM

André Tavares
Diogo Seixas Lopes
The Form of Form
Lars Muller Publisher 2016

What is architectural form? What does architectural form mean? And why is it so significant today?

Queste erano le questioni principali della Triennale di Lisbona. La forma, come base di dialogo tra gli architetti, per discutere sull’ architettura. Il dialogo è la forma narrativa scelta per il catalogo. Ospiti e curatori si affrontano sull'unica base comune possibile, l'idea che l'architettura nasce principalmente dalla forma dello spazio e da tutte le sue declinazioni.
Esaurita la premessa il catalogo assume un significato nuovo se considerato come un vero e proprio libro sul tema, che non necessità di una mostra per trovare completezza.
Curatori ed ospiti aprono il loro dialogo che scorre, su posizioni diverse, dove tempi e teorie si confrontano, sempre sul progetto, guardato da angoli diversi, accumulando discorsi, tempi e luoghi diversi. Dal dialogo emerge che l'estetica, così come la tecnica sono importanti, ma ancora più importanti sono le problematichesociali e politiche che le forme producono.  André Tavares rivendica l'esigenza degli architetti di comunicare tra di loro di confrontarsi, per questo ha scelto come curatori di una delle sezioni della mostra, la più onirica,  gli Autori di Socks, sharing your own visual archive generated many kinds of conversations. Il libro segue le tracce della memoria così come le trasformazioni sociali, ma quel che resta alla fine è una forma costruita, che assume significato nel momento esatto che entra in collisione con la memoria dei luoghi. Solo così la forma riuscirà discostarsi dal linguaggio che troppo spesso costruisce letture errate. Agli architetti sopravvivono gli altri che non lo sono, abituati da sempre a vivere tra le forme del passato che forse rappresentano il punto di partenza per quelle del futuro.

Sono tre le parti riconoscibili del libro che rispecchiano i contributi degli autori, Socks ragiona sull'archiviocostruito negli anni dai suoi autori, Fosco Lucarelli e Maria Bruna Fabrizi, una struttura che «esplora la nozione di autorialità in relazione all’universo delle immagini originato dalle forme architettoniche». Un vero e proprio Atlante di segni che delineano una geografia emozionale provocata da progetti e ricerche pensate e realizzate in tempi diversi, che una volta accostate tra di loro creano significati inaspettati.

Our archive allows architecture to speack its own language. There are all the things behind an image: social, political, aesthetic issues.....but in the end, there is the image itself, so it's the form which...a sort of invisible structure.La forma per Socks è una continua variazione interdisciplinare di tracce da seguire.

The World in Our Eyes  di FIG Projects presenta un altro atlante ragionato di forme urbane e territoriali divergenti, un catalogo che disegna una città immaginaria ma reale, uso e ri-uso dei luoghi, quello che per Socks è una cosa mentale, qui appare come struttura degli spazi che percorriamo quotidianamente nelle nostre città, non solo realmente ma anche attraverso un immaginario collettivo prodotto dalle visioni di artisti ed architetti.

Ed infine lacostruzione Obra, la sezione curata da André Tavares che presenta il lato anonimo, professionale e collettivo dell’architettura come produzione: annotazioni, disegni, materiali si fondono assieme attorno all'idea che la vera forma è, e sarà sempre, una costruzione della nostra immaginazione, che poi viene riprodotta costruendo la forma concreta delmondo.
Un libro bello e denso che sarebbe riduttivo definire come un semplice catalogo di una mostra.

UN MANUALE DI REALISMO UTOPICO

Il libretto rosa di ma0
teoria e pratica del realismo utopico
Alberto Iacovoni - Domenica Fiorini
Libria 2016

Un diario di bordo, un discorso sul metodo di lavoro dalla concezione alla rappresentazione del progetto. Un libro ibrido tra monografia e saggiocapace di raccontare una poetica. Alberto Iacovoni cerca di descrivere molti anni di ricerca attraverso scritture diverse, lo fa descrivendo non il progetto ma ciò che lo genera prima, il pensiero, e dopo il procedere lento della sua formalizzazione. In questo passaggio i disegni e le immagini di riferimento si trasformano lentamente in architettura.  Un descrizione minuziosa di come lavora lo studio un manuale vero e proprio di pratica professionale e non solo. In cui Alberto Iacovoni accompagnato da Domenica Fiorini che collabora con lui da molti anni riflette sulla condizione del progetto, sulla pratica del concorso, sull'esperienza di insegnamento. Il libro scorre veloce tra disegni e segni, e solo alla fine ci accorgiamo di come lo spazio dell'architettura è prima di tutto una condizione mentale, e per comprenderlo sideve prima di tutto saperlo raccontare.

In questo breve post  ho raccolto immagini, disegni ma specialmente il testo che introduce il libro.

Dall'Introduzione di Alberto Iacovoni

Walk on road,
Walk right side, safe.
Walk left side, safe.
Walk middle, sooner or later get squish, just like grape.
Master Miyagi, Karate Kid

Questo è un manuale.

Sin dall’inizio pensato in due parti, una primacon una serie di brevi pensieri che scandiscono le fasi del processo progettuale e una seconda con delle istruzioni concrete su come organizzare parallelamente il lavoro, nel suo farsi il libro è cambiato: scritto in un luogo distante dal turbinio della pratica, nello splendido isolamento accademico di una università americana nel Qatar, è diventato infine la somma di due parti forse più autonome del previsto, più personale, astratta e proiettata verso il futuro la prima, più concreta e plurale la seconda, la sedimentazione di quindici anni di pratica.

Le due parti condividono un modo di lavorare e di vedere il mondo che chiamiamo con un ossimoro apparente realismo utopico: una attitudine che non contempla certezze, ma rimette continuamente in discussione tutto, senza pregiudizi, e pretende di ricostruire dalle fondamenta ogni volta le ragioni del progetto, di mettere in discussione la validità di principi generali immergendoli nella complessità dei contesti specifici. Un modo di fare architettura che, come ripetiamo ossessivamente con le parole di Robert Smithson, non vede le cose come oggetti isolati, ma in un sistema di relazioni – ecosistemiche, sociali, spaziali – che producono le cose stesse ene sono profondamente e spesso imprevedibilmente modificate. Teoria e pratica del realismo utopico è la guida per chi deve ogni volta riprendere il cammino dall’inizio e riscoprire la verità dell’architettura senza pregiudizi, muovendosi incessantemente da un fronte all’altro, dalle vette dell’utopia alla banalità del quotidiano, collocandosi nel mezzo, nella tensione irriducibile tra questi opposti, anche se si rischia di essere schiacciati come un grappolo d’uva.

This is a handbook.

Designed from the beginning to include two sections, one a collection of brief meditations about the phases of the design process and the other including practical instructions about how to organize work at the same time, the book has changed during its development. Written in the magniicent academic isolation of an American university in Qatar, therefore far away from the whirlwind of daily practice, the book has inally become the sum of two sections perhaps more independent than it was anticipated – one more personal, abstract and projected towards the future, the other more practical and plural, the expression of ifteen years of practice.

The two sections relect the same way of working and looking at the world that we deine, with a seeming oxymoron, utopian realism – an attitude that, rather than relying certainties, constantly strives to question everything in order to justify the reasons of design every time from scratch as well as the validity of general principles by confronting them with the complexity of speciic contexts.

As we obsessively repeat by borrowing Robert Smithson’s words, this way of building architecture does not view things as isolated objects but rather as a system of – eco-systemic, social, spatial – relations that produce them and dialectically interact with and are deeply changed by them.

Theory and Practice of Utopian Realism is a guide you may use whenever you have to start your path from the beginning to rediscover the truth of architecture from an unbiased point of view by constantly exploring very different places, and moving from one stand to the other, from the peaks of utopia to the platitude of daily life, and inally standing in the middle, in the relentless tension between the two opposites even though you may end up crushed like a bunch of grapes.

L'ARCHITETTURA DELLA VILLA MODERNA

L'architettura della vila moderna
Antonello Boschi e Luca Lanini
Quodlibet studio 2016

Et in villa ego
di Valerio Paolo Mosco

Ricordo un passo di Robert Musil penetrante: “sognavo stanze con soffitti alti, all’antica, con grandi finestre su ampi giardini, con mobili raffinati, stanze non per me, ma per l’uomo che mi sarebbe piaciuto diventare”. L’architettura è quindi per Musil la necessità espressiva della nostra frustrazione, della nostra insoddisfazione, o meglio del nostro desiderio di essere migliori, per cui diversi da quel che noi di fatto siamo. Nelle ville tutto ciò appare evidente. In esse proiettiamo un’idea di noi e della nostra aspirazione domestica che il tempo non farà altro che archiviare lasciando a coloro i quali verranno dopo i ricordi, spesso seducenti, di un’epoca ormai evaporata. Del teatro domestico quindi rimarrà solo l’ipostasi, l’immagine che allude a qualcosa ma che non potrà mai più essere quel qualcosa. Quanto detto è ancor più valido nel Moderno. Prima del suo avvento infatti la prassi costruttiva, la consuetudine e il decoro, facevano sì che le ville si assomigliassero e nel loro assomigliarsi tenessero a bada la volontà individuale di espressione di proprietari e progettisti. Con l’avvento dell’individualismo moderno, con l’avvento della cultura romantica, quella trascrizione in ambienti delle aspirazioni, quel poter costruire non una “casa come me” come voleva Malaparte, ma una “casa come mi piacerebbe essere”, diventa sempre più esplicito e sempre più affascinante. Nelle pagine iniziali del Rosso e nero Stendhal si rende conto dei cambiamenti in atto, della confusione di una cultura, quella romantica, che impastata attrazione per il nuovo, paura dello stesso, insofferenza per le regole e desiderio di protezione da parte di quest’ultime, aspirazione a vivere al centro del mondo (il mito di Parigi, della ville lumiere) e l’altrettanto forte aspirazione a fuggire e rifugiarsi ai margini, dimentico e dimenticato da tutti possibilmente in una villa: in una magnifica villa.

Antonello Boschi e Luca Lanini, entrambe docenti all’Università di Pisa, hanno intrapreso uno studio sulle ville da quelle del Movimento moderno ad oggi, così hanno cooptato degli studiosi ai quali è stato chiesto di scrivere un saggio su una villa di affezione. Per la sempre attenta Quodlibet è uscito il primo volume di questa ricerca dedicato alle ville dei primi quarant’anni del secolo scorso, ovvero alle ville dell’epoca eroica del Movimento moderno, quella in cui il progetto sarebbe dovuto essere sia progetto di vita che progetto sociale. Un’epoca, quella dei “maestri”, in cui il farsi costruire una villa da un architetto engagé, voleva dire far parte di una élite, di un ristretto numero di persone disposte a forgiare la propria vita sui dettami di quella rivoluzione figurativa e tecnica che intendeva riscrivere radicalmente il senso dell’abitare. Come giustamente ci avvertono i curatori del volume più che di ville potremmo parlare di padiglioni espositivi, architetture modello paradigmatiche ed è proprio questa componente a distanziare le stesse da quelle che verranno costruite dopo la Seconda guerra mondiale a cui Boschi e Lanini dedicano il secondo volume in uscita. Queste ultime più che paradigmatiche possono considerarsi emblematiche, sempre meno attente ad elevarsi a modello e sempre più interessate invece a dar vita ad uno scenario irripetibile ad uso e consumo di chi lo abita. All’inizio con circospezione, poi dagli anni ’60 con sempre maggiore vigore, tende ad affermarsi un edonismo che le ville prima della guerra per pudore celavano; le ville post-beliche così iniziano a diventare emblemi di una vita agiata possibilmente, come dicono gli statunitensi no-sweat, senza sudore. Attraverso le ville si confrontano dunque due escatologie: quella delle ville prima del 1940 per cui l’eden in terra sarebbe stata la ricompensa del coraggio di voler vivere compiutamente lo Spirito del proprio tempo elevato a progetto e quelle posteriori, in cui l’eden tendeva a ridursi ad una messa in mostra a sé e agli altri di uno stile di vita invidiabile specialmente da chi aveva la sventura di abitare oltre cortina, nel bigio mondo dove le ville, eccezion fatta per la nomenklatura, erano vietate. Ricompare quindi quell’ideologia del buen retiro abilmente descritta da Ackerman nel suo notevole libro dedicato all’ideologia della villa; un libro che oltre al poter essere considerato uno dei più sorprendenti studi sul tema è allo stesso tempo uno dei più convincenti studi basati sul metodo critico di Manfredo Tafuri.

Il libro di Boschi e Lanini è diviso in due sezioni; nella prima i brevi saggi che tratteggiano le opere, nella seconda parte i curatori ridisegnano le opere in maniera tale da avere un’antologia con cui ci è consentito di confrontarle tra loro, recuperandone lo schema tipologico e con esso le articolazioni volumetriche. Sfogliando l’antologia, attraverso le ville, appaiono le due anime della prima modernità: due anime che hanno come riferimento i due archetipi urbanistici che sono alla base del Moderno: da un lato la città giardino e con essa il mito romantico e socialista della città che si dissolve nella natura congiungendosi ad essa spontaneamente, dall’altra la Großstadt, la città che si nutre di se stessa, che vive senza natura, enfatizzando e spettacolarizzando il suo funzionamento. Da un lato quindi la fuga dalla città, dall’altra l’annullamento alle sue leggi e ai suoi comportamenti. Le tante ville ridisegnate possono essere facilmente posizionabili all’interno del vasto spettro compreso dentro questi due poli. E sarà proprio la volontà di uscire da questo ampio spettro a caratterizzare le ville del Secondo dopoguerra che vivranno nella presunzione di appartenere sempre più a loro stesse. Un’ultima annotazione sulla grafica del libro elegantemente concepita attraverso quel riduzionismo grafico e quella chiarezza di impianto che sembra aver fatto piazza pulita delle rutilanti e accumulanti pagine piene di box e trovate grafiche di alcuni anni fa. E un fenomeno questo del riduzionismo grafico che in Italia ha visto nella rivista San Rocco la sua massima espressione e che nel complesso appare come un fenomeno di reazione nei confronti di quella dissipazione semantica che ha caratterizzato i dimenticabili anni ’90. Presentate alla luce del riduzionismo le ville acquistano una loro dignità espressiva che avevamo perso di vista, ma allo stesso tempo perdono il loro valore antropologico. La scelta di aver dato il massimo risalto allo schema architettonico getta in un cono d’ombra quei valori denotativi, letterari, simbolici e sociali che queste ville hanno avuto. Leggendo il bel libro di Boschi e di Lanini è consigliabile allora immaginare la vita che queste case paradigma di un futuro auspicabile, portatrici di una promessa di una vita migliore, hanno rappresentato non solo per i propri utenti, ma anche per tutti noi, ancora oggi. Se poi si vuole anche sognare su tutto ciò, sulla frizione inevitabile tra scena e personaggi, su l’aspirazione di fermare la storia e l’impossibilità di ciò, sull’eroismo dell’aver anche solo supposto una vita diversa dando vita ad un eden domestico moderno, consigliamo un libro, null’altro che un feuilleton, dedicato a Casa Tugendhat di Mies; La casa di vetro di Simon Mawer in cui viene romanzato tutto ciò che la tipologia non vede né mai potrà vedere. 

DIZIONARI di ARCHITETTURA

The metapolis dictionary of advanced architecture.  
City, technology, society in the information age
di M. Gausa, V. Guallart, W. Müller, F. Soriano, F. Porras, J. Morales.
Actar, pp. 688, 2004
di Gabriele Mastrigli

Chi si volesse mettere in cerca della biografia di un architetto, oppure della descrizione di un progetto o di un edificio, rimarrà deluso. Malgrado la sua apparente struttura enciclopedica,  non è un compendio di architetti e architetture contemporanei. La peculiare e tutto sommato familiare forma-dizionario è piuttosto uno stratagemma per ordinare e sistematizzare una quantità di definizioni e citazioni che hanno come sfondo la dimensione urbana, tecnologica e informatizzata della società contemporanea; e da qui descrivere un particolare approccio all'architettura come strumento di ricerca, piuttosto che come produzione di manufatti. "Abbiamo tanti progetti che valgono come un edificio dicono gli autori. Abbiamo così tante parole in mano che fanno un dizionario".

La prima parola è proprio quella che definisce un nuovo concetto di architettura. L'architettura avanzata vuole essere per la società digitale contemporanea quello che l'architettura moderna è stata per la società industriale: "un'architettura legata allo scambio e all'informazione, ai processi di trasformazione e alle definizioni spaziali ad essi associati". Le immagini, che rappresentano edifici e progetti più o meno noti, sono dunque esclusivamente di supporto ad una selezione di termini che registrano alcune condizioni dello spazio contemporaneo ('artificial', 'hybrid', 'nomad', 'precarious', 'sustainability', 'temporary', 'void'), identificano i nuovi processi di produzione dell'architettura ('client', 'collaging', 'devices', 'diagrams', 'fold', 'interactivity', 'layers', 'manipulate', 'recycling'), oppure riportano ai codici comunicativi e alle parole-chiave del Moderno ('abstract', 'architecture', 'form', 'history', 'housing', 'section') con i quali molte parti dell'opera malcelatamente si confrontano.

Non meraviglia infatti che dietro questo manifesto architettonico complesso, articolato e "orizzontale", ma -come ogni manifesto che si rispetti- dal clima battagliero e operativo, vi siano in gran parte architetti progettisti; e che l'opera suoni tutta come un "appello agli architetti", come nelle due pagine a fondo rosso dedicate alla voce 'slogans', dove il caos viene definito "uno stato potenzialmente proficuo", l'architettura frutto esclusivo "dell'interazione tra naturale, artificiale e digitale", il progetto qualcosa non più da disegnare a tavolino ma "da negoziare", e gli architetti invitati infine "a non rimanere seduti" di fronte a tutto questo.

Mole seducente e apparentemente pretenziosa di definizioni più o meno prossime alle questioni tradizionali dell'architettura, il volume è in realtà l'ultimo prodotto di un progetto di più ampio respiro in atto da diversi anni, che coinvolge molti degli autori dei progetti, dei redattori dei testi, sino ai grafici e all'intera struttura editoriale. Linguaggi e temi di ricerca sono esplorati sin dall'inizio degli anni Novanta, quando il gruppo di giovani architetti catalani coagulati intorno alla sigla Actar (che in catalano vuol dire "azione") prende in mano la rivista «Quaderns», pubblicata dal locale ordine professionale, il Collegi d'Arquitectes de Catalunya, e la trasforma in uno dei luoghi di promozione dell'architettura spagnola e internazionale più sperimentale. Nel frattempo viene fondata la omonima casa editrice, che prima con la rivista, poi con cataloghi e monografie di architettura, arte, design e fotografia, diviene presto una delle etichette europee indipendenti di maggior interesse. Quando nel 2000 «Quaderns» cambia direzione, editore e formato, il gruppo che orbita intorno ad Actar rilancia la sua strategia organizzando a Barcellona un incontro di cinquanta gruppi di architetti spagnoli determinati a un approccio comune sul tema della Metapolis: una condizione -nella definizione del filosofo francese François Asher- che trascende ma comprende la metropoli così come la conosciamo, e che si configura in nuovi agglomerati urbani costituiti da spazi e relazioni molteplici, eterogenei e discontinui. Il documento-manifesto che viene prodotto è in realtà un elenco di definizioni il cui scopo è mettere a fuoco una strategia operativa per questa nuova condizione post-urbana. Il manifesto dell'architettura avanzata, arricchito successivamente da una serie di contributi internazionali, assume così la forma editoriale definitiva del Dizionario.

Punto di arrivo di una ricerca decennale, coltivata attraverso riviste, mostre, cataloghi e monografie, all'interno di una rete crescente di contatti anche extradisciplinari, il Dizionario appare come una sorta di forma-limite della comunicazione architettonica, che sceglie di sacrificare la descrizione del manufatto in nome di un obiettivo più ambizioso. In esso l'architettura tende a smaterializzarsi in codici sempre più sintetici e diagrammatici, trasformandosi in una sorta di palinsesto disponibile ad accogliere potenzialmente infinite soluzioni progettuali. Più che rincorrere la forma dell'immagine -le illustrazioni del volume sono moltissime ma di dimensioni assai ridotte e con prevalenza di schemi e diagrammi sulle figure degli edifici- l'opera cerca dunque di individuare una possibile nuova forma del discorso. Una forma aperta, collettiva forse troppo articolata ma sufficientemente precisa da favorire quel clima di condivisione su cui impostare tanto la lettura del contesto in cui si opera che l'azione progettuale. Come per l'architetto moderno la costruzione di un linguaggio apposito è quintessenziale alla definizione del senso stesso dell'architettura -basti pensare alla retorica delle avanguardie, al lessico didattico di un Gropius, oppure a Le Corbusier che aveva addirittura fatto riportare sulla sua carta di identità la professione di "scrittore"-, anche per l'architetto "avanzato" le parole sono lo strumento privilegiato per formalizzare strategie architettoniche comuni. Ma qui la specificità di ogni singolo contributo si scioglie nella costruzione della griglia delle relazioni tra soggetti ed eventi; nelle connessioni tra un concetto e l'altro; nella infinita rete di rimandi tra progetti, diagrammi, definizioni e immagini di edifici realizzati, le cui maglie costituiscono il vero luogo dell'architettura avanzata, e allo stesso tempo la struttura editoriale del libro.

Infine è d'obbligo un accenno all'involucro del volume: una copertina di plastica rossa, spessa, lucida e un po' morbida al tatto, sulla quale l'occhio e la mano non possono fare a meno di tuffarsi. Ancora una volta per Actar il libro è la realizzazione di un progetto, nel quale non solo si definiscono dei contenuti e come esprimerli, ma anche come rappresentarli materialmente. "La plastica -scriveva Roland Barthes nelle sue Mythologies- più che una sostanza è l'idea stessa della sua infinita trasformazione; più che un oggetto essa è traccia di un movimento". Nel Dizionario, matrice elementare di termini aperta ad infiniti incroci e configurazioni, la plastica, materia artificiale che "domina l'invenzione stessa delle forme", è la metafora perfetta di quel movimento progressivo dell'architettura che "avanza" dai suoi inevitabili presupposti moderni, attraverso i territori in continua mutazione della condizione contemporanea.

UN DIZIONARIO DI TEORIA

Recycled Theory
Dizionario illustrato / Illustrated Dictionary
A cura di Sara Marini e Giovanni Corbellini.
Quodlibet Studio 2016

"Abbiamo tanti progetti che valgono come un edificio dicono gli autori. Abbiamo così tante parole in mano che fanno un dizionario" (autori del dizionario Metapolis)

Un libro interessante e utile quello curato da Sara Marini e Giovanni Corbellini, 600 pagine di parole che danno forma e costruiscono una grammatica per un pensiero teorico. Le definizioni toccano sfere diverse ed esplorano il concetto di riciclo, da punti di vista differenti.
Termini che raccontano i diversi processi di produzione e di senso della città e del paesaggio dopo i rivolgimenti socio-economici degli utlimi anni e l'ampliarsi della nozione di conserazione come scenario prevalente per il progetto.
Undici università si confrontano attraverso la scrittura e il disegno.  Forse è proprio la parte delle illustrazioni che non trova continuità (se non nel testo per immagini di Beniamino Servino), con la scrittura densa che caratterizza il volume.
Come era già successo per il dizionario MetapolisThe metapolis dictionary of advanced architecture. City, technology, society in the information age (di M. Gausa, V. Guallart, W. Müller, F. Soriano, F. Porras, J. Morales, Actar) la forma narrativa del dizionario è  uno stratagemma per ordinare e sistematizzare una quantità di definizioni e citazioni che hanno come sfondo l'architettura contemporanea.

Ecco una delle voci più interessanti

UTOPIA
Gabriele Mastrigli
Utopia permanente

Descrivendo la natura dello spazio contemporaneo Rem Koolhaas lo definisce Junkspace, «spazio spazzatura», cioè il residuo che l'umanità lascia sul pianeta e che costituisce il reale prodotto costruito della modernizzazione (Koolhaas 2000). A ben vedere, Junkspace è la definizione teorica più ampia e insieme più precisa di riciclo: lo spazio contemporaneo è uno spazio sistematicamente residuale; è il mondo tutto integralmente artificiale che si trasforma continuamente apparendo come un luogo di perenne passaggio, di movimento fine a se stesso. In questa condizione i meccanismi di produzione e consumo non hanno alcuno scopo che alimentare un processo, generare una performance continua. Come già Guy Debord aveva messo in luce, proprio a partire da Marx, nella fase ultima della modernità l'economia è sostanzialmente "spettacolo" (Debord 1967). Lo scopo ultimo della macchina del progresso è il movimento stesso dei suoi ingranaggi.
Tuttavia, pur caratterizzato dal passaggio, dal movimento, dal lasciarsi sistematicamente dietro qualcosa, lo spazio contemporaneo ambisce a essere uno spazio totale, in grado di erogare tutti i servizi di cui si evoca il bisogno; ma si tratta, appunto, di un'ambizione, cioè la promessa di esaudire, prima o poi, tutti quei desideri che il sistema stesso progressivamente induce. In altre parole lo spazio contemporaneo è lo spazio di un'utopia che si presenta nelle sembianze di una meta insieme già raggiunta e irraggiungibile. Tutti i bisogni sono paradossalmente già soddisfatti e tuttavia ancora da soddisfare: è lo spazio di un'utopia permanente.
In questa condizione, l'architettura non si configura soltanto come uno dei possibili beni di consumo. All'opposto essa assorbe ogni oggetto sciogliendolo in una fitta rete di relazioni – simboliche, spaziali, sociali, ecc. – che ne annullano progressivamente il valore d'uso sublimandolo in valore di scambio. Costituendo sempre più l'essenza delle cose stesse, il valore di scambio ne trasfigura progressivamente la natura. Le cose valgono non per ciò che sono, ma per quello che possono essere. La stessa esistenza dell'umanità, mutuando dall'architettura la sua parola chiave, si configura come un progetto. Non a caso il percorso dell'architettura moderna appare fin dall'inizio come una corsa verso soluzioni innovative e aggiornate ai tempi, attraverso una continua tensione verso esempi-limite, destinati a incarnare configurazioni spaziali e funzionali definitive per poi essere sostituiti da nuovi e più evoluti modelli. Il Crystal Palace di Joseph Paxton, installato ad Hyde Park in occasione dell'Esposizione universale di Londra del 1851, è senz'altro l'antesignano e insieme l'emblema di questo genere di edifici: spazio generico, totale, definitivo nelle sue soluzioni funzionali e tecnologiche, altamente simbolico eppure smontato e dismesso alla conclusione della sua performance.
Se da un lato il Crystal Palace nella sua astrazione esemplifica la celebre definizione di architettura di William Morris, per cui essa è un generico "insieme delle modifiche e delle alterazioni introdotte sulla superficie terrestre, in vista delle necessità umane", dall'altro esso prefigura un'idea di costruzione, uso e significato dell'architettura in termini ciclici, dove produzione e consumo sono due aspetti necessari e indissociabili del medesimo processo. Una ciclicità, si badi bene, che è utopia, cioè promessa di salvezza, proprio perché dell'architettura incorpora la dimensione simbolica e collettiva, ovvero il suo essere monumento – uno degli aspetti chiave del Crystal Palace, come di tutta l'architettura moderna fino ai giorni nostri. Se efficienza e funzionalità sono i presupposti perché l'architettura appartenga al sistema-mercato, è il suo carattere monumentale – che è insieme ricordo e trasfigurazione (e quindi oblio) della memoria – la vera misura del valore di scambio dell'oggetto architettonico e dunque il vero motore del suo riciclo.

Permanent Utopia
While describing contemporary space, Rem Koolhaas defines it "junkspace", which is the residue that mankind leaves on the planet and that constitutes the real product of modernization (Koolhaas 2000). To better specify, junkspace is the widest and most precise definition of recycle: contemporary space is a systematically residual space; it is the world, completely artificial, that continuously changes appearing as a never-ending crossing point, a spaceof movement for its own sake. In this condition, the mechanisms of production and consumption have no other goal than feeding the process, generating a continuous performance. As already highlighted by Guy Debord, starting from Marx, in the last phase of modernity economy is basically "spectacle" (Debord 1967). The ultimate scope of the machine of progress is the movement of its wheels.
Nonetheless, even if contemporary space is characterized by passage, by movement, by leaving behind something, at the same time it yearns for being a total space, able to distribuite all services that we might need. However this is precisely an ambition, that is a promise to eventually meet all those desires that the system progressively produces. In other words, contemporary space is the space of utopia that appears under the guise of a goal at once attained and unattainable. Paradoxically all needs are already met yet still to be met: it is the space of a permanent utopia.
In such a condition, architecture is not merely one of the many possible consumer goods. On the contrary, it absorbs every object and dissolves it in a extensive network of relationship – symbolic, spatial, social, etc. – that progressively cancel use value to transform it into exchange value. Things are worth not for what they are, but for what they can be. The existence of mankind itself, borrowing the keyword of architecture, becomes a project . Not by chance, the itinerary of modern architecture appears since the beginning as a race towards innovative and up-to-date solutions, in a continuous tension towards models almost over the edge, destined to embody definitive spatial and functional configurations, which are in the end are replaced with new and more evolved models. The Crystal Palace by Joseph Paxton, installed at Hyde Park in the occasion of the Universal Exposition of London, in 1851, is the forerunner and the emblem of this kinf of buildings: a generic and total space, definitive in its functional and technological solutions, highly symbolic, yet dismantled and abandoned at the end of its performance.
If on the one hand the Crystal Palace, in its abstaction, serves as an example of the well-known definition by William Morris, in which architecture is a generic "complex of modifications and alteration made on the earth's surface due to human necessities," on the other hand it prefigures an idea of construction, use and meaning of architecture in cyclical terms, where production and consumption are two necessary and inseparable aspects of the same process. It is worth bearing in mind that a cyclic nature is utopia, promise of salvation, precisely because it embraces the symbolic and collective dimension of architecture. In other words architecture is a monument, not by chance one of the key-themes of the Crystal Palace, as well as of all modern architecture. If efficiency and functionality are the prerequisites for architecture to be part of the market system, monumentality – at once memory and transfiguration (thus oblivion) of memory – is the true measure of architecture's exchange value, therefore the real agent of recycling.

MY ATLAS

Ringrazio Krunoslav Ivanišinper aver commentato il mio libro su una nuova piattaforma digitale 

http://www.transfer-arch.com/

Transfer Global Architecture Platform is a new independent digital editorial project based on the production and transmission of original architectural knowledge with the aim of connecting contemporary ideas and practices and building a global architectural culture.

Transfer aims to be a global reference in the generation of leading architectural content, with the objective of becoming an international influence, both as a window for analysing and understanding the world, and as a microphone for participating in the global architectural discussion.

Transfer digitally publishes a series of monographs and weekly sections, aiming to explore new ways of showing and experiencing architecture with digital media.

Based in Zurich, Transfer is edited by a team with extensive experience in research and architectural edition, and relies on an outstanding network of global observers worldwide.

An Atlas of Imagination
Luca Galofaro
Damdi publisher 2015

It is not easy to write something about Luca Galofaro’s atlas of imagination because the author – also collector and curator in this case – has already explained almost everything about the collection himself. Followed by an open-ended sequence of public talks, discussions, presentations and exhibitions in the physical space and on the internet, the book describes the idea of montage as a form of production, presenting a collection (an atlas, an archive) of found and worked images and texts. Like in a beautiful movie, the images–montages fold and unfold before our eyes, unbounded by either the associated concepts and meanings inherited in the images–origins they were built from, or the otherwise ubiquitous gravitational force. Like in an interesting scientific paper, the accompanying texts–quotes verbalize the images within a certain intellectual tradition, providing the context to bind the sum of parts into the coherent whole. 

An Atlas of Imagination is not just another picturesque assemblage of pictures and words; is a higher- order montage in its own right.
Beyond the naivety of seemingly similar products of contemporary artistic practices and despite the partial cancellation of the gravitational force, I like to think about Luca Galofaro’s pictorial montages as genuinely architectural tools. This means that they may be instrumental in the conscious production of architecture and knowledge on architecture. The fact that author named them “montages” instead of “collages” emphasises the qualities of time, space, and possibly even movement included within the fixed forms similar to movie stills printed on paper. As independent end-documents in the form of gallery exhibits with layers printed on the overlaid sheets of glass, the montages turn out to be real three-dimensional objects. But from an architectural perspective, they are even more interesting as by-products documenting ideas around concrete architectural projects or the working models documenting certain critical moments in their production. They are nothing like “I have forgotten the plot, but I am certain that I watched this movie,” or “I was in a place like this, I have only forgotten when and where.” Paraphrasing Gerhard Richter, whom Luca Galofaro quotes twice in his atlas, his montages may indeed become real places and architectures.
“We are still not there. We are only on the way.” The most delightful thing about each of the montages is this purely architectural quality of incompleteness which includes the promise of the spatial implementation of an architectural project. The most delightful thing about the book as a whole is that the original images and the original quotes retain their original properties. We easily recognise the heavy Pantheon section as the section of Pantheon only multiplied into a weightless space station. We read Sol Lewitt’s emphasis on things illustrating mental process as more interesting than the final result as proper to his own work and at the same time descriptive of Luca Galofaro’s montages.
An Atlas of Imagination is a mixture with clearly distinguished parts and joints, not a compound with differences that are blurred and obfuscated. The parts are not sacrificed for the sake of the whole, but they interfere in accordance with a certain tectonic order. Moreover, the resulting montages recall some real architectural collages, surprisingly uncovering the origins of things and the hidden relationships between them. ( Krunoslav Ivanišin)

UNA NUOVA DIMENSIONE URBANA

Spazi d’artificio
Dialoghi sulla città temporanea
A cura di Luca Reale, Federica Fava e Juan López Cano
DIAP PRINT
Quodlibet 2015

Questo libro cerca di definire attraverso l’analisi delle varie visioni teoriche un percorso che presenti il leisure time come un concetto complesso e problematico, (analizzandolo appunto attraverso testi opposti), mentre i progetti architettonici utopici o realizzati, concreti o del tutto aleatori- interpretano in modi diversi tale complessità. Il leisure time è presentato non secondo il significato che nel corso della storia viene attribuito al termine, ma secondo una lettura che gli attribuisce un valore spaziale capace di rivitalizzare lo sviluppo urbano delle nostre città. Per questo motivo i progetti presentati appartengono ad una dimensione teorica e sperimentale o sono frutto di letture interpretative di fenomeni sociali in atto nel periodo stesso in cui vengono formulate. L’unica certezza è che nello stesso momento in cui il sistema capitalistico fondato sulla certezza del lavoro comincia il suo lento declino è necessario immaginare delle alternative per le nostre città. Il progetto architettonico può interpretare le possibilità e le problematiche offerte dalla disponibilità di leisure time e prefigurare una nuova dimensione urbana.

Il leisure secondo questa interpretazione definisce un campo d’azione attraverso il quale creare un alternativa allo sviluppo sociale, creativo ed economico delle nostre città. E l’architettura definendo questo campo determina un modello di crescita.

Il concetto di leisure time nasce come contraltare al tempo del lavoro, è considerato nel linguaggio comune come un tempo di risulta, un avanzo da riempire o semplicemente un intervallo utile a concedersi una pausa dalla routine quotidiana per ricaricarsi. Il Leisure è un tempo impiegato attraverso l'autodeterminazione, che escluderebbe, per definizione, le attività legate al lavoro o all'autosostentamento (nutrimento, riposo, educazione). In realtà la definizione risulta problematica, dal momento che il confine tra leisure e attività inevitabili resta sfumato. (Spesso si lavora anche per leisure). Inoltre la distinzione tra leisure e tempo libero è oggetto di interpretazione, se si considera ad esempio, la tesi situazionista per cui il tempo libero è illusorio e privato all'uomo dalle forze economiche e sociali, che glielo rivendono come leisure, o tempo mercificato.

Leisure will never be life's primary activity, because labour remains the source of all value. However, leisure is the means through which cultural, political, ethical and spiritual existence can be enhanced and refined for the betterment of life in general. We believe that the study of leisure should be guided by this ambition. It is the best reason one can give for doing Leisure Studies in the complex, challenging, difficult, but always exciting, ‘local–global balance' of the world in which we live today. What we mean by leisure today is essentially and negatively “un-business.” “Free time” connotes only time free from the world of affairs; like a day “off” in the working week, the meaning depends on, and the value is restricted by, the temporal frame of reference. We have “time on our hands” and “time to kill”, but we have no locution to indicate time free for its own sake, time not as escape, but as fulfillment .

[1]
La disponibilità di tempo libero è rispetto al passato, in seguito alla diffusione delle nuove tecnologie e della crisi economica, questo tempo è consumato troppo velocemente secondo riti urbani che si ripetono trascurando i valori dell’esperienza, della memoria e della tradizione. I riti urbani ( consumo, turismo, sport)  che si sono sviluppati sulle esigenze capitalistiche, hanno funzionato fino al momento in cui il sistema non è entrato in crisi, oggi tutto sta cambiando. Il tempo libero non è più una necessità ma sta diventando un problema, una possibilità, una risorsa.  I riti urbani possono essere riconvertiti in nuovi programmi funzionali che rispettino i luoghi e le comunità insediate. Nelle città si sono create delle contingenze secondo le quali l’industria del tempo libero consuma i luoghi (il turismo veloce ne è un’esemplificazione)  senza che avvenga alcun tipo di crescita spaziale controllato sul piano qualitativo, e senza che sui luoghi intervengano tutte le energie culturali della società. Il leisure può invertire la tendenza al consumo.

[2 ]
Rojek, Chris, Susan M. Shaw, and A.J. Veal (Eds.) (2006) A Handbook of Leisure Studies. Houndmills, UK: Huzinga, Johannes. Homo Ludens, Peter Borsay, A History of Leisure: The British Experience since 1500, Palgrave Macmillan, 2006

LA RICERCA E LA TEORIA

Il progetto dell'Autonomia
Politica e architettura dentro e contro il capitalismo
Pier Vittorio Aureli
Quodlibet 2016

Finalmente a quasi dieci anni di distanza tradotto in Italiano e pubblicato in una versione aggiornata ed ampliata, un libro scritto tra il 2006 e il 2007 che nasce da una serie di lezioni ed un seminario che il suo autore ha tenuto presso la Columbia University di New York.
E' un libro importante perché al di là dei contenuti, è stato scritto da un progettista prima che da un critico, che guarda in modo diverso ad un periodo storico molto preciso, cercando attraverso l'interpretazione, di tornare a parlare di architettura come risultato di un pensiero politico.
Posso definire questo libro con la frase politicamente consapevole, perché attraverso una serie di sguardi sul progetto e sulla storia, ma anche attraverso il porsi domande continue l'autore individua un percorso molto particolare che ci guida tra progetti molto diversi tra loro, ma con una matrice politica comune.
Un costante interrogarsi il suo, fare domande come si compie un rituale, fare domande come forma di esplorazione e non come ricerca di certezze.
Se le cercate infatti non ci sono risposte in questo libro, ma solo un modo di guardarsi indietro per leggere il presente e immaginare il futuro.
Si badi bene chi scrive non coltiva alcune illusioni, neppure minima, di risuscitare alcunché di quel periodo. È bene ribadirlo con forza, le esperienze che ho descritto in queste pagine appartengono come si suol dire al loro tempo, al loro contesto storico e politico che oggi è, come ovvio, totalmente diverso. 
Il libro prima di tutto è un tentativo di comprendere se sia mai esistito un progetto dell'autonomia in architettura e per farlo, Aureli mette in relazione tra loro tre personaggi che apparentemente rappresentano altrettante posizioni culturali, ma che in uno stesso periodo storico reagiscono ai cambiamenti politici ed economici attraverso un'idea di architettura molto precisa. 
Manfredo Tafuri, Aldo Rossi, Archizoom una volta sottratti alle facili interpretazioni figurative ci svelano dei lati inaspettati.
Ora dei tre capitoli quello su Tafuri, forse perché non sono riuscito mai a comprendere il suo pensiero, è il più ermetico. Ogni suo discorso critico, mette in profonda crisi quello che precede, non offre soluzioni, sembra quasi che esista nel suo pensiero una sorta di delusione continua che toglie alla ricerca ogni proiezione progettuale. Una crisi dell'oggetto che impediva alla città di crescere ed essere soggetto di uno sviluppo coerente in chiave politica. Diverso il discorso su Rossi e Archizoom, i cui progetti presi in esame nascondono se letti insieme ad Aureli nuove possibilità interpretative.
La lezione che oggi possiamo trarre dal lavoro di Tafuri, Rossi e Archizoom va al di là dei facili ripescaggi e indica che nella teoria via qualcosa di irriducibile alla pratica dell'architettura come professione. Senza nulla togliere a quest'ultima, se questo libro avrà una qualche utilità sarà forse quella di ricordare che lavoro teorico non serve la pratica e che quest'ultima ha una sua validità in sé. Eppure è proprio nel lavoro teorico che l'architettura come forma di conoscenza, come modo di comprendere le cose, Si riappropria del proprio spazio, che quello di pensare, di criticare e, se possibile, di cambiare lo spazio in cui viviamo e lottiamo.

Aureli si mantiene distante dalla pratica, assai diffusa negli ultimi anni, di “creare” nuovi concetti per cercare di spiegare una realtà contemporanea spesso vista come inesorabilmente “mutante” rispetto al passato, e dunque del tutto inconciliabile con questo; ma al tempo stesso lo fa senza cedere alla tentazione – altrettanto diffusa e frequente – di rifugiarsi nella sterile negazione della realtà, o di farsi paladino di una critica programmaticamente “contro” o “anti-”.
Il suo pensiero critico, anche se molti sostengono il contrario, non è interessato all’aspetto “formale” dell’architettura in senso estetico-figurativo: ciò che vuole mettere in luce è la natura definita della forma. Il problema della forma è dunque quello stesso del limite. Come già cent’anni fa rilevava Georg Simmel: «Il segreto della forma sta nel fatto che essa è confine; essa è la cosa stessa, e nello stesso tempo, il cessare della cosa, il territorio circoscritto in cui l’Essere e il Non-più-essere sono una cosa sola».
È qui – più e meglio che altrove – che si lascia riconoscere il già ricordato coraggio di Aureli: nell’affermare, oggi, la separatezza (ovvero, ancora una volta, la differenza) come un valore politico, non anti-politico: l’unico – l’ultimo – modo, forse, per poter stare insieme davvero.
Aureli riesce a lavorare sul limite che separa due tipi di ricerca quella del progettista e quella dell'educatore. Costruisce un libro importante, un libro da leggere per capire che una critica operativa può e deve essere fatta a prescindere dal progetto. Un libro come questo infatti, non è una trascrizione di un' attitudine figurativa, ma un lavoro sulla storia e nella storia, che supporta il progetto in alcuni aspetti concettuali, utili a definire una campo d'azione in cui muoversi per ricostruire il nostro futuro.

UN ROMANZO COME PROGETTO

La palazzina di Villa Sciarra
Michele Costanzo
postmedia books 2016

Il genere del romanzo è poco utilizzato dagli architetti come forma narrativa. Pochi si sono cimentati con il genere.
Forse il caso più interessante nella storia è quello di Fernand Pouillon, poco incline alla teoria del progetto così come siamo abituati a leggerla, ma molto attivo nella progettazione e nella realizzazione di edifici (alcuni dei quali e veri e propri capolavori indiscussi dell'architettura).
La sua teoria era la costruzione di spazi, più che quella di oggetti, i suoi riferimenti principali riportavano a quei grandi organismi rappresentati dalle abbazie.
La sua teoria è perfettamente descritta nel suo unico romanzo Il canto delle pietre diario di un monaco costruttore che nel XII secolo in Provenza edificò l'abbazia di Le Thoronet, un capolavoro di architettura cistercense. La vita di un cantiere medievale utilizzata per descrivere la professione dell'architetto, con la meticolosa descrizione dei problemi tecnici, finanziari e dottrinali che ostacolano i lavori, ancora di attualità sconcertante.
Una cronaca che si completa con una riflessione sul rapporto fra il bello e il necessario, fra l'uomo e la natura.
In questa linea di ricerca, in un periodo diverso della storia e con altre premesse che si inquadra questo romanzo di Michele Costanzo. Un tentativo, riuscito tra l'altro di racconto autobiografico dove si immagina un'altra possibile alternativa a ciò che è stato. Un libro che sembra pensato non per gli architetti ma per un genere di lettore interessato all’architettura, all’arte e alle loro rispettive problematiche.

Una Roma contemporanea fa da cornice alla costruzione di un piccolo edificio, che prima di essere architettura è metafora di un rapporto familiare padre figlio, attorno al quale il protagonista concentra tutte le sue forze.C’è all'interno di questo testo, come sostiene lo stesso autore una certa nostalgia per una città che nel corso degli anni è andata perdendo la sua identità e i suoi valori.
La costruzione della narrazione è anche quella di un edificio immaginario,  enunciazione di una teoria debole sul valore di un museo e di una collezione privata. Arte e architettura, e passione familiare si fondono quindi in una narrazione fluida. Non è un caso che lo stesso autore abbia da poco completato un lungo saggio sui musei americani progettati da Philip Johnson, come luoghi ibridi tra residenza di collezionisti e spazi pubblici. Molte delle riflessioni critiche, e forse un'empatia con lo stesso architetto americano che progetta la propria residenza come un insieme di padiglioni immersi nella natura, trova nel romanzo un compimento progettuale. Quindi siamo di fronte ad un romanzo ma anche ad un vero e proprio progetto.
Alla fine degli anni cinquanta Andrè Malraux teorizza il museo contemporaneo come luogo dell'immaginario in cui periodi diversi si sovrappongono e confrontano tra di loro. In questo romanzo l'idea della collezione d'arte come spazio mentale capace di amplificare l'immaginario degli individui si riflette nella costruzione dello spazio fisico.
Pagina dopo pagina attraverso una scrittura lenta l'autore, racconta anche se stesso, i suoi desideri e riscrive la propria storia personale sovrapponendola agli affetti più cari, lo spazio della scrittura e l'edificio che lentamente prende forma attraverso le descrizioni dei dettagli costruttivi e dei materiali usati, è la metafora di desideri e fatti realmente vissuti.

L'opera non si occupa più di rappresentare la realtà, il suo obbiettivo ora è quello di essere la realtà. Realizzare un'opera non vuol dire più eseguire un bel quadro, ma creare un momento di transizione progettuale dove ciascuno possa togliere o aggiungere qualcosa, a patto che questo qualcosa non smentisca mai la sincerità della sua natura.

Il libro è anche un viaggio dentro una città che cambia non cambiando mai, Roma è lo sfondo ma anche in un certo senso la protagonista di questa idea di architettura che si adatta ai luoghi, che cerca il compromesso giusto, in un certo senso Roma è questo.
Sicuramente avevano ragione I Superstudio che dopo aver lavorato assieme tanti anni si separano dichiarando che l'architettura sarà la nostra vita, anche Costanzo lo dice piano ma lo dice, prima di tornare dentro il suo studio a scrivere assieme al protagonista di questo romanzo perlavorare ad un altro progetto.

LA TESTIMONIANZA DI UN DIALOGO INTERIORE

Negli ultimi due mesi ho un pò trascurato the booklist, da oggi ricomincerò con regolarità a tenervi aggiornati sulle ultime uscite, nuove liste, e nuove recensioni e presto una nuova veste grafica. Nell'attesa ricomincio da una lettura del Libretto rosa di ma0 di Valerio Paolo Mosco.

Il libretto rosa di ma0  
Teoria e pratica del realismo utopico
Alberto Iacovoni
Domenica Fiorini
La testimonianza di un dialogo interiore. 
Note sul libretto rosa di Ma0
di Valerio Paolo Mosco

Adorno nella prefazione dei Minima moralia avverte che il suo libro non vuole essere altro che "una testimonianza di un dialogo interiore". Interiore non vuol dire solipsitico. Adorno infatti si confronta con il suo tempo, con il suo ruolo nell'ambito sociale, ruolo che corrisponde per Adorno alla propria individualità. Scrive ciò al termine della Seconda guerra mondiale. Pochi anni prima Simone Weil, che muore prematuramente nel 1943, aveva scritto cose simili. La Weil si era spinta anche più in là di Adorno; per lei nella propria solitudine (e non esiste riflessione senza solitudine, senza essersi avventurati in interiore homine) si trova paradossalmente il senso degli altri, il vero sociale. Il libro di Alberto Iacovoni e Domenica Fiorini "Il libretto rosa di Ma0. Teoria e sulla pratica del realismo utopico" (Libria, 2016) è la testimonianza di un dialogo interiore che ha come oggetto il senso del proprio operare alla luce di una concezione sociale del fare architettura. Non solo. Iacovoni e Fiorini intendono nella seconda parte del libro incardinare la propria poetica definendo le regole operative della stessa. Essa ruota attorno ad alcuni punti discreti: ritenere che la costruzione di un edificio rappresenti un atto politico, che questo atto politico riguardi una comunità (attenzione: non una società, ma una comunità), che i limiti espressivi debbano riguardare proprio il rapporto con questa comunità e che rispetto ad essa è necessario porsi preventivamente in ascolto per capirne le esigenze, le attitudini, i comportamenti e ciò non per scimmiottarli con forme mimetiche, ma per fornire a questa comunità uno sfondo dove la quotidianità possa esprimersi in modo migliore rispetto alla situazione precedente la realizzazione del progetto. Gli autori, utilizzando una locuzione a dire il vero un po' lisa, definiscono ciò "realismo utopico" e alla base del realismo utopico si trova la concezione dell'architettura non come arte di configurare figure, bensì come arte per configurare sfondi: sugli sfondi infatti si misura la responsabilità sociale di un architetto. Sfondo non vuol dire l'azzeramento minimale del linguaggio, la sua monumentalizzazione per sottrazione che produce quella sacralità a buon mercato che finalmente oggi ci appare come un ennesimo travestimento del kitsch, ma utilizzo circospetto, critico e misurato di quella current architecture di cui tanti anni fa avevano iniziato a parlare Venturi e la Scott-Brown. È necessario quindi affrontare, se si intende considerare l'architettura come una pratica sociale, la questione della convenzionalità e con essa istaurare quella che potremmo definire una guerra di posizione: allontanarsi da essa allorquando la convenzionalità diventa vuoto cliché ed avvicinarsi ad essa quando è la manifestazione di un accordo sui modi con cui la comunità intende vivere i propri luoghi. La distanza tra le due interpretazioni è sostanziale, ma è sottile, persino sfuggente: è una sommatoria di nonnulla che insieme definiscono un tutto. Rimane il fatto che è il momento di affrontare la convenzionalità senza infingimenti, e ciò perché, scrivono adeguatamente gli autori, "l'azione più radicale è quella che permette di cogliere in ciò che già esiste il potenziale per una rivoluzione". Una frase questa illuminante, liberatrice rispetto ad anni di ipermodernismo (la locuzione è di Tafuri) incentrato sulla ostentazione dello strabiliante, angosciato dalla invenzione continua, che dietro le sue urlate forme ha rivelato il nichilismo di chi crede che l'arte altro non sia che la monumentalizzazione del mondo così come è. Un'ideologia questa che la grande crisi, quella scoppiata una decina di anni fa, appare aver spazzato via come la Grande guerra aveva spazzato via senza indugi lo Stile floreale. Configurare sfondi corrisponde necessariamente ad affidarsi alla semplicità e su questo Ma0 si allinea al nuovo stile che in questi anni ha sostituito al paradigma della complicazione ostentata del decostruttivismo, la semplicità, anche essa ostentata. 

Per gli autori quindi "ogni passo verso la semplicità - scelta delle geometrie e dei materiali, riduzione delle eccezioni - universalizza l'architettura, estendendo i suoi valori oltre lo straordinario, nello spazio condiviso del quotidiano, predisponendola a successive trasformazioni". In generale si respira nelle curate pagine del libro, nel susseguirsi dei delicati disegni che accompagnano i testi, la volontà di ricostruire, tra le macerie del nichilismo decostruttivista, il senso di un operare in relazione alla propria coscienza e ciò senza proclami o slogan, ma come testimonianza, come azione personale che nel suo farsi e nel suo esprimersi possa giungere agli altri in maniera discreta. E l'operare come testimonianza fa riferimento a quel cristianesimo che ancora nutre, spesso nascosto nel nostro inconscio, la nostra sensibilità. Proprio riferendosi alla Weil, ad una persona che aveva pagato con la vita il credere nella testimonianza, Albert Camus aveva ipotizzato un umanesimo solidale dal basso, un laicismo che dal cristianesimo prendesse quei valori antropologici capaci di unire, universalmente, donne e uomini di buona volontà. E proprio questo umanesimo discretamente utopico era stato avversato e sbeffeggiato dai filosofi engagé come Sartre che accusava Camus di dilettantismo, di essere un "filosofo della domenica". Non capiva Sartre che, al contrario di quanto intendevano Hegel e Marx, le idee cambiano il mondo, e le idee migliori, quelle che sanno bilanciare tra loro realtà ed utopia, senso della comunità e senso del singolo, non possono essere che testimonianze, alle volte persino confessioni. E le confessioni e le testimonianze non sono slogan, non producono manifesti, ma viaggiano nella cospirazione, in quel respirare insieme con le bocche vicine con cui i primi cristiani si riconoscevano. 

WATER AND ASPHALT

WATER AND ASPHALT
The Project of Isotropy
Living and working, water and asphalt: the 21st century's urban challenges
UFO 5
di Luca Montuori

Il libro raccoglie in maniera sistematica i diversi contributi per la ricerca “The project of Isotropy” condotto da Bernardo Secchi e Paola Viganò e presentato già nella Biennale di Venezia del 2006. Fino ad oggi l’intero lavoro, che ha per oggetto l’area metropolitana di Venezia, era stato presentato in vari articoli e pubblicazioni, ma ne mancava una sua edizione organica che permettesse una lettura dalle tesi alle conclusioni passando per un apparato di materiali fotografici, cartografici e progettuali veramente notevoli.
La sostenibilità è oggi un tema troppo spesso affrontato con ricette universali, applicazione sistematica di soluzioni standard scambiate per assiomi scientifici: raccolgo e riciclo acqua (ma quanta acqua si ricicla su una terrazza condominiale?), riempio gli edifici esistenti di pannelli isolanti (ma che impatto ha la loro produzione e il loro smaltimento?), copro intere pianure di pannelli solari, cambio infissi. In Sicilia, a Bolzano, a Brasilia, in Cina, ogni concorso, ogni progetto, ci propone lo stesso catalogo di soluzioni. Una rappresentazione etica del ruolo del progetto che dimentica la specificità dei territori, delle ragioni storiche, dei paesaggi, delle economie che li hanno generati. 

Al contrario il tema dell’Isotropia viene in questo caso utilizzato come elemento specifico di un territorio e quale strumento per il progetto in grado di coniugare i diversi aspetti che hanno dato forma al territorio stesso definendone l’immagine attuale. Due sono gli elementi che hanno contribuito in maniera decisiva alla creazione di questa immagine: acqua e asfalto. Da questi il progetto riparte: la natura del terreno da un lato, con i suoi aspetti più evidenti, la presenza dell’acqua e della laguna, ma anche con la natura intrinseca dei suoi suoli, la sua fragilità, elementi che hanno influenzato l’insediamento degli uomini fin dal progetto della centuriazione romana. Dall’altra parte l’asfalto, inteso come rete di infrastrutture artificiali che con il dato naturale hanno dovuto fare i conti modificandolo, utilizzandolo come parte di un sistema insediativo che sintetizza nella sua forma dati politici ed economici.
La ricerca parte da due ipotesi: la prima riguarda la crisi del rapporto tra questi due elementi che si traduce in una crisi del rapporto tra contesto e società da cui hanno origine una serie di paradossi con cui il progetto deve fare i conti. La seconda riguarda la necessità di una trasformazione radicale del metodo progettuale alla scala del territorio. Analizzare, mappare, rinominare, ma non solo come operazione conclusa in se stessa quanto piuttosto come base di partenza per ridisegnare, ridefinire i sistemi spaziali e comprendere l’impatto che avranno sul paesaggio.
Intorno a queste due ipotesi di partenza il volume procede mappando ridefinendo alcune categorie di analisi, individuando le criticità e i punti forti che un tale sviluppo territoriale ha determinato, definendo i possibili strumenti del progetto derivati da nuove chiavi di lettura. Il libro è corredato da mappe, schemi e plastici di progetto, tentativi di catalogazione fotografica, salti di scala, diagrammi e dettagli. Il libro propone un importante problema di scala del progetto come strumento per sintetizzare interventi locali e territoriali, un dato della contemporaneità che non permette di ignorare, neanche nei piccoli interventi puntuali, il territorio, la sua forma, il suo paesaggio come sistema in grado di tenere insieme il dato geologico e l’oggetto di design. Sembra solo un problema terminologico ma oggi si pone come un problema culturale che guarda il problema dal punto di vista della complessità contro la semplificazione e la schematizzazione del dato quantificabile e misurabile, anzi “certificabile”.

ABITARE I LIMITI

Planet B
Editor: Alain Bieber & Lukas Feireiss
Design: possible.is– Matthias Hübner
Verlag der BuchhandlungWalther König, Köln
The publication accompanying the exhibition

Planet B – 100 ideas for a new world is a collection of different ideas for a new world – a Planet B. The most visionary artists, designers, architects, writers and futurologists in the world present their political, poetic, odd and radical ideas for a new world.  
The international group exhibition “Planet B – 100 ideas for a new world” engages with the radical changes to our planet – and looks for a plan B, for the future we are all dreaming of. Some 500 years after the publication of Utopia, a novel by Thomas More, artists, designers, architects, researchers and entrepreneurs will be presenting their utopias for the 22nd century.
Food hacking, the smart city, alternative economies and sustainable consumption – with their projects, the artists will be highlighting alternatives and drawing our attention to social, political and economic injustices. Yet, the exhibition project is not merely about showcasing these ideas - they will also be realised in the exhibition as well as in public spaces.

Living the boundaries is my personal contribution to the new world.

During our existence we experiment various boundaries which define us, pointing out discontinuity, walls to break, prohibitions to respect, real or symbolic tales. The board surrounding us, influencing every angle and in all perspective, starting from our unchangeable date of birth, time, place, family, language, country, from the shell of our own skin, from the sensitive horizon, intellectually sentimental of our soul to finish with the last term of death (Remo Bodei).
The human kind condition is distinguished by being surrounded by limits moving and changing. Man is the human being with no boundaries, because once discovered most of the time he overcame them. Facing the complexity of similar questions it is fundamental to replace the limit’s idea, having partially lost our full awareness, which was normal in other time, in order to be able to define the extensions of our liberty and to calibrate the range of our desire. In a world changing quickly where architecture primal function is to protect and shape human activities, it’s important to acknowledge the multiple and concrete aspect of single boundaries, rediscovering , from time to time, the reasons establishing the importance criteria and carry out a careful mapping. It’s necessary to inhabit the boundaries and not erasing them, it’s necessary to inhabit the space not to reach new aim but to learn to live in our planet. In such a way it will be possible to recognize the primal function of architecture which should quit its own planet because only by looking at the Moon surface and observing other planets of un-breathable atmosphere, of extreme temperature, we can feel the earth nostalgia, the only place where life still possible before it is destroyed by our behavior. The ambiguity of the spatial endeavor, where projecting ourselves outside intersect the desire to come back, replace the man in the center of the universe. This not achievable projects in terms of reasonable time, demonstrate the nostalgia of a possible future, suggest a future where we will be obliged to put them into practice in order to be able to come back home. 

 living the limit 01 | 2016

Durante la nostra esistenza sperimentiamo innumerevoli confini che ci definiscono, segnalando discontinuità, barriere da infrangere, divieti da osservare, storie reali o simboliche. I limiti ci circondano e ci condizionano da ogni lato e sotto ogni aspetto, a iniziare dagli immodificabili dati della nostra nascita, tempo, luogo, famiglia, lingua, Stato, dall'involucro stesso della nostra pelle, dagli orizzonti sensibili, intellettuali affettivi del nostro animo per finire con il termine ultimo della morte. ( Remo Bodei)
La condizione della specie umana è contraddistinta dall'essere circoscritta da limiti che sono mobili e cangianti, l'uomo è l'essere che non ha confini, perché nel trovarli per lo più, li supera.
Di fronte alla complessità di simili questioni è diventato urgente rimpiazzare l’idea di limite, di cui si è in parte persa la piena consapevolezza, normale in altri tempi, in modo da essere meglio in grado di definire l'estensione della nostra libertà e di calibrare la portata dei nostri desideri.
In un mondo che cambia velocemente e in cui l’architettura sta perdendo la sua funzione primaria, quella di proteggere e dare forma alle attività umane, è necessario riconoscere i molteplici e concreti aspetti dei singoli limiti, riscoprirne, di volta in volta, le ragioni, stabilirne i criteri di rilevanza e compierne un'attenta mappatura. 

 living the limit 02 | 2016

E’ necessario abitare i limiti e non cancellarli, è necessario abitare lo spazio non per raggiungere nuovi traguardi ma per imparare a vivere sul nostro pianeta. In questo modo sarà possibile riconoscere la funzione primaria dell’architettura, che deve abbandonare il proprio pianeta perché solo guardando la superficie della Luna e osservando gli altri pianeti dalle atmosfere irrespirabili, dalle temperature estreme, si può riscoprire la nostalgia per la Terra, unico luogo dove la vita è ancora possibile prima che sia distrutta dai nostri comportamenti.
L’ambiguità dell’impresa spaziale, in cui il proiettarsi verso l’esterno si intreccia con il desiderio di ritorno rimette l’uomo al centro del mondo.
Questi progetti non realizzabili in tempi ragionevoli, manifestano la nostalgia di un futuro possibile, indicano un avvenire in cui ci vedremo comunque obbligati a metterli in pratica, per poi poter tornare finalmente a casa.

LA FINE DELL'UTOPIA

SUPERSTUDIO
Opere1966-1978
a cura di Gabriele Mastrigli
Quodlibet 2016

Negli ultimi cinquant'anni qualcosa è cambiato. In questi giorni il livello delle acque della Senna per le forti piogge preoccupa gli abitanti della capitale francese. Olivier Campagne e Vivien Balzi hanno raccontato la città che affonda in un piccolo film. Fotogramma dopo fotogramma Parigi si specchia in maniera quasi compiaciuta nell'acqua che invade le strade, lambisce i monumenti, fino a raggiungere la Piramide del Museo del Louvre, forma archetipo che invece di sciogliersi nell'acqua come le forme di sale della Moglie di Lot [1] , si specchia in quella stessa acqua che quasi cinquant'anni prima aveva distrutto la città di Firenze ma aveva prodotto un'Utopia trasformatasi nel tempo in realtà, il monumento continuo.

L'acqua che aveva superato gli argini del fiume Arno nel 1968 aveva rotto anche gli argini dell'immaginazione di alcuni giovani architetti fiorentini, che avevano trasformato una catastrofe in una possibilità per l'architettura. L'inondazione di Firenze è stata per i Superstudio il punto di partenza per un viaggio lungo una vita che li riporta dopo cinquant'anni al centro della scena al MAXXI di Roma. 

Ma torniamo a Parigi e al piccolo film elegante e raffinato, specchio dei nostri tempi, che ci mette di fronte a un qualcosa difficile da accettare. Nel nostro tempo, nella nostra cultura, non c'è più spazio per l'Utopia, rimane solo il tempo per contemplare il reale, perché l' Utopia è perduta per sempre. 

Superstudio indagando il significato dell'architettura nell'epoca della società dello spettacolo di fronte a queste immagini non avrebbe potuto cominciare il suo viaggio di formazione, l'immaginario di questo nostro tempo appare sempre di più bloccato e rinchiuso in se stesso, incapace di provocare reazioni. Può solo essere osservato attraverso uno schermo. Ecco cosa è cambiato. Negli ultimi mesi il lavoro di Superstudio è stato presentato, vivisezionato e reinterpretato in libri e pubblicazioni diverse e poi infine celebrato da una grande retrospettiva al MAXXI di Roma e da un libro monumentale, che mette ordine in un archivio ricco di parole e immagini capaci ancora oggi di produrre significato. Perché Superstudio è stato capace, al contrario di altri gruppi Radicali, grazie al metodo di lavoro e alla combinazione felice dei suoi fondatori, di creare le condizioni utili per prefigurare un futuro per l'architettura allargando il campo della disciplina, ma specialmente cambiandone il punto di vista. Superstudio ha guardato in un'altra direzione, catalogando il reale e interpretandolo in modi sempre diversi, non avendo paura di cambiare, di rimettersi in discussione e infine di abbandonare il campo, di comune accordo, nel momento esatto in cui non si poteva andare oltre. Quando il loro disegno unico ridotto all'essenziale ha dimostrato che ogni ricerca della modernità era destinata prima o poi al fallimento.

“Il nostro lavoro si è sempre svolto per inventari e cataloghi, e forse l'unico lavoro oggi possibile è l'autobiografia come progetto di vita. Dal 1965 al 1968 abbiamo lavorato con la convinzione che l'architettura fosse un mezzo per cambiare il mondo. I progetti erano l'ipotesi di trasformazioni fisiche, erano modi di ipotizzare qualità e quantità diverse. Questi progetti sono stati raccolti nel primo catalogo: un viaggio nelle ragioni della ragione. Un viaggio come Pilgrim's progress, o guida per i giovani architetti, attraverso l'architettura dei monumenti, l'architettura delle immagini, l'architettura tecnomorfa, l'architettura della ragione… “ (1969)

Un'Architettura critica, la loro, capace di porre continue domande invece che formulare risposte capaci di salvare il mondo, perché il mondo non possiamo salvarlo solo attraverso l'architettura. Nel 1967 scrivevano: è la poesia che fa abitare, la vita si svolge non solo in scatole ermetiche per piccole vite parallele, ma anche nelle città e nelle auto, nei supermarket e nei cinematografi... Luoghi oggetti di racconti, che l'architettura completa e custodisce, in un viaggio ai confini della razionalità. Il libro che accompagna e dilata la mostra, ripropone tutti i cataloghi e i progetti di Superstudio ed è la prova tangibile di come ancora oggi sia possibile leggere il mondo con quello sguardo disincantato ed entusiasta, come quella curiosità antropologica che crede nell'importanza di guardare all'uomo come soggetto politico superando linguaggi ed espressioni totalizzanti.

La mostra al MAXXI dovrebbe essere un viaggio obbligato per tutti, perché è una mostra diversa, in cui il curatore non si limita ad elencare e mettere in fila parole e immagini, storicizzandole, ma come un direttore d'orchestra guida le voci dei membri del Superstudio a intonare una via dei canti che ha cercato di indagare il presente pensando in ogni momento al futuro. Ogni nota e ogni frammento di questo canto sembrano indicare una direzione diversa ma in realtà descrivono un sogno durato cinquant'anni, un sogno in cui l'architettura è protagonista. “Crediamo in un futuro di architettura ritrovata, il futuro in cui l'architettura si prende suoi pieni poteri abbandonando ogni sua ambigua designazione e ponendosi come unica alternativa alla natura. La terra resa omogenea dalla tecnica dalla cultura e da tutti gli altri imperialismi.” Ogni sezione non è spiegata dal curatore, nel modo di chi cerca di interpretare e guidare alla lettura. Lascia il campo alle parole dei protagonisti che con un frammento dei loro testi ricordano, guidandoci in un viaggio attraverso la memoria. Tocchiamo così un'idea di architettura, toccandola impariamo a conoscerla. Una mostra pensata come un viaggio che mi riporta alla mente una frase di Bruce Chatwin che descrive la tradizione orale del popolo Aborigeno.

“Ancora oggi, disse Wendy, quando una madre aborigena nota nel suo bambino i primi risvegli della parola, gli fa toccare le cose di quella particolare regione: le foglie, i frutti, gli insetti e così via. Il bambino, attaccato al petto della madre, giocherella con la cosa, le parla, prova a morderla, impara il suo nome, lo ripete e infine la butta in un canto. Noi diamo ai nostri figli fucili e giochi elettronici, disse Wendy. Loro gli hanno dato la terra.”

[2]

In questa mostra i Superstudio ci hanno ridato la terra come luogo per l'architettura, la abbracciamo per la prima volta sfogliando immagini e architetture, idee e non oggetti, concetti e non una lingua da riprodurre o imitare.

“Oggi più che mai gli uomini dovevano imparare a vivere senza gli oggetti. Gli oggetti riempivano gli uomini di timore: più oggetti possedevano, più avevano da temere. Gli oggetti avevano la specialità di impiantarsi nell’anima, per poi dire all’anima che cosa fare.”

Qualcuno di recente ha detto che non c'era bisogno di una mostra monografica sul Superstudio, perché le mostre monografiche non sono necessarie. Si sbagliava, solo una ricerca attenta sulle tracce disseminate confusamente nella storia, e l'ordine di un archivio come questo fatto soprattutto di parole (in mostra c'è anche un volume curato da Gabriele Mastrigli con le foto di Stefano Graziani). Non perdetelo, anzi confrontatelo con le opere e le fotografie di Cristiano Toraldo di Francia per estrarre da questo sguardo diverso e molto personale altri aspetti del loro lavoro. Può spiegare tante cose a chi ha guardato fino ad oggi solo le Immagini che hanno prodotto.

Esiste un pericolo concreto, quello di riprodurre questo immaginario senza attualizzarlo, allora prima di farlo leggete queste Opere

[3]

con grande attenzione e ritornerete al punto di partenza, alla frase di Jorge Luis Borges che apre il libro:

“Un uomo si propone lo scopo di disegnare il mondo. Col passare degli anni popola uno spazio di immagini di regioni, regni, montagne, golfi, navi, isole, pesci, case, strumenti, astri, cavalli e persone. Poco prima di morire scopre che questo paziente labirinto di idee traccia l'immagine del suo volto.”

Il testo è stato pubblicato sulla rivista Mappe.

[1]

Istallazione che il Superstudio presentata per la prima volta alla Biennale di Venezia del 1978.

[2]

Bruce Chatwin, Le Vie dei Canti, Adelphi, varie edizioni.

[3]

Superstudio

: Opere 1966-1978, a cura e con un saggio introduttivo di Gabriele Mastrigli, “Antefatti” di Cristiano Toraldo di Francia.

LO SPAZIO DEL LAVORO

L'architettura è da sempre specchio del mondo che cambia, due libri che riflettono sullo spazio della produzione e sullo spazio del lavoro, ci insegnano che guardare al passato serve a comprendere il mondo che cambia, solo studiando e comprendendo a fondo queste trasformazioni politiche e sociali l'architettura potrà prefigurare il futuro. Chi non lo capisce ha perso prima di cominciare, grazie a Luca Montuori che ha letto per noi questi due libri.

SPACE OF PRODUCTION
Projects and Essays on Rationality, Atmosphere, and Expression in the Industrial Building
Edited by Jeannette Kuo.

by Luca Montuori

Con un certo ritardo sul “Guardian” è apparso in questi giorni un articolo che ci avvisa che la fine del capitalismo è iniziata. La trasformazione del lavoro è uno dei temi su cui si è più riflettuto negli ultimi anni e l’epoca del post-fordismo ha alimentato molte delle riflessioni architettoniche nella contemporaneità. Tra le questioni più importanti rimane il problema della figuratività ( o non figuratività) dei nuovi spazi in cui vivono i lavoratori dell’immateriale, le nuove forme di controllo del lavoro, il rapporto tra abitare e lavorare, la fine del tempo libero e del rapporto tra spazio pubblico e spazio privato. Nuovo lavorare e nuovo abitare. Per questo il volume “Space of Production”, che si accompagna anche a un precedente volume dal titolo “A-Typical plan” (Projects and Essays on Identity, Flexibility and Atmosphere in the Office Building, curato dalla stessa Jeannette Kuo) sugli edifici per uffici, assume un significato che va ben oltre la mera catalogazione di edifici industriali e non è semplicemente un nuovo tentativo di guardare alle potenzialità espressive che la ricerca in campi innovativi per il progetto ha potuto generare. Non è qui in discussione la capacità espressiva dei progettisti nell’immaginare la forma che si libera dalla struttura tipologica tradizionale per costruire i nuovi spazi della modernità. C’è qualcosa in più. Il libro ha un ampio testo critico iniziale che riflette proprio sulla trasformazione del lavoro e degli spazi in cui questo si svolgeva e si svolge oggi. Il testo è accompagnato da una serie di schede di casi di studio, edifici industriali maestri del moderno come Peter Behrens, Félix Candela, Albert Kahn, Louis I. Kahn, Robert Maillart, Pier Luigi Nervi, Auguste Perret, Jean Prouvé, ma anche esempi contemporanei tra cui Herzog e de Meuron. I progetti sono descritti pubblicando foto d’epoca, disegni originali ma anche attraverso una operazione di ridisegno degli edifici resi confrontabili grazie a una unificazione dei codici grafici di rappresentazione. I disegni sono realizzati all’interno di ricerche ed esperienze didattiche della École Polytechnique Fédérale de Lausanne. Gli autori quindi, se nel primo volume avevano raccolto una serie di casi studio, di edifici per uffici, catalogandoli e confrontandoli attraverso l’osservazione della pianta come elemento generatore di spazialità generiche, qui offrono una chiave di lettura che guarda alla “sezione” come mezzo per configurare, controllare il progetto e soprattutto come strumento per progettare i nuovi luoghi della produzione. Il volume infatti si chiude con alcuni interessanti progetti della scuola che tentano di rendere attuale la riflessione sulla natura degli spazi del lavoro, e quindi dell’abitare, nell’epoca della fine del lavoro.

In Spaces of production sono raccolti contributi di Alberto Bologna, Juan José Castellón, Jeannette Kuo, Cédric Libert, e una intervista con Jacques Herzog. In A-Typical PLans contributi di: Iñaki Ábalos, Pier Vittorio Aureli, Andrea Bassi, Florian Idenburg, Jeannette Kuo, Jimenez Lai, Inès Lamunière, Freek Persyn

A-TYPICAL PLAN

Projects and Essays on Identity, Flexibility and Atmosphere in the Office Building

Edited by Jeannette Kuo with Dries Rodet and Isabelle Concherio

THE SUPREME ADVENTURE

THE SUPREME ACHIEVEMENT

edited byMaria S. Giudici e Davide Sacconi
BLACK SQUARE PRESS 2016
Tales from a present future
by Maria Shéhérazade Giudici and Davide Sacconi

In 1971 Superstudio published in Architectural Design

Twelve Cautionary Tales for Christmas, twelve short stories illustrated with their own drawings, which put forward a critique of the role of architecture in the making of the city. The twelve stories illustrate what Superstudio defines as “premonitions of the mystical rebirth of urbanism”, that is to say, a condition in which architecture takes command and becomes, in a very explicit way, a tool for the construction of subjects. As such the Cautionary Tales are not projections of a desirable future but rather exaggerated portraits of the present condition. The science fiction character of the narrative, juxtaposed with the technical precision and evocative dimension of the drawings, constructs a detachment from reality that is the key to a ruthless and powerful critique. The chosen format itself is the device through which the authors target precisely the relationship between space and government, form and modern politics, without either seeking refuge in academic theories or falling into naïve utopias. 

The Tales, at their root, address the relationship between the project of governance, the project of the city, and the project of our domestic space. This relationship is not a new thing. For example, ancient Chinese cities, founded on the logic described in the Rites of Zhou, already present a sophisticated translation of ethical hierarchies in built form, as did the Roman colonial grid. However, in these cases, the symbolic and military ambitions at stake are always laid out in a way that includes a clear form of self-representation. In other words, these traditional cities were always legible as projects. Moreover, the idea of power and authority in pre-modern times conceptually predated the making of the city, which then became the fit receptacle and embodiment of that power. However, from the 1700s onwards, the system shifted: it is the urban space itself that constructs the very possibility of government, it is the ordering of the city that builds the consensus, which any power needs to exist. Abraham Bosse’s famous frontispiece for Hobbes’ Leviathan already brings to the foreground this need to root power in the calculated composition of a mass of bodies into an orderly people. In this shift, the built form ceases to be a representation and becomes, as Le Corbusier would say, a machine. As architects, this condition forces us to ask ourselves: have we yielded all of our imaginative and disruptive power by accepting this role, or on the contrary have we become all the more powerful, yet questionable, by becoming not only the accomplices but the very enablers of government? This conundrum is well expressed in the clinical, relentless descriptions of the original Superstudio Tales as well as in the illustrations which portray an architecture which is at the same time both absolutely generic and rarefied, but also monumental by virtue of its sheer scale. 

These considerations of Superstudio’s critical approach and their reflections on the role of architecture were the starting point of The Supreme Achievement, a project born out of the collaboration of CAMPO and Black Square – respectively, a space for architecture in Rome and a Milan-based publishing and educational platform.

In the summer of 2015 we invited twelve architects and collective practices to give their own interpretation of Superstudio’s Cautionary Tales in relationship to the contemporary condition, respecting the original format of one text and one image. We assembled a fairly heterogeneous group of contributors; architects and collectives with different backgrounds, experiences and positions, coming from three different continents and belonging to different generations. In spite of the differences, a common thread can be identified among the participants; on the one hand, a shared interest in the relationship between the city and power while on the other hand, a particular relevance is given to architectural representation. They all use drawing as a heuristic device – that is to say, as a form of knowledge in its own right – rather than as a mere way to explain a project: for them the drawing itself is the project. 

To further elaborate and open up a discussion on these contributions, we organised a one-week workshop at CAMPO during which a group of students, speculated on the space of the self within the framework proposed by the twelve visions. Departing from the images and texts as a brief, the students elaborated architectural devices that respond to the original contribution as mechanisms triggering an experiential dimension of the cities. The devices, through their material presence as plaster models, oppose the character of the urban visions by adding a formal and spatial level of reflection that complements or twists the original propositions. The models, juxtaposed and considered as a whole, become fragments of a possible analogous city to come.

The work, a result of this process of exchange, was exhibited at CAMPO in September 2015. The entire process involved architects, students and guest critics who are all engaged in an ongoing debate around the question first put forward by Superstudio: is architecture condemned to become a machine of government? 

The results have been quite extraordinary and surprising in many respects. The restraints and the consequent clarity found in the Cautionary Tales format revealed not only its enduring validity but, if possible, an even increased power vis-à-vis the contemporary reality and the variety of invited contributors. The material as a whole has a visual and conceptual clarity, but at the same time, once we enter into the depths of the narratives and details of the designs, one is able to produce countless possibilities of cross references. The images and the texts offer themselves to the viewer as a living matter, where each contribution can be read against the others in an endless play of elective affinities and conflicts. Thus, the framework of the Tales engenders a tension among the projects where the differences are neither recomposed nor irreconcilable, producing an understanding of the whole that is greater than the single parts. Each contribution insists on distinct attitudes that span from acceleration to opposition, from the poetic to the technological, from the ironically disenchanted to the resolutely pragmatic, giving form to a mosaic of visions and tools. Nevertheless, we can clearly read a common concern with the (im)possibility to investigate and represent the current transformations of the city, its dissolution in a system of norms defining behaviors, where architecture seems to be progressively absorbed into a productive machine. The physical and mental acceleration is produced and at the same time produces the endless condition of urbanization. 

An interesting edge seems to materialize from this common ground when it comes to defining a possible role of architecture within the condition of urbanization. For example, Philippe Morel’s Last Earth brings the possibilities offered by mathematics and computational tools to their most extreme consequences. Thus uncovering the irresolvable internal contradictions brought about by the progressive naturalization of capital as an endless process of accumulation. In a city on a planetary scale where everything is immediately and intrinsically available thanks to the computational management of a ‘state of statistical chaos’, architecture, the city and man are reduced to irrelevant numbers subordinate to ‘an ideal gas law’.

On a similar path, but possibly a few centuries earlier, Raumlabor speculates on the technical and cultural possibilities offered by 3d printing technology applied to the urban scale. The mechanical precision of the drawings and the tech-journalist like style of the text of Stadtfresser City have an evocative quality that instrumentalises the technical issues to open a more profound question of globalization, erasure of cultural differences and ultimately on the dissolution of architecture as language and knowledge. Precisely the relationship between knowledge production and life is at the center of the vision constructed by Behemoth, the Italian-Iranian Holland-based trio. Produced by their sharply critical and ironic gaze, Penelope or the Endless Loom materializes in an absurdly low-tech but highly sophisticated machine, an allegory of the actual condition of labour within university campuses. Similarly to Morel’s proposal, the relationship between architecture and the city or between matter and man, are completely dissolved and substituted by the management of feedback loops, an ‘endless loom’ of economic, intellectual and affective relationships efficiently serving the machine. 

The same planetary gaze from Morel’s proposal is seen from a different perspective in the collaboration between FORA and Beth Hughes. The Assembly, at once a post-apocalyptic and very actual scenario, where in a process of ‘metropolitan autopoiesis,’ the territory is continuously reorganized by infrastructural systems that leave behind a landscape of obsolete technology. A glimpse of hope seems to reside in the possibility to ‘re-appropriate and co-opt’ these ‘wrecks of physical surplus,’ in ‘extraterritorial exemptions’ where a new relationship with space might emerge; a very tight space for architecture to maneuver. 

Similarly architecture plays the role of found opportunity within a larger system in, The Warehouse City, the poetic vision by Aristides Antonas. The collage, to a certain extent, could be read together with The Assembly – here it is no coincidence that both projects use collage – as a representation of the ‘inhabitation of the invisible flows,’ of time, space and the relationships that connective infrastructure produces between humans. The city is the endless interior of an ‘abstract warehouse’ where everything is represented and where the new potential resides, more than in the architecture, in the possibility to instrumentalise the ‘infrastructure protocols’ to construct new forms of co-existence. The recapture of the interior through a collective organization becomes the central theme of The City Within, the tale imagined by Microcities (in collaboration with Giacomo Nanni, Cristina Crippa, Raffaele Alberto Ventura and Francesca Guidoni), where a ‘slow and secret invasion’ from within is able to regain control of a city now turned into a desert by private interests and technocratic control. The project exposes the blurring of private and public space, domestic and working condition, political and the economic sphere, that is at the core of the contemporary condition. The detailed precision of the account, the choice of the section as a tool for representation and the happy ending betray an optimistic vein to which architecture seems to be inevitably condemned. As a sort of counterpart, the project Master and Slave by Didier Fiuza Faustino relies on a much more ambiguous and dystopian atmosphere. The city, or possibly the entire civilization, is condensed in an inhabited Moloch that is eroded from the inside, a conflict of devotion and domination, dependence, and fulfillment that masters and slaves are obliged to play in an uncanny and open-ended perversion. 

An estrangement of a different nature is provoked by the cyclic conception of time in the City without a Monument by the Brazilian duo Miniatura, where the city is a cycle that transforms the relationships between itself, man and architecture in an endless time-space loop. A process, more than an architectural form, that, containing ‘the repertoire of everything that was and has to be done’ breaks with the idea of modernity based on progress and memory. 

The theme of memory finds its most poetic moment in the visionary tale narrated by MAP Office. The French duo, based in Hong Kong, speculates on the relationship between the nature of a person and their technological extension, between the volatile character of information and the permanence of matter, the inevitability of death and the construction of memory. The record of each life, one chip after the other, gives form to The Island of Memories, at once a cemetery and archive of the population’s entire collective knowledge. The tale can be read both as a subtle critique of the technological faith and as a light-hearted journey into the abyss of human nature, where the role of architecture is dissolved into a direct projection of ourselves in the infrastructure of the landscape. 

A step before death, Nocturnalia by Cero9/Amid put forward the possibility of collective sleeping as the last and paradoxical frontier of wakefulness, as a form of ‘resistance to a life exposed to a machinic process of exploitation’. Civilization without homes surrounded by the endless productive field of work where architecture celebrates and gives form to the ultimate public space; an enormous dome with a golden ceiling beneath which the whole population sleeps together in the attempt to escape the nightmare of uniformity. Endlessly monotonous walls, an ‘absolute homogeneity and sameness’ that continues unabated, is the theme of Alex Maymind’s The City of Walls, a direct reinterpretation of Superstudio’s First City. The walls construct a background condition, ‘a quality with no quality that has a quality of its own’, against which the unbridled nature of the city can materialize. Thus, the city is paradoxically conceived of as a subtraction that constructs and as the gesture that carves a political space out of the infinite, straight stubbornness of the walls.

Finally, Dogma proposes The Block, a straightforward reinterpretation of what was once the basic unit of the city, now condensed in a single monumental space. Architecture takes command over the city as an archetype that, through the precise articulation of its form can organize the relationship between ‘the two extremes of the human condition: solitude and togetherness’. The sheer scale of the artifact imposes a presence that nevertheless can be either rejected or eroded through inhabitation, opening up the possibility of a political dimension of co-existence by means of architecture. 

These twelve cities are not mutually exclusive; after all they are all happening, right here, right now, with their conflicts and their ambitions. Ultimately what emerges out of this complex mosaic of ideas is, against all odds, faith in architecture, in the possibility for architecture to exist perhaps beyond architects and against all the constraints of politics. A golden dome, a basement that becomes a city, the white noise of machines whose intricate construction doesn’t cease to fascinate us: the real Supreme Achievement resides in the capability to recognize the potential of space, and to turn it from an instrument of power into a weapon that may return some sense of awareness, agency, and perhaps beauty to us.

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UN' ISOLA LONTANA

Kiribati
Cronache illustrate da una terra (s)perduta
Andrea Angeli e Alice Piciocchi
24 ore cultura

Siamo entrati nel terzo millennio ed ancora è possibile viaggiare per scoprire il mondo.
Lo hanno fatto gli autori di questo piccolo capolavoro, Andrea Angeli e Alice Piciocchi, architetto lui e giornalista lei.
Hanno trovato nel viaggio il soggetto perfetto di questa riflessione sul mondo che abbiamo creato. Qui sul confine del mondo abitato un'isola della Micronesia è destinata a scomparire per l'innalzamento delle acque, fra vent'anni o forse 100. 

Quando non si sa, ma l’ipotesi è tanto credibile da aver convinto il presidente del Paese a progettare una migrazione di massa. Destinazione: isole Fiji. A tanto pragmatismo non corrisponde però la consapevolezza della popolazione, che continua la propria vita senza preoccuparsi del futuro.

Il viaggio degli autori comincia qui, nel cercare di entrare in sintonia con un’altra civiltà, scoprendone tutti i sorprendenti aspetti (dai riti magici ai valori) e componendo una storia a due velocità: visiva (le tavole di Angeli sono una versione moderna delle tavole Darwiniane) e narrativa. Il diario di Alice Piciocchi va oltre la cronaca, dimostrando un’empatia che parla una lingua universale.

Il libro è uno sguardo doppio su un mondo incastrato tra passato e presente, dove il futuro è un  tempo sospeso. E dove pratiche antiche si fondono con quelle contemporanee e creano dissonanze, interruzioni. Le superstizioni si fondono con le certezze dell'era moderna, diventando a loro volta racconti postmoderni che creano sorpresa nei due osservatori ma anche empatia.

I dubbi alla fine che nascono dal viaggio, ancora una volta inteso come scoperta di se, ci dicono senza indugi che viaggiare con lentezza è ancora la forma di conoscenza più pura.
Il libro è consigliato ad un pubblico adulto che riuscirà a pensare al mondo che cambia, ad un pubblico di bambini che si perderà nelle storie di un mondo reale ma allo stesso tempo immaginifico, ed infine agli architetti, che riscopriranno il valore del disegno come strumento utile di rappresentazione  del reale che nasconde molte più idee del reale stesso.

THE BIENNALE BOOKLIST 2016

La Biennale di Architettura è anche il luogo in cui trovare libri, ogni padiglione ha il suo catalogo e molti degli architetti partecipanti hanno un libro dedicato.  Nei giorni dell'apertura poi molti volumi vengono presentati, formalmente ed informalmente.  Ecco dunque una prima selezione di alcuni dei libri più interessanti che ho avuto modo di sfogliare e che ora, in fila sul mio tavolo, aspettano di essere letti con attenzione.

Home Economics 

 British Pavillion 2016

 curators Shumi Bose- Jack Self - Finn Williams

published by The Space

Home economics asks urgent questions about the role of housing and domestic space in the material reality of familial life.... propose new models for the front line of British architecture: the home..

Il tema del padiglione è affrontato e spiegato meglio nel catalogo piuttosto che nell'allestimento, il libro racconta e mette a sistema ricerche diverse, forse troppo omologate nella realtà del padiglione ma ben descritte dai singoli autori all'interno del libro.

Resta uno degli oggetti editoriali più belli visti a Venezia.

Studio Anne Holtrop

2G Magazine

Koening Books

Una monografia tradizionale, una rivista creata e pensata dalla Gustavo Gili di Barcellona e ora proposta in una nuova versione da un editore che gli restituisce nuova vita e speriamo una nuova serialità. Anne Holtrop studio è una realtà interessante con una ricerca precisa fatta sulla costruzione di spazi temporanei, ma di grande suggestione.

La sperimentazione non è sul linguaggio e nemmeno sulla tecnica ma sulla capacitá di costruzione di uno spazio mentale prima che fisico. 

Piccoli padiglioni definiscono una nuova idea di architettura effimera dove l'abitare non è legato ad un programma specifico ma ad un modo non convenzionale di utilizzare lo spazio.

I am interested in a possible architecture

 dichiara l'architetto olandese, e il libro ne è la prova evidente.

Fundamentals Acts

curato da Matteo Ghidoni

a+mbookstore

Lo so negli ultimi mesi il lavoro di SUPERSTUDIO è stato vivisezionato, celebrato e raccontato da una grande retrospettiva al Maxxi di Roma con un libro monumentale.  Sono tanti gli omaggi e i tributi di autori diversi, questo più di tanti altri da spazio all'immaginazione e coinvolge una lunga serie di invitati chiamati a riscrivere gli Atti Fondamentali, un libro ben curato, con una grafica elegante e un contenuto etereogeneo capace però di dare nuova vita ad un'idea di architettura che da Utopia si è trasformata in realtà.

Art of Many 

Danish Pavillion

The Danish Architectural press

Una raccolta di progetti di architettura realizzati nel mondo da architetti Danesi, un enciclopedia su una nazione che sta concentrando tutte le sue forze su una produzione edilizia di grande qualità.

Bravoure  Scarcity Beauty

curators  architecten de Vylder Vinck taillieu, 

doorzon interieurarchitecten, Filip Dujardin

Flanders Architecture Institute

A proposal that has taken this concern for craft further. it has become a questioning of the intentions and the operations of architecture at a time when necessity is paramount, and immagination necessary.

Tredici progetti di altrettanti studi per illustrare la propria visione della maestria, il team BRAVOURE espone nel padiglione belga frammenti di progetti rappresentativi di un idea di architettura tanto semplice quanto suggestiva. Tramite delle copie a grandezza reale di dettagli di edifici viene illustrato il modo in cui la ristrettezza economica in edilizia possa condurre e sfociare nell’abilità dell'architetto. De Vylder dichiara

Il frammento viene esposto nella sua realtà, seppur estrapolato dal 

suo contesto, per dar finalmente vita a una nuova dimensione

. Gli studi di architettura che forniscono il proprio contributo all’esposizione si sovrappongono alle visioni di Filip Dujardin che reinventa  il reale trasfigurandolo in pura forma.

Un dialogo ben riuscito tra immaginazione e realtà dove spesso il confine tra rappresentazione e realizzazione perde ogni tipo di consistenza.

Fanno parte del team BRAVOURE lo Studio architecten de Vylder Vinck taillieu, con Filip Dujardin 

come contrasto finora imprescindibile, e lo studio doorzon interieurarchitecten come punto di 

giunzione del triangolo.

The Architectural Imagination

cataLog n 37  

Unite States Pavilion

curated by Cynthia Davidson - Monica Ponce de Leòn

Un padiglione che cerca di rispondere alle domande lasciate aperte dal curatore dell'intera Biennale Aleandro Aravena, attraverso progetti di architettura utilizzati come motore di sviluppo urbano. La città di Detroit è al centro di questo progetto, una raccolta di proposte molto diverse tra loro ridefinisce il significato della parola

Immaginazione

. Anche se non tutti i progetti hanno la forza di produrre una risposta convincente bisogna dare atto ai curatori che hanno creduto nelle potenzialità dell'architettura come disciplina autonoma capace di fornire risposte concrete a problemi economici e sociali.

DESERTO ROSSO n.5

Vienna: L'odio di se

Curato da Manuel Orazi, Gabriele Mastrigli, Giovanni Damiani, Francesco Parisi.

Gli uomini della nostra epoca confusa vivono la loro vita più vera in episodi accidentali, malintesi non chiariti, fruttuose distrazioni.

Hugo von Hofmannsthal, Il libro degli amici, 1922

Deserto Rosso ricompare con il n.5 dopo il n.0 uscito quattro anni fa, sempre in occasione della Biennale di Venezia, in un forma raffinata ed un'eleganza grafica d'altri tempi.

Una rivista che tace per poi rinascere all’improvviso dalle sue ceneri dopo quattro anni si può solo spiegare con le parole di Hugo von Hofmannsthal: “Amore e odio di se stessi sono le più profonde forze produttive del mondo”. Eppure sottrarre tempo, forze e persino denaro per pubblicare un numero al limite dell’autolesionismo, dedicato a un tema inattualissimo e ben sapendo che non convinceremo nessuno a seguirci sulla strada deviata che porta lontano da ogni possibile autopromozione, in una ricerca che non verrà riconosciuta come tale da nessuno e tantomeno come informazione, solo questo compito ci accomuna e sprona come un irrefrenabile impeto nichilista.

The Metropolitan Laboratory

MAGAZINE

volume one

Education: Trial and Error

ANCB The Aedes Metropolitan Laboratory

La galleria Aedes di Berlino attraverso una rivista si interroga sul valore dell'Educazione, su come l'architettura debba essere trasmessa alle nuove generazioni, e su come la disciplina stia assumendo una forma dialettica nuova ed in continua evoluzione.

Una ricerca fondamentale che fa riflettere.

AP 164  Abalos Herreros

selected by Kersten Geers and David van severen

Juan Josè Castellòn Gonzalèz

Florian Idemburg and Jing Liu

With photograph of Stefano Graziani

Senza ombra di dubbio un contributo quello,degli autori coinvolti a leggere l'archivio dello studio Abalos Herreros, molto importante. Che definisce nuove prospettive e nuovi significati per gli archivi di architettura, non legati soltanto alla fase di rappresentazione delle opere, ma attenti a tutto quel materiale fino a poco tempo fa non ritenuto così importante nella formazione del progetto.

Un libro che coinvolge non solo i curatori ma architetti progettisti capaci di guardare all'architettura trasformandola in modello di lavoro.

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DOGMA+ BLACK SQUARE

Black Square Press

Come sempre lo studio Dogma in questo caso in tandem con Black Square confeziona una ricerca attenta dove teoria e progetto di architettura si sovrappongono.

All'interno del padiglione Inglese è costruito un modello scala 1.1 di un blocco servizi di alloggi tipo pensati per la città di Londra. Altro capitolo di una ricerca ormai decennale sulle nuove tipologie residenziali, tema già affrontato dallo studio Italiano con sede a Bruxelles con il prototipo realizzato lo scorso anno alla Haus deg Kulturen der Welt di Berlino e il libro realizzato da Spector books.

Il libro è curato e pubblicato dalla Black Square Press che sta lentamente delineando una programma di ricerca editoriale molto particolare ed innovativo da seguire e sostenere.